Junge abstrakte Künstler, die man im Auge behalten sollte

Als Einführung in diese Profile von zehn aufstrebenden abstrakten Künstlern, die unserer Meinung nach Ihre Aufmerksamkeit verdienen, bat mich mein Redakteur, ein wenig über den Zustand der zeitgenössischen abstrakten Kunst zu kommentieren. Diese scheinbar einfache Bitte hat meinen Geist seit mehreren Tagen in Aufruhr versetzt. Ich schreibe seit neun Jahren über zeitgenössische Kunst und konzentriere mich seit mehr als anderthalb Jahren speziell auf abstrakte Kunst. Doch wenn ich gebeten werde, den Zustand dieser Kunst zu bewerten, bin ich mir nicht genau sicher, was ich sagen soll. Wir leben in einer Zeit extremer Angst für jeden, der die Weltgeschehnisse aufmerksam verfolgt. Und Künstler leben in der gleichen Welt wie alle anderen, daher ist es keine Überraschung, dass sie von dieser Angst ebenso betroffen sind wie jeder andere. Eine Vielzahl von Kräften arbeitet hart daran, die Zukunft dieses Planeten zu gestalten, und es scheint oft, dass nur wenige von denen, die die Macht haben, tatsächlich etwas zu bewirken, sich einig sind, in welche Richtung sich die Zivilisation bewegen sollte. Aber ich bin der Meinung, dass abstrakte Künstler einzigartig positioniert sind, um unseren Weg zu beeinflussen. Sie sind unsere visuellen Poeten. Ihr Werk kann Barrieren von Sprache, Kultur, Nationalität, Geschlecht, Rasse und Wirtschaft überwinden. Ich stimme Künstlern wie Marcel Duchamp zu, die glauben, dass Betrachter Kunstwerke durch ihre Erfahrung vervollständigen. Künstler sind dafür verantwortlich, ästhetische Vorschläge zu schaffen, aber wir sind diejenigen, die dafür verantwortlich sind, was als Nächstes passiert. Wir können uns entscheiden, offen für neue Sichtweisen zu sein. Wir können wählen, was Bedeutung hat und was diese Bedeutung sein wird. Um uns auf diesem Weg zu leiten, haben zeitgenössische abstrakte Künstler all die gleichen Werkzeuge zur Verfügung wie zeitgenössische Wissenschaftler, Soldaten, Tycoons und Politiker. Was sie mit diesen Werkzeugen tun werden, ist die Frage, der sie sich jeden Tag stellen. Es ist meine ständige Hoffnung, dass sie mich überraschen werden. Die zehn abstrakten Künstler, auf die wir uns heute konzentrieren, arbeiten in einer Vielzahl von Medien und Formaten und schaffen Werke aus vielen verschiedenen Gründen. Ihre Vielfalt spiegelt die unzähligen unterschiedlichen Wege wider, die jeder von uns in dieser zeitgenössischen Welt frei wählen kann. Meiner bescheidenen Meinung nach sind sie der Beweis dafür, dass der Zustand der abstrakten Kunst heute so lebendig ist wie nie zuvor und so fähig wie eh und je, Werke zu produzieren, die bedeutungsvoll, wichtig, einflussreich und unerwartet sind.

Iva Gueorguieva

Geboren 1974 in Sofia, Bulgarien, erwarb Iva Gueorguieva ihren MFA an der Tyler School of Art in Philadelphia und lebt und arbeitet derzeit in Los Angeles, CA. Ihre ästhetische Vision ist besonders auf die städtische Umgebung zugeschnitten. Sie umfasst disparate Teile, die zusammenkommen, um an der Schaffung eines neuen Ganzen teilzunehmen. Gueorguieva arbeitet mit einer Vielzahl von verschiedenen Medien, konzentriert sich jedoch hauptsächlich auf Malerei und Skulptur. Ihre Gemälde kombinieren Elemente der Collage mit einem direkten malerischen Eingriff, um Bilder zu schaffen, die Komplexität, Bewegung und eine gehörige Portion Chaos vermitteln. Obwohl sie im Wesentlichen flach sind, fühlen sie sich dimensional an und ermutigen den Betrachter, sich vom bildlichen Raum umhüllen zu lassen. Wie ihre Gemälde werden auch ihre Skulpturen aus einer Vielzahl von verschiedenen Medien zusammengesetzt. Um sie zu schaffen, bringt Gueorguieva Teile ihrer physischen Umgebung zusammen, wie Beton, Metall, Papier, Plastik und Farbe, sodass das Werk ein Gefühl des Ortes seiner eigenen Entstehung besitzt. Die dann zusammengesetzten abstrakten Formen resonieren kraftvoll mit jedem, der mit dem visuellen Lexikon eines zeitgenössischen urbanen Ortes vertraut ist.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, Ölkreide auf Leinwand, © Sofia Contemporary und Iva Gueorguieva (Links) und Vanished Animal 5, 2015, Lithografie, Seifengrund, Weichgrund, Hartgrund, Trockenstich, Spuckbiss-Aquatinta, Wasserbiss-Aquatinta, offener Biss auf Stoff mit Handmalerei, Sprühfarbe und Ölkreide auf geschweißtem Stahlrahmen mit Stahlplatten, Bewehrungsstahl, Beton und Epoxidton, Foto mit freundlicher Genehmigung von ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (Rechts)

Holton Rower

Die Werke des in New York geborenen Holton Rower entstehen durch einen Prozess der allmählichen Ansammlung. Wie Schichten von sedimentärem Gestein, die im Laufe der Zeit abgelagert werden, gießt Rower methodisch monochromatische Farbschichten auf eine Oberfläche und lässt jede Schicht zusammenfließen, bevor er eine weitere Schicht darauf gießt. Schließlich, wie bei Bergen, sammeln sich die Schichten zu erheblichen Massen. Dann führt Rower mit einer Klinge die Aufgabe der natürlichen Elemente aus und schnitzt eine endgültige Form heraus. Ob an der Wand oder auf dem Boden präsentiert, diese Objekte sind von Natur aus skulptural und unbestreitbar Gemälde. Sie sind sowohl industriell in ihrer Natur als auch das Ergebnis harter körperlicher Arbeit. Sie sind formale Objekte von Farbe, Form, Gestalt und Textur und auch poetische Aussagen über die Menschheit und ihr fortwährendes Eingreifen in die Natur. (Oh, und auch wenn es nicht relevant für die Kraft und Präsenz seiner außergewöhnlichen Kunst ist, Rower ist auch der Enkel von Alexander Calder.)

Holton Rower - Installationsansicht bei VENUS LA: Die Idee ist erotischer als der Akt, 2016, Farbe auf Spanplatte (links), Victimless Crime Wave Reference, 2016, Farbe auf Spanplatte (Mitte), I Pray It Gives You Hope, 2016, Farbe auf Spanplatte (rechts), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Wie die Kubisten des frühen 20. Jahrhunderts hat die in Washington, D.C. geborene Fotografin Hannah Whitaker aufregende ästhetische Wege zur vierten Dimension entdeckt. Es klingt unglaublich, aber ihre Fotografien entstehen auf die altmodische Art: mit nichts als einer Kamera. Indem sie strategisch kontrolliert, welcher Teil des Negativs belichtet wird, konstruiert sie Bilder Stück für Stück, wobei sie manchmal mehrere Tage benötigt, um ein einzelnes Negativ vollständig zu belichten. Die resultierenden Bilder fangen die Realität ein, wie sie sich im Laufe der Zeit entfaltet hat, während sie sich durch den Raum bewegt. Durch die Kombination dieser vierdimensionalen Dynamik mit formalen abstrakten Bildern ist Whitaker zu einem einzigartigen ästhetischen Vorschlag gelangt, der die Fotografie voranbringt und gleichzeitig den zeitlosen Wert ihrer Grundlagen verkündet.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, Archivpigmentdruck (links), und Broadside 1, 2014, Archivpigmentdruck (rechts), © Hannah Whitaker

Ben Parker

Der abstrakte Origami-Künstler Ben Parker konzentriert sich auf die Akte der Entdeckung und des Experimentierens. Für einige besteht der Reiz der alten Kunst des Origami darin, die Figur eines Tieres, einer Pflanze oder eines Gebäudes aus den komplizierten Falten eines einzigen Blattes Papier hervortreten zu sehen. Für andere liegt der Reiz des Origami in seinem Potenzial für wissenschaftliche Entdeckungen, da es scheint, die Grundlagen des physischen Universums auszudrücken. Aber für Parker liegt der Reiz darin, herauszufinden, wie man die geometrischen Falttechniken des Origami nutzen kann, um abstrakte Formen hervorzurufen. Seine komplexen Kompositionen schaffen Raum, während sie ihn einnehmen. Sie sind sowohl substanziell als auch ätherisch. Sie entstehen scheinbar aus dem Nichts, und ihre Bedeutung ist ungewiss. Dass sie schön sind, ist unbestreitbar; und für viele Betrachter sind sie auch unbestreitbar tiefgründig.

Ben Parker - Durchbrochene Eindämmung, 2016, einzelnes Blatt Papier, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

Die Arbeiten der in Calgary geborenen Künstlerin Ashleigh Bartlett basieren auf den Akten der Trennung und Konstruktion. Ihre Collagegemälde erkunden abstrakte Kompositionen aus Farbe und Form, die aus Schichten von Leinwand, Papier und Farbe aufgebaut sind. Ihre Schnittarbeiten erreichen skulpturale Präsenz, die aus denselben Materialien wie ihre Collagegemälde zusammengesetzt sind, jedoch ohne die Oberflächenunterstützung. Wie Bartlett in diesen Arbeiten präsentiert, können das Zerlegen und Wiederzusammenbauen von Dingen sowohl als Handlungen gelesen werden, die offenbaren, als auch als Handlungen, die verbergen.

Ashleigh Bartlett - Überraschungswink, 2017, Leinwand, Papier und Acryl auf Leinwand (Links) und Snaggle, Öl auf Platte, 2011 (Rechts), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

Der multidisziplinäre Künstler Pello Artist wurde 1963 im baskischen Gebiet Andoain, Gipuzkoa, geboren. Seine Arbeiten stehen an der Spitze der zeitgenössischen ästhetischen Untersuchung, wie Objekte mit Raum verhandeln. Seine Installationen beinhalten häufig Wandmalereien, die direkt auf die Wände des Ausstellungsraums gemalt sind. Diese Wandmalereien führen ein formales Gespräch mit seinen konstruierten Objekten und zeigen, wie Farben, Linien und Formen sich in Gestalten verwandeln. Von zentralem Interesse für Irazu ist die laufende Diskussion darüber, wie Betrachter mit ästhetischen Objekten interagieren und wie sie ihre Beziehung zu den Räumen, die solche Objekte bewohnen, wahrnehmen.

Pello Irazu - Noli me tangere (Misstrauen) [Noli me tangere (das Misstrauen)], 2009, Guss- und geschweißte Aluminiumteile und Schrauben (links), und Room Under, 1995, Sperrholz, Vinylfarbe, Klebeband und Siebdruck auf Spiegel (rechts) beide aus der Sammlung des Künstlers, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

Der iranische Künstler Ramin Shirdel greift auf seinen Hintergrund in der Architektur zurück, um architektonische, optisch überwältigende Kunstwerke zu schaffen. Seine skulpturalen Gemälde reagieren auf wechselnde Lichtverhältnisse und werfen Schatten, die die Wahrnehmung ihrer illusionären Formen verändern. In den Werken sind poetische Farsi-Wörter verborgen, die Bedeutungen wie Liebe, Wahrheit, Umarmung, Welle und Meisterwerk haben. Die konkreten, formalen Qualitäten der Stücke bieten etwas ästhetisch Objektives, während der flüchtige Zustand des Bildes die subjektiven Bedeutungen unterstreicht, die durch die Wörter vermittelt werden.

Ramin Shirdel - Aroos (Braut), 2013, Mischtechnik auf Holzplatte, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

Für alle praktischen Zwecke ist das Medium der in Brooklyn ansässigen Künstlerin Afruz Amighi Metall. Sie schafft aufwendige, zarte Strukturen, die den Türmen von Kathedralen, den Spitzen von Minaretten oder den Punkten an der Spitze einer Krone ähneln. Aber ihr verborgenes Medium ist Licht. Wenn ihre Kreationen mit Licht getroffen werden, erwachen sie zum Leben, ziehen das Auge zu den vergänglichen Glitzern auf ihren Oberflächen und werfen gleichzeitig dramatische, komplexe Netzwerke von Schatten auf die umliegenden Flächen. Das Werk spricht poetisch darüber, was sichtbar gemacht wird und was verborgen bleibt, wenn alles erleuchtet ist.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, Installationsansicht, Metall, Kette, Licht, © Afruz Amighi

Artie-Platz

Der New Yorker Künstler Artie Vierkant verleiht den Ideen von Urheberschaft und Kontrolle eine ästhetische Stimme. Seine fortlaufende Serie mit dem Titel Image Objects beinhaltet, dass der Künstler Bilder aus dem Internet herunterlädt, sie in Photoshop verändert und dann als Oberflächenelemente für abstrakte Objekte verwendet, die er konstruiert. Es ist jedoch schwierig, Fotografien seiner fertigen Bildobjekte online zu finden, da Vierkant auch seine Ausstellungsschüsse in Photoshop verändert und diese Bilder als neue Werke an sich betrachtet. Wer die ursprünglichen Quellbilder besitzt und somit möglicherweise Anspruch auf seine veränderten Bildobjekte oder Ausstellungsbilder erhebt, hängt davon ab, wie man geistiges Eigentum betrachtet. Ein Punkt, den Vierkant ebenfalls zu machen scheint, ist, dass die einzige Wahrheit des Werkes in seiner physischen Präsenz liegt: Bilder von Kunst online anzusehen, ist nicht dasselbe wie Kunst persönlich zu sehen. Neben seinen Image Objects hat Vierkant auch begonnen, mit gemahlenen Monsanto-Samen als künstlerischem Medium zu arbeiten. Aber eine Frage, die dies und wirklich all seine Arbeiten aufwirft, ist, wie viel Bedeutung die Betrachter der Hintergrundgeschichte der verwendeten Ausgangsmaterialien in einem Kunstwerk beimessen sollten. Spielt das überhaupt eine Rolle? Oder ist die ästhetische Präsenz des Kunstobjekts selbst das einzige Wichtige? Haben quasi-philosophische Gespräche etwas mit Kunst zu tun? Sind sie Teil der Kunst? Vierkant gibt sein Bestes, um diese Fragen auf ästhetisch interessante Weise zu stellen.

Artie Vierkant - Photoshop-installationsansicht (links) und Pflanzenausdruckskonstrukte 2, Sojabohne MON89788, TO, Exploit (rechts), © Artie Vierkant

MadC

Die ehemalige Teenager-Graffiti-Künstlerin Claudia Walde, besser bekannt als MadC, verändert die Art und Weise, wie die Welt der bildenden Kunst mit Straßenkünstlern interagiert. MadC hat zwei Abschlüsse in Grafikdesign und zahlreiche Bücher verfasst. Sie ist auch weltweit als Wandmalerin bekannt, ein Bereich, in dem sie eine ausgeprägte und visuell beeindruckende ästhetische Position entwickelt hat. Kürzlich begann sie, ihre visuelle Sprache in eine Form weiterzuentwickeln, die sich in formale, innere Ausstellungsräume übersetzt. Sie hat beeindruckende Installationen geschaffen und auch Ausstellungen ihrer Leinwände gehalten, die mit transparenten Sprühfarben-Schichten erstellt wurden, die die darunter liegenden Schichten durchscheinen lassen. Sie hat sogar ihre Arbeiten auf Modeobjekte, wie Schuhe, übertragen.

MadC - Home Sweet Home, 2016, Installation, © MadC

Hervorgehobenes Bild: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, Acryl, Öl und Collage auf Papier auf Leinwand montiert, Foto Credits Ameringer McEnery Yohe, New York
Von Phillip Barcio