Junge abstrakte Künstler, die man im Auge behalten sollte

Als Einführung zu diesen Porträts von zehn aufstrebenden abstrakten Künstlern, die unserer Meinung nach Ihre Aufmerksamkeit verdienen, bat mich mein Herausgeber, ein wenig zum Zustand der zeitgenössischen abstrakten Kunst zu kommentieren. Diese scheinbar einfache Bitte hat meinen Geist mehrere Tage lang beschäftigt. Ich schreibe seit neun Jahren über zeitgenössische Kunst und konzentriere mich seit mehr als anderthalb Jahren speziell auf abstrakte Kunst. Doch wenn ich gebeten werde, ihren Zustand zu beurteilen, bin ich mir nicht genau sicher, was ich sagen soll. Wir leben in einer Zeit großer Angst für jeden, der die Weltgeschehnisse aufmerksam verfolgt. Und Künstler leben in derselben Welt wie alle anderen, daher ist es keine Überraschung, dass sie von dieser Angst ebenso betroffen sind wie jeder andere. Eine Vielzahl von Kräften arbeitet hart daran, die Zukunft dieses Planeten zu gestalten, und es scheint oft, als würden nur wenige derjenigen, die tatsächlich Macht haben, sich darauf einigen, in welche Richtung sich die Zivilisation entwickeln soll. Doch meiner Meinung nach sind abstrakte Künstler einzigartig positioniert, um unseren Weg zu beeinflussen. Sie sind unsere bildlichen Dichter. Ihr Werk kann Sprach-, Kultur-, Nationalitäts-, Geschlechts-, Rassen- und Wirtschaftsbarrieren überwinden. Ich stimme Künstlern wie Marcel Duchamp zu, die glauben, dass Betrachter Kunstwerke durch ihre Erfahrung vervollständigen. Künstler sind verantwortlich für die Schaffung ästhetischer Vorschläge, aber wir sind diejenigen, die bestimmen, was als Nächstes geschieht. Wir können uns dafür entscheiden, offen für neue Sichtweisen zu sein. Wir können wählen, was Bedeutung hat und was diese Bedeutung sein wird. Um uns auf diesem Weg zu leiten, haben zeitgenössische abstrakte Künstler dieselben Werkzeuge zur Verfügung wie zeitgenössische Wissenschaftler, Soldaten, Großunternehmer und Politiker. Was sie mit diesen Werkzeugen tun werden, ist die Frage, der sie sich jeden Tag stellen. Es ist meine ständige Hoffnung, dass sie mich überraschen werden. Die zehn abstrakten Künstler, auf die wir uns heute konzentrieren, arbeiten in verschiedenen Medien und Formaten und schaffen Werke aus vielen unterschiedlichen Gründen. Ihre Vielfalt spiegelt die unzähligen verschiedenen Wege wider, die jeder von uns in dieser zeitgenössischen Welt frei wählen kann. Meiner bescheidenen Meinung nach sind sie der Beweis dafür, dass der Zustand der abstrakten Kunst heute so lebendig ist wie nie zuvor und so fähig wie eh und je, Werke zu schaffen, die bedeutungsvoll, wichtig, einflussreich und unerwartet sind.

Iva Gueorguieva

Iva Gueorguieva wurde 1974 in Sofia, Bulgarien, geboren, erwarb ihren Masterabschluss an der Tyler School of Art in Philadelphia und lebt und arbeitet derzeit in Los Angeles, Kalifornien. Ihre ästhetische Vision ist besonders gut für die städtische Umgebung geeignet. Sie umfasst unterschiedliche Teile, die zusammenkommen, um ein neues Ganzes zu schaffen. Gueorguieva arbeitet mit verschiedenen Medien, konzentriert sich jedoch hauptsächlich auf Malerei und Skulptur. Ihre Gemälde verbinden Elemente der Collage mit direkter malerischer Intervention, um Bilder zu schaffen, die Komplexität, Bewegung und ein gutes Maß an Chaos vermitteln. Obwohl im Grunde flach, wirken sie räumlich und laden den Betrachter ein, vom Bildraum umhüllt zu werden. Wie ihre Gemälde sind auch ihre Skulpturen aus einer Vielzahl unterschiedlicher Materialien zusammengesetzt. Für ihre Herstellung bringt Gueorguieva Stücke ihrer physischen Umgebung zusammen, wie Beton, Metall, Papier, Kunststoff und Farbe, sodass das Werk einen Sinn für den Ort seiner Entstehung besitzt. Die abstrakten Formen, die dann zusammengesetzt werden, sprechen jeden kraftvoll an, der mit dem visuellen Lexikon eines zeitgenössischen urbanen Ortes vertraut ist.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, Ölkreide auf Leinwand, © Sofia Contemporary und Iva Gueorguieva (links) und Vanished Animal 5, 2015, Lithografie, Seifen- und Weichgrund, Hartgrund, Kaltnadel, Spuck-Aquatinta, Wasser-Aquatinta, offener Biss auf Stoff mit Handmalerei, Sprühfarbe und Ölkreide auf geschweißtem Stahlrahmen mit Stahlplatten, Bewehrungsstahl, Beton und Epoxidton, Foto mit freundlicher Genehmigung von ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (rechts)

Holton Rower

Die Werke des in New York geborenen Holton Rower entstehen durch einen Prozess der allmählichen Anhäufung. Wie Schichten von Sedimentgestein, die im Laufe der Zeit abgelagert werden, gießt Rower methodisch monochrome Farbschichten auf eine Oberfläche und lässt jede Schicht erstarren, bevor er eine weitere darüber gießt. Schließlich häufen sich die Schichten, ähnlich wie Berge, zu beträchtlichen Massen an. Dann führt Rower mit einer Klinge die Arbeit der Naturkräfte aus und meißelt eine endgültige Form heraus. Ob an der Wand oder auf dem Boden präsentiert, sind diese Objekte von Natur aus skulptural und unbestreitbar Gemälde. Sie sind sowohl industriell geprägt als auch das Ergebnis harter körperlicher Arbeit. Sie sind formale Objekte von Farbe, Form, Gestalt und Struktur und zugleich poetische Aussagen über die Menschheit und ihr fortwährendes Eingreifen in die Natur. (Ach, und auch wenn es für die Kraft und Präsenz seiner außergewöhnlichen Kunst nicht relevant ist, ist Rower zufällig der Enkel von Alexander Calder.)

Holton Rower - Installationsansicht bei VENUS LA: The Idea is More Erotic Than the Act, 2016, Farbe auf Spanplatte (links), Victimless Crime Wave Reference, 2016, Farbe auf Spanplatte (Mitte), I Pray It Gives You Hope, 2016, Farbe auf Spanplatte (rechts), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Wie die Kubisten des frühen 20. Jahrhunderts hat die in Washington, D.C. geborene Fotografin Hannah Whitaker aufregende ästhetische Wege zur vierten Dimension entdeckt. Es klingt unglaublich, aber ihre Fotografien entstehen auf altmodische Weise: mit nichts als einer Kamera. Indem sie strategisch kontrolliert, welcher Teil des Negativs belichtet wird, konstruiert sie Bilder Stück für Stück und benötigt manchmal mehrere Tage, um ein einzelnes Negativ vollständig zu belichten. Die resultierenden Bilder erfassen die Wirklichkeit, wie sie sich über die Zeit hinweg im Raum bewegt hat. Durch die Verbindung dieser vierdimensionalen Dynamik mit formaler abstrakter Bildsprache ist Whitaker zu einem einzigartigen ästhetischen Vorschlag gelangt, der die Fotografie voranbringt und zugleich den zeitlosen Wert ihrer Grundlagen betont.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, Archivpigmentdruck (links), und Broadside 1, 2014, Archivpigmentdruck (rechts), © Hannah Whitaker

Ben Parker

Der abstrakte Origami-Künstler Ben Parker konzentriert sich auf die Akte der Entdeckung und des Experimentierens. Für manche liegt der Reiz der alten Kunst des Origami darin, die Gestalt eines Tieres, einer Pflanze oder eines Gebäudes aus den filigranen Falten eines einzigen Papierblatts entstehen zu sehen. Für andere liegt der Reiz im wissenschaftlichen Entdeckungswert, da Origami scheinbar die Grundlagen des physischen Universums ausdrückt. Für Parker jedoch liegt der Reiz darin, zu entdecken, wie man die geometrischen Falttechniken des Origami nutzen kann, um abstrakte Formen zu erzeugen. Seine komplexen Kompositionen schaffen Raum, während sie ihn zugleich einnehmen. Sie sind sowohl greifbar als auch ätherisch. Sie entstehen scheinbar aus dem Nichts, und ihre Bedeutung ist ungewiss. Dass sie schön sind, ist unbestreitbar; und für viele Betrachter sind sie auch unbestreitbar tiefgründig.

Ben Parker - Breached Containment, 2016, einzelnes Blatt Papier, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

Die Arbeit der in Calgary geborenen Künstlerin Ashleigh Bartlett basiert auf den Akten des Loslösens und des Aufbaus. Ihre Collage-Gemälde erforschen abstrakte Kompositionen von Farbe und Form, die aus Schichten von Leinwand, Papier und Farbe aufgebaut sind. Ihre ausgeschnittenen Werke erreichen eine skulpturale Präsenz, zusammengesetzt aus denselben Materialien wie ihre Collage-Gemälde, jedoch ohne die Unterstützung einer Oberfläche. Wie Bartlett in diesen Werken zeigt, können das Auseinandernehmen und Wiederzusammensetzen sowohl als enthüllende als auch als verbergende Handlungen gelesen werden.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, Leinwand, Papier und Acryl auf Leinwand (links) und Snaggle, Öl auf Holztafel, 2011 (rechts), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

Der vielseitige Künstler Pello Irazu wurde 1963 im baskischen Gebiet Andoain, Gipuzkoa, geboren. Seine Arbeit steht an der Spitze der zeitgenössischen ästhetischen Erforschung, wie Objekte mit Raum verhandeln. Seine Installationen beinhalten häufig Wandgemälde, die direkt auf die Wände des Ausstellungsraums gemalt sind. Diese Wandbilder führen ein formales Gespräch mit seinen konstruierten Objekten und zeigen, wie Farben, Linien und Formen sich in Gestalten verwandeln. Von besonderem Interesse für Irazu ist die fortlaufende Diskussion darüber, wie Betrachter mit ästhetischen Objekten interagieren und wie sie ihre Beziehung zu den Räumen wahrnehmen, die solche Objekte einnehmen.

Pello Irazu - Noli me tangere (Misstrauen) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009, gegossene und geschweißte Aluminiumteile und Schrauben (links), und Room Under, 1995, Sperrholz, Vinylfarbe, Klebeband und Siebdruck auf Spiegel (rechts), beide aus der Sammlung des Künstlers, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

Der iranische Künstler Ramin Shirdel greift auf seinen Hintergrund in der Architektur zurück, um architektonische, optisch beeindruckende Kunstwerke zu schaffen. Seine skulpturalen Gemälde reagieren auf wechselnde Lichtverhältnisse und werfen Schatten, die die Wahrnehmung ihrer illusionären Formen verändern. In den Werken sind poetische Farsi-Wörter verborgen, deren Bedeutungen Liebe, Wahrheit, Umarmung, Welle und Meisterwerk umfassen. Die konkreten, formalen Qualitäten der Stücke bieten etwas ästhetisch Objektives, während der vergängliche Zustand des Bildes die subjektiven Bedeutungen der Worte unterstreicht.

Ramin Shirdel - Aroos (Braut), 2013, Mischtechnik auf Holztafel, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

Praktisch gesehen ist das Medium der in Brooklyn lebenden Künstlerin Afruz Amighi Metall. Sie schafft aufwändige, filigrane Strukturen, die den Türmen von Kathedralen, den Spitzen von Minaretten oder den Zacken einer Krone ähneln. Doch ihr verborgenes Medium ist Licht. Wenn ihre Werke vom Licht getroffen werden, erwachen sie zum Leben, ziehen den Blick auf das flüchtige Glitzern ihrer Oberflächen und werfen gleichzeitig dramatische, komplexe Schattennetzwerke auf die umliegenden Flächen. Die Arbeit spricht poetisch darüber, was sichtbar gemacht wird und was verborgen bleibt, wenn alles beleuchtet ist.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, Installationsansicht, Metall, Kette, Licht, © Afruz Amighi

Artie Vierkant

Der New Yorker Künstler Artie Vierkant verleiht den Ideen von Urheberschaft und Kontrolle eine ästhetische Stimme. Seine fortlaufende Serie namens Image Objects besteht darin, dass der Künstler Bilder aus dem Internet zieht, sie in Photoshop verändert und sie dann als Oberflächenelemente für abstrakte Objekte verwendet, die er konstruiert. Es ist jedoch schwierig, Fotografien seiner fertigen Bildobjekte online zu finden, da Vierkant auch seine Ausstellungsfotos in Photoshop verändert und diese Bilder als eigenständige neue Werke bezeichnet. Wem die ursprünglichen Quellbilder gehören und wer somit Eigentum an seinen veränderten Bildobjekten oder Ausstellungsbildern beanspruchen könnte, hängt davon ab, wie man geistiges Eigentum betrachtet. Ein Punkt, den Vierkant ebenfalls zu machen scheint, ist, dass die einzige Wahrheit des Werks in seiner physischen Präsenz liegt: Kunstbilder online anzusehen ist nicht dasselbe wie Kunst persönlich zu sehen. Neben seinen Image Objects hat Vierkant auch begonnen, zerkleinerte Monsanto-Samen als künstlerisches Medium zu verwenden. Doch eine Frage, die sich aus diesem und eigentlich all seinen Werken ergibt, ist, wie viel Bedeutung Betrachter der Hintergrundgeschichte der in einem Kunstwerk verwendeten Ausgangsmaterialien beimessen sollten. Spielt das überhaupt eine Rolle? Oder ist die ästhetische Präsenz des Kunstobjekts selbst das Einzige, was zählt? Haben quasi-philosophische Gespräche etwas mit Kunst zu tun? Gehören sie zur Kunst? Vierkant bemüht sich, diese Fragen auf ästhetisch interessante Weise zu stellen.

Artie Vierkant - Photoshop-bearbeitete Installationsansicht (links) und Plant expression constructs 2, Sojabohne MON89788, TO, Exploit (rechts), © Artie Vierkant

MadC

Die ehemalige Teenager-Graffiti-Künstlerin Claudia Walde, besser bekannt als MadC, verändert die Art und Weise, wie die Welt der bildenden Kunst mit Straßenkünstlern interagiert. MadC hat zwei Abschlüsse im Grafikdesign und ist Autorin zahlreicher Bücher. Sie ist auch weltweit bekannt als Wandmalerin, einem Bereich, in dem sie eine eigenständige und visuell beeindruckende ästhetische Position entwickelt hat. Kürzlich begann sie, ihre Bildsprache in eine Form zu entwickeln, die sich in formale, innere Ausstellungsräume übersetzen lässt. Sie hat beeindruckende Installationen geschaffen und auch Ausstellungen ihrer Leinwände veranstaltet, die mit transparenten Sprühfarbschichten gearbeitet sind, durch die darunterliegende Schichten sichtbar bleiben. Sie hat ihre Arbeit sogar auf Modeobjekte wie Schuhe übertragen.

MadC - Home Sweet Home, 2016, Installation, © MadC

Titelbild: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, Acryl, Öl und Collage auf Papier, auf Leinwand montiert, Foto: Ameringer McEnery Yohe, New York
Von Phillip Barcio