Una mirada al arte de Jean Le Moal

Jean Le Moal alcanzó la madurez como pintor en París a finales de la década de 1930, justo cuando Europa estaba en su apogeo cultural y también sumergiéndose en el caos. Toda su carrera expresó ecos de esta dicotomía. Su arte es tanto un testimonio de la estructura como una aceptación del desorden. Incluso sus primeras pinturas definieron a Le Moal como un maestro del color y un experto dibujante. Pero aunque su obra temprana era vívida y enérgica, no era demasiado original. Obtuvo la mayoría de sus ideas copiando a los maestros modernos en el Louvre, por lo que su estilo inmaduro era básicamente una mezcla de color fauvista, estructura cubista y temática surrealista. Sin embargo, Le Moal era entusiasta y valiente, y estaba decidido a que algún día descubriría su voz única. Confiaba en que esa voz le llegaría a través de los caminos del Modernismo y la Abstracción. Su entusiasmo por la novedad y la experimentación lo llevó a la compañía de la vanguardia francesa justo cuando los nazis estaban conquistando Europa y denunciando lo que llamaban “Arte Degenerado”. Le Moal fue uno de los muchos artistas franceses que se enfrentaron a esta censura. Durante la Ocupación nazi de Francia, incluso se convirtió en miembro fundador de un grupo llamado Salon de Mai (El Salón de Mayo). Además de Le Moal, este influyente colectivo incluía al crítico de arte Gaston Diehl, así como a artistas como Henri-Georges Adam, Robert Couturier, Jacques Despierre, Francis Gruber, Alfred Manessier y Gustave Singier, entre otros. El Salon de Mai se formó en un café, y desde las mesas del café el grupo organizó una serie de exposiciones a lo largo de varios años que representaron un desafío directo a sus ocupantes. El Salon de Mai se convirtió en un faro de luz durante un tiempo oscuro y ayudó a asegurar que el arte francés perdurara más allá de la guerra. Tal vez sea mucho decir que Le Moal y sus compañeros llevaron su creencia en el arte al nivel de una religión. Sin embargo, cuando terminó la guerra, Le Moal se dedicó de hecho a la idea de que el arte habita un ámbito claramente espiritual. En un intento por crear una voz visual trascendente, se entregó por completo a la abstracción y finalmente logró canalizar el misterioso poder del color y la luz.

Influencias arquitectónicas

Le Moal nació en 1909 en Authon-de-Perche. Su padre era ingeniero civil y animó a Le Moal a dedicarse a los campos de la ingeniería y la arquitectura cuando era joven. Le Moal estudió para ser escultor en la escuela y se especializó en bajorrelieves. A los 17 años, se inscribió en la escuela de Bellas Artes de Lyon como estudiante de arquitectura. Pasarían dos años más antes de que finalmente pintara sus primeros lienzos. Esas primeras pinturas eran obras figurativas inspiradas en la naturaleza. E incluso a mediados de la década de 1930, cuando Le Moal comenzó a explorar estilos modernistas como el surrealismo y el cubismo, sus pinturas mostraban influencias arquitectónicas. Obras como “Personaje sentado” (1936) y “Flora” (1938) revelan una fuerte atracción por la estructura y la armonía computacional tradicional. Su dominio para manejar el espacio en su arte incluso llevó a uno de sus primeros logros como artista, cuando Le Moal fue elegido en 1939 para pintar los frescos en el techo del Pabellón Francés en la Exposición Internacional de Nueva York.

Jean Le Moal - Barques 1947. Óleo sobre lienzo. 81 x 117 cm. Colección privada, Suiza. © Todos los derechos reservados / ADAGP, París, 2018.

Para la década de 1940, Le Moal encontró el valor para alejarse de la figuración, pero aún permanecía obsesionado con la estructura lineal. En sus primeras obras abstractas, aisló los elementos de color y línea de tal manera que la obra se asemeja a la de artistas como Piet Mondrian y Theo van Doesburg. No fue hasta la década de 1950 que Le Moal finalmente encontró un método propio, al liberarse completamente de la estructura y abrazar un estilo más lírico. Pinturas como “Primavera” (1957) y “Flora” (1960) son ejemplos brillantes de Tachismo, e incluso insinúan el progreso que Le Moal estaba haciendo en el ámbito espiritual. Para hacer estas pinturas, dijo que se liberó de la necesidad de encerrar las cosas. Irónicamente, en 1956, al mismo tiempo que pintaba estas obras innovadoras, también se dirigía de nuevo hacia un interés en la arquitectura al comenzar una nueva carrera haciendo vitrales para iglesias.

Jean Le Moal - Paysage, la ferme, 1943. Óleo sobre lienzo. 24 x 35 cm. Museo de Bellas Artes de Quimper. © ADAGP París 2018

El arte como oración

Es difícil decir qué vino primero para Le Moal: los vitrales o las pinturas que parecen vitrales. De cualquier manera, sus pinturas de vitrales encarnan el efecto de rayos luminosos de color que brillan a través de formas fragmentadas flotando en el espacio. Uno de los ejemplos más icónicos de sus pinturas de vitrales es “Les Arbes” (1954). La traducción significa los árboles, y de hecho esta pintura insinúa una vista de las ramas de un árbol que ha perdido sus hojas. Una luz brillante y colorida llena los espacios entre las líneas, creando un mar de formas vibrantes, luminosas, naranjas y amarillas. Como Agnes Martin, Le Moal debió haber visto una santidad inherente en los tríos, y de igual manera intentó capturarla con líneas y color en pinturas como “Les Arbes.”

Jean Le Moal - L'Ocean, 1958-1959. Óleo sobre lienzo. 1.62 x 1.14 m. Depósito del Museo Nacional de Arte Moderno en el Museo de Bellas Artes de Quimper. © ADAGP París 2018

A diferencia de Martin, sin embargo, que no era abiertamente religiosa, Le Moal fue bastante abierto sobre sus creencias. Era cristiano, y sus vitrales fueron instalados en iglesias cristianas. También tenía la esperanza de que no solo atrajeran a personas religiosas. Expresó el deseo de crear espacios donde la gente pudiera orar, pero también donde quienes no oran pudieran encontrar silencio y paz. La forma en que la práctica de los vitrales afectó a Le Moal como artista fue extraordinaria. Los marcos de sus vitrales están altamente estructurados de acuerdo con la arquitectura de las iglesias donde se instalan. Pero las composiciones dentro de las estructuras son líricas, gestuales y altamente abstractas. Al mismo tiempo, pinturas como “Luz de verano” (1984-1986) muestran cómo su estilo maduro se volvió tan suelto y abstracto durante las décadas de 1970 y 80 que sus pinturas llegaron a parecer camisetas teñidas, con campos de color psicodélicos y ondulantes que se funden entre sí y se mezclan con los campos ilusorios y trascendentes. Al final de su vida, Le Moal había completado un ciclo como artista que podía expresar perfectamente y simultáneamente el delicado equilibrio que existe entre estructura y libertad, y capturar la esquiva arquitectura de la luz.

Imagen destacada: Jean Le Moal - Pez, 1952. Litografía. Composición: 11 3/4 x 19 11/16" (29.9 x 50 cm); Hoja: 14 15/16 x 22 7/16" (38 x 57 cm). Guilde de la Gravure. Fondo Larry Aldrich. Colección MoMA.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio