Las Formas Modeladas de Victor Vasarely en el Centre Pompidou de París
Por primera vez en más de 50 años, una gran retrospectiva de Victor Vasarely se exhibe en un museo francés. El Centre Pompidou inauguró Vasarely: Compartiendo Formas en febrero pasado, reuniendo más de 300 objetos, incluyendo obras de arte y efímeros, que documentan la evolución estética completa de uno de los gigantes del Modernismo del siglo XX. La exposición establece firmemente a Vasarely no solo como un gran artista, sino como un gran idealista, alguien que creía que no existía frontera entre el arte y la vida cotidiana. Nacido en 1907 en Pécs, Austria-Hungría, Vasarely se inscribió en la escuela Műhely (taller), la versión local de Budapest de la Bauhaus, en 1918. La escuela estaba dirigida por el artista y diseñador gráfico Sándor Bortnyik. Después de dos años de estudio con Bortnyik, Vasarely se trasladó a París y comenzó una carrera como diseñador gráfico. Su ambición era aplicar las lecciones visuales del Modernismo al mundo de las comunicaciones masivas. Una de sus obras tempranas más famosas, “Zebra” (1937), encarna el espacio liminal donde las disciplinas aparentemente separadas del arte y el diseño se fusionan en una sola. La composición lineal en blanco y negro muestra dos cebras enredadas, posiblemente en combate, posiblemente enamoradas. La imagen declara hábilmente a Vasarely como un maestro de la perspectiva al demostrar su capacidad para transformar una superficie plana en un campo cinético tridimensional. Sin embargo, hasta hoy los críticos luchan con la cuestión de si esta y sus otras obras tempranas deben clasificarse como arte o diseño. De hecho, la última vez que se montó una gran muestra de su obra en Francia fue en 1963, cuando el artista tenía solo 57 años, en el Musée des Arts Décoratifs—no un museo de bellas artes, sino un museo de artes decorativas y diseño. Sin embargo, solo dos años después, Vasarely fue incluido en The Responsive Eye, la emblemática exposición del Museo de Arte Moderno que estableció a los artistas principales del movimiento Op Art. Vasarely: Compartiendo Formas reúne todos los aspectos de su obra de manera universal. En lugar de forzar definiciones, esta exposición respeta las complejidades y matices de su visión, ofreciendo una ampliación muy necesaria de la historia de Vasarely.
El Reformador Eterno
Cuando Vasarely comenzó su carrera como diseñador gráfico, consideraba la publicidad como la forma más ubicua de cultura visual, por lo que se propuso transformarla adaptándola a los lenguajes visuales del Cubismo, De Stijl, Suprematismo y otras posiciones tempranas del Modernismo. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, cambió su enfoque y decidió que, en lugar de usar el arte para reformar el diseño, buscaría en el mundo real pistas sobre cómo transformar el arte. Prestó atención a todo en su paisaje visual, desde estructuras arquitectónicas, hasta los patrones de sombra y luz que caen sobre formas naturales, hasta las superficies de los cristales. Se dio cuenta de que existe un espacio estético en el que los principios de la abstracción geométrica coexisten con los principios del mundo natural y construido. Obras como “Kiruna” (1952) muestran cómo descompuso el mundo visual en sus bloques constructivos más esenciales, como círculos y cuadrados, y en la paleta de colores más simple posible.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Vista de la instalación en el Centre Pompidou, París, 2019. Foto cortesía de IdeelArt.
Aunque ya había comenzado a desarrollar su propio lenguaje visual verdaderamente único, Vasarely seguía siendo siempre el reformador. Percibió que sus composiciones geométricas aún no estaban completas. Necesitaban un aspecto adicional: la apariencia de movimiento. Pero en lugar de crear arte cinético real, como los móviles de Alexander Calder, a Vasarely le interesaba cómo el cerebro percibe el movimiento. Observó cómo las ondas en la superficie del agua, o en el calor del sol, crean la ilusión de que el espacio está deformado y que los objetos sólidos son fluidos. Aplicó este pensamiento a sus composiciones, introduciendo patrones ondulados en sus composiciones geométricas y aparentemente deformando las superficies de las obras. En pinturas como “Re.Na II A” (1968), la superficie parece sobresalir hacia afuera. En otras pinturas, la superficie parece colapsar. Lo más asombroso es que, tan pronto como el ojo capta lo que está viendo en estos patrones ondulados, la imagen parece cambiar, dando tanto la ilusión de espacio tridimensional como la impresión de movimiento.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Vista de la instalación en el Centre Pompidou, París, 2019. Foto cortesía de IdeelArt.
Un Lenguaje Visual Universal
Uno de los aspectos más idealistas del legado de Vasarely fue la creación de la “unidad plástica”: una herramienta visual básica que puede adaptarse para crear composiciones visuales infinitas. La unidad plástica de Vasarely consiste en una forma geométrica de un color que contiene dentro de sí una segunda forma geométrica diferente de otro color—por ejemplo, un cuadrado azul que rodea un círculo rojo, o viceversa. En términos contemporáneos, la unidad plástica es como un píxel. Vasarely combinaba las unidades plásticas en varias combinaciones geométricas y luego usaba la línea y el color para introducir ondas en las composiciones. Este lenguaje visual simple era verdaderamente democrático, ya que cualquiera podía copiarlo fácilmente. La universalidad del estilo incluso inspiró a Vasarely a preguntarse nuevamente cómo usar lo que había creado para afectar positivamente la vida cotidiana de los ciudadanos.
Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, hacia 1973. Edición 23/50. Forme 1008 décor 5105, hacia 1973. Edición de 75. Forme 1008 décor 5104, hacia 1973. Edición 17/75. Forme 1009 décor 5108, hacia 1973. Edición 22/50. Forme 1007 décor 5101, hacia 1973. Edición 27/100. Forme 1008 décor 5106, hacia 1973. Edición 61/75. Forme 1010 décor 5112, hacia 1973. Edición 31/100. Forme 1007 décor 5100, hacia 1973. Edición 6/100. Vista de la instalación en el Centre Pompidou, París, 2019. Foto cortesía de IdeelArt.
Como muestra bellamente Vasarely: Compartiendo Formas, Vasarely concibió numerosas estrategias para llevar su arte al espacio público. Creó una multitud de murales, carteles e incluso diseños industriales, como el juego de café y postre de 21 piezas que diseñó para Rosenthal. Creó logotipos para empresas, como Renault y el Musée de Cinéma, entre otros. Y se dedicó a crear todo tipo de arte en espacios públicos. Imaginó lo que llamó una “ciudad policroma de la felicidad”, donde sus obras públicas vibrantes, coloridas y geométricas darían vida a los “suburbios sombríos y grises”. A lo largo de esta exposición vemos cómo la plasticidad es común a todas las formas de cultura visual. Vasarely demostró cómo es una parte esencial del arte fino, por supuesto. Pero también vio la plasticidad como esencial para las mismas piedras usadas para construir la ciudad, y en los colores y sombras de la luz que cae sobre la naturaleza. Las separaciones artificiales entre los campos del arte, el diseño, la moda, el cine, la arquitectura e incluso la publicidad se desvanecen cuando vemos toda la cultura visual de esta manera. Esta es la lección que Vasarely enseñó: que el arte está en todas partes. Vasarely: Compartiendo Formas se exhibe en el Centre Pompidou hasta el 6 de mayo de 2019.
Imagen destacada: Victor Vasarely - Alom, 1968. Vista de la instalación en el Centre Pompidou, París, 2019. Foto cortesía de IdeelArt.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
