Las Formas Modeladas de Victor Vasarely en el Centre Pompidou de París
Por primera vez en más de 50 años, una importante retrospectiva de Victor Vasarely está en exhibición en un museo francés. El Centre Pompidou inauguró Vasarely: Sharing Forms el pasado febrero, reuniendo más de 300 objetos, incluyendo obras de arte y efímera, documentando la completa evolución estética de uno de los gigantes del modernismo del siglo XX. La exposición establece firmemente a Vasarely no solo como un gran artista, sino como un gran idealista, uno que creía que no hay frontera entre el arte y la vida cotidiana. Nacido en 1907 en Pécs, Austria-Hungría, Vasarely se inscribió en la escuela Műhely (taller), la versión local de Budapest del Bauhaus, en 1918. La escuela estaba dirigida por el artista y diseñador gráfico Sándor Bortnyik. Después de dos años de estudio con Bortnyik, Vasarely se mudó a París y comenzó una carrera como diseñador gráfico. Su ambición era aplicar las lecciones visuales del modernismo al mundo de las comunicaciones masivas. Una de sus obras tempranas más famosas, “Cebra” (1937), encarna el espacio liminal donde las disciplinas aparentemente separadas del arte y el diseño se fusionan en una sola. La composición lineal en blanco y negro muestra dos cebras entrelazadas, posiblemente en combate, posiblemente enamoradas. La imagen declara hábilmente a Vasarely como un maestro de la perspectiva al demostrar su capacidad para transformar una superficie plana en un campo cinético y tridimensional. Sin embargo, hasta el día de hoy, los críticos luchan con la pregunta de si esta y sus otras obras tempranas deben clasificarse como arte o diseño. De hecho, la última vez que se montó una gran encuesta de su trabajo en Francia fue en 1963, cuando el artista tenía solo 57 años, en el Musée des Arts Décoratifs—no un museo de bellas artes, sino un museo de artes decorativas y diseño. Sin embargo, solo dos años después, Vasarely fue incluido en The Responsive Eye, la exposición emblemática del Museo de Arte Moderno que estableció a los artistas líderes del movimiento Op Art. Vasarely: Sharing Forms reúne todos los aspectos de su trabajo de manera universal. En lugar de forzar definiciones, esta exposición respeta las complejidades y matices de su visión, ofreciendo una ampliación muy necesaria de la historia de Vasarely.
El Reformador Eterno
Cuando Vasarely comenzó su carrera como diseñador gráfico, consideraba que la publicidad era la forma más ubicua de la cultura visual, por lo que se propuso transformarla adaptándola a los lenguajes visuales del Cubismo, De Stijl, Suprematismo y otras posiciones modernistas tempranas. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, cambió su enfoque y decidió que, en lugar de usar el arte para reformar el diseño, buscaría en el mundo real pistas sobre cómo transformar el arte. Se dio cuenta de todo en su paisaje visual, desde estructuras arquitectónicas, hasta los patrones de sombra y luz que caen sobre formas naturales, hasta las superficies de los cristales. Se dio cuenta de que hay un espacio estético en el que los principios de la abstracción geométrica coexisten con los principios de los mundos natural y construido. Obras como “Kiruna” (1952) muestran cómo descompuso el mundo visual en sus bloques de construcción más esenciales, como círculos y cuadrados, y en la paleta de colores más simple posible.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Vista de la instalación en el Centre Pompidou, París, 2019. Foto cortesía de IdeelArt.
Incluso cuando había comenzado a desarrollar su propio lenguaje visual verdaderamente único, Vasarely seguía siendo un reformador. Percibió que sus composiciones geométricas aún no estaban completas. Necesitaban un aspecto adicional: la apariencia de movimiento. Pero en lugar de crear arte cinético real, como los móviles de Alexander Calder, a Vasarely le interesaba cómo el cerebro percibía el movimiento. Observó cómo las olas en la superficie del agua, o en el calor del sol, crean la ilusión de que el espacio está distorsionado y que los objetos sólidos son fluidos. Aplicó este pensamiento a sus composiciones, introduciendo patrones de ondas en sus composiciones geométricas, y aparentemente distorsionando las superficies de las obras. En pinturas como “Re.Na II A” (1968), la superficie parece abultarse hacia afuera. En otras pinturas, la superficie parece colapsar. Lo más asombroso es que, tan pronto como el ojo se fija en lo que está viendo en estos patrones de ondas, la imagen parece cambiar, dando tanto la ilusión de un espacio tridimensional como la impresión de movimiento.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Vista de instalación en el Centre Pompidou, París, 2019. Foto cortesía de IdeelArt.
Un Lenguaje Visual Universal
Uno de los aspectos más idealistas del legado de Vasarely fue su creación de la "unidad plástica": una herramienta visual básica que puede adaptarse para crear composiciones visuales infinitas. La unidad plástica de Vasarely consiste en una forma geométrica de un color que contiene una segunda forma geométrica diferente de otro color dentro de ella; por ejemplo, un cuadrado azul que rodea un círculo rojo, o viceversa. En términos contemporáneos, la unidad plástica es como un píxel. Vasarely combinaba las unidades plásticas en varias combinaciones geométricas y luego usaba líneas y colores para introducir olas en las composiciones. Este simple lenguaje visual era verdaderamente democrático, ya que podía ser fácilmente copiado por cualquiera. La universalidad del estilo incluso inspiró a Vasarely a preguntarse nuevamente cómo usar lo que había creado para afectar positivamente la vida cotidiana de los ciudadanos.
Victor Vasarely - Forma 1009 decor 5110, hacia 1973. Edición 23/50. Forma 1008 decor 5105, hacia 1973. Edición de 75. Forma 1008 decor 5104, hacia 1973. Edición 17/75. Forma 1009 decor 5108, hacia 1973. Edición 22/50. Forma 1007 decor 5101, hacia 1973. Edición 27/100. Forma 1008 decor 5106, hacia 1973. Edición 61/75. Forma 1010 decor 5112, hacia 1973. Edición 31/100. Forma 1007 decor 5100, hacia 1973. Edición 6/100. Vista de instalación en el Centre Pompidou, París, 2019. Foto cortesía de IdeelArt.
Como muestra "Vasarely: Compartiendo Formas", Vasarely concibió numerosas estrategias para llevar su arte al espacio público. Creó una multitud de murales, carteles e incluso diseños industriales, como el juego de café y postres de 21 piezas que diseñó para Rosenthal. Creó logotipos para empresas, como Renault y el Museo de Cine, entre otros. Y se dedicó a crear todo tipo de arte en espacios públicos. Imaginó lo que llamó una "ciudad policromada de la felicidad", donde sus vibrantes, coloridos y geométricos trabajos públicos darían vida a los "suburbios oscuros y grises". A lo largo de esta exposición vemos cómo la plasticidad es común a todas las formas de cultura visual. Vasarely demostró cómo es una parte esencial del arte fino, por supuesto. Pero también vio la plasticidad como esencial para las mismas piedras utilizadas para construir la ciudad, y en los colores y matices de luz que caen sobre la naturaleza. Las separaciones artificiales entre los campos del arte, el diseño, la moda, el cine, la arquitectura e incluso la publicidad se desvanecen cuando vemos toda la cultura visual de esta manera. Esta es la lección que enseñó Vasarely: que el arte está en todas partes. "Vasarely: Compartiendo Formas" se puede ver en el Centre Pompidou hasta el 6 de mayo de 2019.
Imagen destacada: Victor Vasarely - Alom, 1968. Vista de instalación en el Centre Pompidou, París, 2019. Foto cortesía de IdeelArt.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
