Momentos Definitorios en la Historia del Arte Abstracto

Las palabras pueden ser tan controvertidas. Solo queremos hablar sobre la historia del arte abstracto. Pero esa frase está llena de peligros conceptuales. (¿De quién es la historia? ¿Qué es el arte? ¿Qué significa ser abstracto?) Para ser precisos, tal vez deberíamos titular este artículo algo así como, “Momentos definitorios en la cadena de eventos que comprenden la línea de tiempo generalmente aceptada de la civilización occidental relacionada con objetos y fenómenos creados por artistas autodenominados que no pretenden ser representativos de la realidad visual objetiva.” Pero eso no es exactamente un título llamativo. (¿O sí?) Por el bien de la cordura, para este artículo dejemos de lado la semántica y comencemos desde el principio.

La prehistoria del arte abstracto

Entre las primeras marcas de los habitantes prehistóricos de las cavernas estaban líneas, rayones y huellas de manos. Nuestra mejor interpretación es que eran simbólicas. ¿Entonces eso las convierte en los primeros ejemplos de arte abstracto ? Quizá. Pero incluso las imágenes representativas dejadas por nuestros antiguos antepasados no son exactamente fotorrealistas. Lo que falta en nuestros análisis es entender la intención de nuestros primeros artistas. Cuando hablamos de arte abstracto, nos referimos a arte que fue específicamente pensado para ser abstracto. Como no podemos saber qué querían comunicar los artistas prehistóricos con sus imágenes, no podemos juzgar si era abstracto, o incluso si es arte. Podría haber tenido propósitos utilitarios, por lo que sabemos. Así que avanzaremos, mucho, a un tiempo mejor documentado, cuando las intenciones de los artistas eran más claras.

Henri Matisse - Mujer con sombrero, 1905, óleo sobre lienzo, 31 3/4 × 23 1/2 pulg, © Sucesión H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Antes de principios del siglo XIX, es seguro decir que la gran mayoría de los artistas la mayor parte del tiempo no tenían el lujo de decidir qué crearían. La mayoría de los artistas anteriores a la Era Romántica dependían del apoyo de instituciones religiosas u otro poder autoritario para sobrevivir. Por lo tanto, reyes y hombres santos determinaban el tema de la mayoría de las obras de esos artistas. A medida que ese sistema de patrocinio decayó, surgieron otras formas de supervivencia para los artistas. Apareció un sistema de galerías; comerciantes de arte independientes comenzaron a representar el trabajo de los artistas; personas adineradas e instituciones privadas comenzaron a apoyar a los artistas y coleccionar sus obras. Por primera vez, los artistas tuvieron la oportunidad de responder por sí mismos a la pregunta: “¿Qué quiero crear?” Inmediatamente surgió la siguiente pregunta inevitable: “¿Por qué quiero crearlo?” La respuesta a esa pregunta es una causa principal del eventual auge del arte abstracto, y quizás el concepto más duradero que surgió de la Era Romántica; uno expresado por muchos pensadores de la época, y resumido por los franceses como, “L'art pour l'art.” Arte por el arte. O como dijo el escritor Edgar Allan Poe en 1850:“…si nos permitiéramos mirar dentro de nuestras propias almas, descubriríamos inmediatamente que bajo el sol no existe ni puede existir ninguna obra más digna, más suprema y noble que este mismo poema… escrito únicamente por el bien del poema.”

Andre Derain - Las velas secándose, 1905, óleo sobre lienzo, 82 x 101 cm, © Museo Pushkin, Moscú

Primeras impresiones

Una vez que los artistas se liberaron de las limitaciones de temas predeterminados, comenzaron a liberarse de otras restricciones también. Desde aproximadamente la década de 1850 hasta la de 1870, el Movimiento Estético empoderó a los artistas para crear arte puramente con fines estéticos, en lugar de centrarse en temas relacionados con la cultura, la sociedad y la política. Luego llegaron los Impresionistas, artistas con base en París que hicieron obras enfocadas fuertemente en la representación de las cualidades de la luz, iniciando una destilación de los elementos estéticos individuales de una obra de arte. En la década de 1880, el pintor Georges Seurat desarrolló una técnica para construir una imagen completamente a partir de pequeños puntos. Esta técnica, conocida como Puntillismo, creó imágenes distorsionadas, pero representativas. El Puntillismo  contribuyó al auge de pinceladas experimentales y técnicas compositivas que sugerían una tendencia hacia la abstracción. Esta tendencia se amplió durante el período Postimpresionista, cuando los artistas comenzaron a experimentar con el simbolismo y el uso arbitrario del color, la forma y la línea.

Todo es subjetivo

En los años 1900, los Expresionistas contribuyeron a la tendencia hacia la abstracción pura con su enfoque en la subjetividad. Al distorsionar dramáticamente sus imágenes, buscaban presentar un punto de vista profundamente personal, más representativo de la emoción que de la realidad física. Durante este período también surgieron los Fauves, pintores enfocados casi exclusivamente en el color vivo y la marca pictórica. Para los Fauves, el tema era secundario frente a los componentes estéticos de la obra. Para entonces, la aparición de la abstracción pura era inevitable. En todas partes, los artistas trabajaban con representaciones simbólicas de la realidad, esforzándose por comunicar ideas y sentimientos de maneras no relacionadas con el tema. Por definición, estaban abstraendo. Pero, ¿quién fue el primero en lograr hacer una pintura puramente abstracta?

Hans Hofmann - Luna creciente, 1965, óleo sobre lienzo, Colección privada, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

¿Quién fue el verdadero primer abstracto?

Casi todos los historiadores coinciden en que la primera pintura abstracta fue Sin título (Primera acuarela abstracta) de Wassily Kandinsky, pintada en 1910. Consistente en manchas vibrantes de color, círculos, líneas, garabatos y campos de color ensamblados de manera aparentemente azarosa, la obra no hace referencia alguna a elementos visuales preexistentes del mundo físico. De manera conspirativa, podríamos, solo por diversión, postular que Sin título (Primera acuarela abstracta) de Kandinsky no fue la primera pintura puramente abstracta. Un año antes, en 1909, el pintor francés de vanguardia Francis Picabia pintó Caoutchouc, una obra proto-cubista con formas geométricas irreconocibles envueltas en campos de color aparentemente no relacionados. Esta obra no parece representar la realidad visual objetiva. Sin embargo, la palabra Caoutchouc significa aproximadamente savia de caucho natural, una referencia a la materia prima para hacer caucho vulcanizado. Como nunca hemos analizado los elementos visuales del caucho no vulcanizado, no podemos decirlo, pero tal vez esta pintura sea representativa. ¿Quién sabe? Lo que sí sabemos es que Kandinsky fue un entusiasta teórico del arte y prolífico escritor. Escribió con entusiasmo sobre su búsqueda de crear la primera obra puramente abstracta del mundo. Habló abiertamente tanto de su intención de ser el fundador del arte abstracto, como de su éxito en lograrlo. Nadie puede negar que su intención era ser el primero, independientemente de si alguien antes que él accidentalmente le ganó.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, óleo sobre lienzo, 85 1/4 x 73 1/2 pulg (216.5 x 186.7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Lo que Kandinsky definitivamente hizo

Al anunciar abiertamente su intención de hacer arte abstracto puro, Kandinsky liberó a los artistas de su dependencia de referencias al mundo observable. Separó el arte de su lógica anterior. Abrió el campo a una experimentación profunda y rápida. Llevó a madurez la promesa de los románticos, que, como dijo Caspar David Friedrich, el artista romántico alemán, “El sentimiento del artista es su ley.”

Wassilly Kandinsky - Composición IV, 1911, óleo sobre lienzo, 250.5 x 159.5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Alemania

El mundo en guerra

A lo largo de las décadas siguientes, los artistas experimentaron salvajemente con la abstracción. Surgieron muchos estilos nuevos, influenciados por el llamado a la libertad de la abstracción, y también por los horrores de la Primera Guerra Mundial y el auge de la era mecánica. El cubismo influyó en los artistas para reducir su lenguaje visual a sus bloques básicos más elementales. El futurismo demostró la vitalidad y el poder de la línea. El dadaísmo  desafió el significado del arte, reafirmando la libertad del arte y su rechazo a la burguesía. En los años 1920, el surrealismo abrió la mente de los artistas al poder del subconsciente. Con su enfoque en imágenes oníricas y su rechazo a la lógica consciente, influyó profundamente en los artistas abstractos para experimentar más con técnicas, medios y métodos que pudieran conectarlos más directamente con su yo inconsciente.

Wassiliy Kandinsky - Composición 6, 1913, óleo sobre lienzo, 76 2/5 × 115 7/10 pulg, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París / Erich Lessing / Art Resource, NY

¡Hazlo nuevo!

En los años 1930, el pintor germano-estadounidense Hans Hofmann es reconocido por difundir en América las filosofías esenciales de lo que llegó a conocerse como Modernismo, la última iteración del rechazo a los modos y métodos del pasado. Siendo él mismo un pintor abstracto, Hofmann animó a sus estudiantes desde California hasta Nueva York a adoptar nuevos métodos de creación de imágenes, en busca de formas para enfrentar y expresar las ansiedades y maravillas de una sociedad en rápida industrialización. En 1934, el poeta Ezra Pound resumió la actitud de los modernistas con su ahora famosa llamada a los artistas: “¡Hazlo nuevo!” Pound fue una figura controvertida, mudándose finalmente a Italia, donde apoyó a las principales figuras fascistas de la Segunda Guerra Mundial. No obstante, su entusiasta rechazo a lo antiguo echó raíces en la mente de los artistas abstractos, llevando a poderosos cambios en el horizonte cercano.

Wasilly Kandinsky - Mancha negra I (detalle), 1912, óleo sobre lienzo. 39.4 × 51.2 pulg (100.0 × 130.0 cm), Museo Ruso, San Petersburgo, Rusia

Una nueva pureza

Después de dos guerras mundiales, una depresión global, hambrunas, atrocidades y dos ataques nucleares a ciudades pobladas, no se puede exagerar la ansiedad que experimentaba el ser humano promedio a mediados de los años 1940. Esta ansiedad dio lugar a un nuevo y amplio interés en el campo relativamente joven del psicoanálisis. Entre los muchos millones de personas que recurrieron al psicoanálisis en ese tiempo estuvo Jackson Pollock , uno de los miembros principales de un grupo de artistas conocidos como los Expresionistas Abstractos. Pollock fue expuesto al psicoanálisis mientras estaba en rehabilitación. Esto abrió su mente al mundo del conocimiento primitivo encerrado en su subconsciente. Muchos de sus contemporáneos buscaban nuevas formas de conectarse con la esencia oculta de su humanidad, trabajando para expresar emociones crudas y primarias a través de sus pinturas. Pollock buscaba imágenes ocultas, esperando poder conectarse con algo profundo dentro de sí mismo, algo más puro que lo expresado hasta entonces por el arte abstracto. Alrededor de 1947, Pollock fue pionero en su ahora icónica técnica de goteo. Esta técnica consistía en aplicar pintura a una superficie usando fuerzas como la gravedad y el impulso, en lugar de contacto directo con herramientas sobre el lienzo. Abrazando este nuevo nivel de fisicalidad, y rechazando totalmente toda forma reconocible, Pollock entró en un nuevo reino de abstracción pura basada enteramente en la intención subconsciente, el color, el movimiento, el poder y la fuerza.

Wassily Kandinsky - Primera acuarela abstracta de Kandinsky, 1910, acuarela, tinta india y lápiz sobre papel, 19.5 × 25.5 pulg (49.6 × 64.8 cm), París, Centro Georges Pompidou

El fin del comienzo

La obra de Pollock en muchos sentidos cumplió la promesa de la abstracción: la total liberación del artista de las limitaciones de la expectativa estética. Quizá también, sus esfuerzos llevaron a la abstracción a su fin lógico. Pollock puso en claro la importancia de la textura, la materialidad, el proceso y la idea de ver una obra de arte no como una superficie para transmitir arte, sino como una forma unificada en sí misma. Aunque reflejados en un sentido primitivo en la obra de Pollock, estos conceptos son parte integral del trabajo de los Minimalistas , quienes reemplazaron a los expresionistas abstractos como los artistas más influyentes de los años 1960. Al igual que Kandinsky, el miembro principal del movimiento minimalista, Donald Clarence Judd, fue un entusiasta teórico y escritor del arte. Aunque rechazó la etiqueta de minimalista, Judd se convirtió en representante de sus ideas de simplificar el lenguaje visual y purificar los conceptos de forma y espacio. En lugar de rechazar las referencias visuales reconocibles y la realidad objetiva, artistas minimalistas como Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt y Frank Stella se centraron en la forma, el uso de color vibrante y puro, líneas de borde duro, textura mínima y materialidad moderna. En lugar de abstraer la realidad, los minimalistas manifestaron las formas, colores, figuras y líneas a menudo exploradas en el arte abstracto, habitándolas en el espacio físico de manera representativa.

Jackson Pollock - Convergencia, 1952, Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo, NY, EE. UU. 

Lo nuevo nuevo

La historia del arte abstracto es la historia de la búsqueda de libertad de los artistas. Lo que eso significa hoy es que los artistas son libres de expresarse de la manera que elijan, explorando el método que les inspire. La belleza del estilo abierto de hoy es que un artista puede usar cualquier estilo, medio o método que funcione mejor para realizar una idea. Aunque el minimalismo pudo haber dejado de lado al arte abstracto en los años 1970, la abstracción ha regresado al primer plano de las prácticas de muchos artistas. Los pintores abstractos contemporáneos se benefician de la mentalidad abierta de sus predecesores. La abstracción continúa conectándonos con algo que la realidad objetiva no puede explicar; algo profundo dentro de nosotros que se extiende más allá de la realidad visible.

Imagen destacada: Wassily Kandinsky - Primera acuarela abstracta de Kandinsky, 1910, foto vía Wikipedia

Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos

Por Phillip Barcio