Arte Geométrico y Vanguardista de David Bomberg
El entusiasmo es una sustancia vital en el arte. El trabajo emocionante es algo que cada espectador, coleccionista, galerista y curador anhela. Mientras que algunas obras de arte raras poseen inherentemente su propia emoción, el entusiasmo proviene más a menudo de los artistas. Algo dentro de ellos – su pasión, su curiosidad – simplemente se manifiesta en la obra. David Bomberg puede haber sido el artista más entusiasta que salió de Gran Bretaña en el primer cuarto del siglo 20th. Sus experimentos con la forma y la composición fueron tan vanguardistas que causaron su expulsión de la prestigiosa Slade School of Art de Londres. Pero a pesar de ese reproche, en lugar de desanimarse, Bomberg floreció, demostrando ser explosivamente creativo, un experto dibujante y un buscador embelesado de nuevas ideas. Las audaces imágenes modernistas que creó en los años previos a la Primera Guerra Mundial ofrecen una visión única de la emoción y energía desenfrenadas de esa época optimista.
¿Quién es David Bomberg?
Una trágica ironía atormenta a muchos grandes artistas. Para tener éxito en el mercado del arte, tienes que hacer obras interesantes y vendibles, y para hacer obras interesantes y vendibles, debes ser creativo, abierto e individualista; pero no demasiado creativo, abierto e individualista. Los artistas que están demasiado por delante de la manada intelectual a menudo son ridiculizados. Como dice el refrán, “los pioneros son sacrificados, los colonos se enriquecen.” La vendibilidad también se ve favorecida cuando un artista está asociado con un movimiento más grande que los vendedores y compradores de arte pueden contextualizar y entender. La ironía radica en el hecho de que los verdaderamente creativos, de mente abierta e individualistas a menudo encuentran intolerable asociarse con movimientos que tienen objetivos definidos o ideales estéticos estrictos. Encuentran los manifiestos restrictivos. Les gusta mantener sus opciones abiertas. Así es como muchos creativos brillantes quedan fuera de los libros de historia y mueren en la pobreza, todo porque se mantuvieron firmemente fieles a sí mismos, permaneciendo experimentales hasta el final para alimentar su propia curiosidad y entusiasmo.
Bomberg fue uno de esos artistas. Cuando investigas el Vorticismo, lo primero que podrías notar es que el fundador del movimiento fue Wyndham Lewis, uno de los nombres más prominentes en el arte y la literatura inglesa del siglo XX. Pero luego verás que la imagen más famosa e icónica del movimiento, The Mud Bath, fue pintada por David Bomberg. Bomberg nunca se unió a los Vorticistas. Experimentó con algunos de los mismos conceptos estéticos y realizó algunas pinturas que parecen estar en la misma esfera visual, pero los intereses de Bomberg eran mucho más amplios que las preocupaciones limitadas de los Vorticistas. Sin embargo, Wyndham Lewis disfrutó de una fama de por vida, casi enteramente debido al impulso que adquirió por su fundación del Vorticismo. Bomberg, el pintor no vorticista de la mejor pintura del Vorticismo, murió en la oscuridad, sin un centavo.
Forma pura esencial
Lo que el trabajo de Bomberg tenía en común con el Vorticismo estaba arraigado en el formalismo. La estética del Vorticismo tomó prestado de dos estilos modernistas existentes. Unió las formas geométricas abstractas del Cubismo con las líneas duras y los colores llamativos del Futurismo italiano. El concepto detrás del movimiento era expresar el movimiento y la modernidad. Los intereses de Bomberg también estaban inicialmente relacionados con la ciudad y las máquinas, pero su uso de imágenes al estilo Vorticista era incidental. No se centraba tanto en lograr un aspecto específico como en alcanzar la sensación adecuada. Como él mismo lo expresó, su deseo era "traducir la vida de una gran ciudad, su movimiento, su maquinaria, en un arte que no sea fotográfico, sino expresivo."
El lenguaje visual que creó se basaba en la reducción de la forma. Sentía que la mejor manera de expresar la naturaleza de sus sujetos era simplificarlos a sus estados más básicos. De esa manera, esperaba revelar algo vital sobre su esencia. La pintura de Bomberg Visión de Ezequiel, pintada en 1912, logró ese equilibrio que buscaba entre la reducción abstracta de la forma, la vitalidad figurativa y la emoción expresiva. Combinó su interés en imágenes altamente simplificadas con las leyendas de su herencia familiar judía, creando una visión estética tanto mítica como modernista que era exclusivamente suya.
Una Expresión Más Intensa
No satisfecho de haber llevado la reducción de formas a sus límites, Bomberg continuó experimentando. Uno de sus primeros instructores, un artista llamado Walter Sickert, le había transmitido a Bomberg la importancia de pintar los "hechos materiales gruesos" de su sujeto. Ese enfoque había ayudado a Bomberg en el desarrollo de sus impresionantes habilidades de dibujo representacional. Pero lo retenía de su interés en la subjetividad. En lugar de simplemente esforzarse por mostrar las características precisas de sus sujetos, sentía que era igualmente importante expresar su reacción personal.
En una serie de composiciones figurativas que exhibió en 1914, Bomberg eliminó intencionalmente todos los "hechos materiales groseros". En la declaración del artista que acompañaba esa exposición escribió: "Apelo al Sentido de la Forma... Abandono completamente el Naturalismo y la Tradición. Estoy buscando una expresión más intensa... donde uso Forma naturalista, la he despojado de toda materia irrelevante. Miro la naturaleza, mientras vivo en una ciudad de acero. Donde ocurre la decoración, es accidental. Mi objetivo es la construcción de la Forma Pura. Rechazo todo en la pintura que no sea Forma Pura."
Una Revolución Hacia la Masa
Ampliando su enfoque en la forma pura, Bomberg profundizó en la abstracción. En su pintura titulada Procesión, reduce una línea de figuras humanas a formas tan esenciales que la imagen casi se convierte en una abstracción geométrica completa. Las formas adquieren cualidades expresivas que evocan una variedad de asociaciones, desde rascacielos hasta ataúdes.
Bomberg continuó evolucionando, divergiendo en una serie de pinturas que se asemejan a vitrales que han sido destrozados y luego recompuestos. In the Hold y Ju-Jitsu presentan planos de imagen divididos en una cuadrícula en forma de diamante. En lugar de crear una composición a partir de formas reducidas, Bomberg utiliza la cuadrícula y la superficie misma como forma. Las imágenes resultantes se asemejan a Op Art en su capacidad para engañar al ojo y atraer al espectador a un espacio ilusionista. A diferencia de sus obras anteriores, su sentido de masa proviene de una expresión de sentimiento lograda completamente a través de medios formales y no representacionales.
El Espíritu en la Misa
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Bomberg fue reclutado para el servicio. Sus experiencias en la infantería, viendo a sus colegas, partidarios y miembros de la familia ser destrozados por armas mecanizadas, destruyeron su fascinación por la era de las máquinas. Cuando terminó la guerra, reanudó la pintura, pero adoptó una técnica más orgánica y pictórica. Su nueva dirección hizo que fuera completamente ignorado y olvidado por el mundo del arte de su tiempo.
Bomberg luchó financieramente durante el resto de su carrera, pero viajó extensamente y nunca dejó de pintar. Continuó experimentando con las cualidades táctiles de la pintura, centrándose en el poderoso potencial emotivo de la textura y la pincelada. Ya sea pintando abstracciones, paisajes o obras figurativas, se mantuvo dedicado a perseguir lo que él llamaba “el espíritu en la masa.” Sabía que a través de variaciones en el grosor y la pincelada de la pintura y una exploración de mente abierta en la forma más esencial de un sujeto, se podía transmitir la expresión más verdadera de un tema. En desafío al rechazo y la derrota comercial, su incansable entusiasmo por la pintura le permitió el raro regalo de conectar con la calidad esencial de las cosas y traducirla para aquellos de nosotros que de otro modo no podríamos ver.
Imagen destacada: David Bomberg - Procesión, 1912-1914, Óleo sobre papel montado en panel, 28.9 x 68.8 cm, El Museo Ashmolean de Arte y Arqueología, © La herencia de David Bomberg
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
