El Met Explora el Profundo Legado del Expresionismo Abstracto

El Met Fifth Avenue en Nueva York inauguró esta semana Abstracción Épica: de Pollock a Herrera. Con más de 50 obras principales de algunos de los artistas abstractos más fascinantes del siglo pasado, la exposición recibe su nombre porque explora el impacto de la gran escala. La grandiosidad a veces se expresa mediante obras de arte masivas — como la escultura que domina la galería de Louise Nevelson, “El Palacio de la Sra. N” (1964–77) — a veces a través de ideas enormes — como la de emplear el dibujo automático para crear pinturas que canalizan los secretos de la mente inconsciente — y a veces mediante el método técnico, como en la obra ensamblada enormemente compleja de Thornton Dial. Mientras tanto, el subtítulo de la muestra, de Pollock a Herrera, hace referencia a dos ideas generales. La primera es la teoría de que el trabajo que Jackson Pollock realizó en los años 40, la década en la que comienza la curaduría, significó un cambio radical en el mundo del arte abstracto: un momento en que lo más grande realmente empezó a considerarse mejor. En segundo lugar, que la obra de artistas relativamente poco valorados como Carmen Herrera — la artista minimalista nacida en Cuba que, a los 101 años, recibió su primera retrospectiva en el Museo Whitney de Arte Americano en 2016 — es tan importante como la de las superestrellas conocidas. De hecho, hay obras en exhibición de muchos artistas poco expuestos, como el mencionado artista de ensamblajes con objetos encontrados Thornton Dial; el infame miembro del Grupo Gutai Kazuo Shiraga, quien creó la innovadora pieza performativa (literalmente) “Desafiando el Barro” (1955); y la innovadora pintora abstracta húngara Ilona Keserü. La curaduría también se extiende hasta la actualidad con obras de artistas abstractos más jóvenes como Chakaia Booker y Mark Bradford. La otra suposición central que los curadores expresan en su didáctica para la muestra es que la angustia existencial fue la fuerza impulsora que inspiró a los artistas abstractos a comenzar a crear obras épicas hace 70 años. La exposición podría entonces hacerte preguntar: ¿ha hecho algo la abstracción épica para aliviar nuestra angustia? ¿O simplemente nos ha ayudado a aceptar la ansiedad existencial como algo fundamental de nuestra condición humana?

Un Lugar en la Historia

La lista de artistas famosos incluidos en Abstracción Épica entusiasmará a cualquier aficionado a la historia del arte: además de los gigantes mencionados arriba, hay obras de Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold y Morris Louis. Y hay muchos ejemplos de obras de artistas que serán nuevos para la mayoría de los visitantes, como el abstraccionista caligráfico japonés Inoue Yūichi, el artista abstracto filipino Alfonso Ossorio, la escultora minimalista Anne Truitt y el genio cromático argentino Alejandro Puente. Sin embargo, aparte de la magnitud de este asalto histórico, lo que encontré más épico de la curaduría es cómo dos obras en particular subvierten en realidad la narrativa que se oculta dentro del subtítulo de la muestra. Al listar Pollock y Herrera y separarlos de todos los demás artistas, me parece que los curadores sugieren que el Expresionismo Abstracto y el Minimalismo son los movimientos más influyentes que se consideran, y que la pintura es el foco principal de la muestra. Pero la obra, los métodos y los logros de Pollock y Herrera, por maravillosos que sean, ni siquiera están cerca de ser los más épicos en esta exposición.

Ese honor, en mi opinión, corresponde a Louise Nevelson y Thornton Dial. La escultura de Nevelson en exhibición hará que quienes nunca hayan visto su obra se pregunten por qué en el mundo alguien habla de Pollock cuando Nevelson fue su contemporánea. Su obra es más rigurosa técnicamente, más intrigante conceptualmente y más relevante para el espíritu de Nueva York, donde ambos trabajaron. Pollock, a todos los efectos prácticos, abrió un poco de terreno nuevo al tomar prestadas y perfeccionar las ideas y métodos de otros artistas. Luego, después de hacerse famoso por dar el siguiente paso lógico, porque era amigo de un crítico influyente, Pollock se autodestruyó. Sus pinturas son hipnotizantes, pero Nevelson logró mucho más que Pollock, fue más original y trabajó durante mucho más tiempo, dejando un legado de arte e ideas mucho más intrigante y estimulante.

Una Voz Larga Tiempo Ausente

Luego está Thornton Dial. Su obra “Sombras del Campo” (2008) es, para mis ojos y mi mente, una de las piezas más inquietantes de la muestra. Su naturaleza épica está contenida en sus materiales, su construcción, sus colores y los mundos ocultos — tanto físicos como metafísicos — que acechan dentro de su forma. Ensamblada con materiales encontrados y desechados, la pieza pretende evocar el legado del aparcería, el sistema injusto y a menudo brutal de agricultura en el que Dial nació en 1928. Un ensamblaje masivo de cuerda, relleno sintético de algodón, arpillera, láminas de metal, trapos de tela y metal, tiene la presencia física del agotamiento. Encierra la unión de dureza y vulnerabilidad. Creada cuando el artista tenía 80 años, también desmiente su mano autodidacta. De hecho, mientras Pollock se enriquecía y se ahogaba en alcohol, Dial vivía en la pobreza, trabajando hasta el agotamiento solo para sobrevivir en un sistema social racista que mantenía a la mayoría de los afroamericanos fuera de los museos, no solo como artistas sino incluso como visitantes que pagaban entrada.

Quizá a medida que esta exposición avance en el tiempo surjan otras definiciones de lo que es épico, y otras obras aún más poderosas e intrigantes entren en escena — las fechas de la exposición son abiertas, después de todo, y las obras en exhibición, tomadas de la colección permanente de El Met, serán cambiadas periódicamente. Pero por ahora, “Sombras del Campo”, que es una de las diez obras de Dial que el Met adquirió recientemente, hace la declaración más épica. Dice que un aparcero negro sureño sin formación hizo algunas de las obras abstractas más poderosas y significativas de los últimos 70 años, superando la obra de artistas que gozaron de mucho más privilegio y oportunidad que él. También señala que, aunque la angustia pueda ser una parte inevitable de nuestra condición humana, el arte que fluye de ella puede ser, y a menudo es, una gracia salvadora.

Imagen destacada: Louise Nevelson - El Palacio de la Sra. N, 1964–77. Madera pintada, espejo, 355.6 x 607.1 x 457.2 cm (140 x 239 x 180 pulgadas). The Metropolitan Museum of Art, Donación de la artista, 1985 © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Por Phillip Barcio