El Met Explora el Profundo Legado del Expresionismo Abstracto

El Met Fifth Avenue en Nueva York inauguró esta semana Abstracción Épica: Pollock a Herrera. Con más de 50 obras importantes de algunos de los artistas abstractos más fascinantes del último siglo, la exposición recibe su nombre porque explora el impacto de la escala grandiosa. La grandiosidad a veces se expresa a través de obras masivas —como la escultura de Louise Nevelson “Mrs. N’s Palace” (1964–77) que domina la galería— a veces a través de ideas masivas —como la de emplear el dibujo automático para crear pinturas que canalizan los secretos de la mente inconsciente— y a veces a través de métodos técnicos, como con el enormemente complejo trabajo de ensamblaje de Thornton Dial. Mientras tanto, el subtítulo de la muestra, Pollock a Herrera, hace referencia a dos ideas generales. La primera es la teoría de que el trabajo que Jackson Pollock realizó en la década de 1940, la década en la que comienza la curaduría, significó un cambio radical en el mundo del arte abstracto: un momento en el que lo grande realmente comenzó a considerarse mejor. En segundo lugar, que el trabajo de artistas relativamente subestimados como Carmen Herrera —la artista minimalista nacida en Cuba que, a los 101 años, recibió su primera retrospectiva en el Whitney Museum of American Art en 2016— es tan importante como el de las superestrellas bien conocidas. De hecho, hay obras en exhibición de muchos artistas poco expuestos, como el mencionado artista de ensamblaje de objetos encontrados Thornton Dial; el infame miembro del Grupo Gutai Kazuo Shiraga, quien creó la innovadora pieza de performance “Challenging the Mud” (1955); y la innovadora pintora abstracta húngara Ilona Keserü. La curaduría también se extiende hasta el presente con obras de artistas abstractos más jóvenes como Chakaia Booker y Mark Bradford. La otra suposición central que los curadores afirman en su didáctica para la muestra es que la angustia existencial fue la fuerza impulsora que inspiró a los artistas abstractos a comenzar a crear obras épicas hace 70 años. La exposición podría entonces hacerte preguntar: ¿ha hecho algo la abstracción épica para aliviar nuestra angustia? ¿O simplemente nos ha ayudado a aceptar la ansiedad existencial como fundamental a nuestra condición humana?

Un lugar en la historia

El listado de artistas famosos incluidos en Epic Abstraction emocionará a cualquier aficionado a la historia del arte: además de los gigantes mencionados anteriormente, hay obras de Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold y Morris Louis. Y hay muchos ejemplos de obras de artistas que serán nuevos para la mayoría de los visitantes, como el abstracto caligráfico japonés Inoue YÅ«ichi, el artista abstracto filipino Alfonso Ossorio, la escultora minimalista Anne Truitt y el genio cromático argentino Alejandro Puente. Sin embargo, aparte de la magnitud de este asalto histórico, lo que encontré más épico sobre la curaduría es cómo dos obras en particular realmente subvierten la narrativa que se oculta dentro del subtítulo de la exposición. Al listar Pollock y Herrera y separarlos de todos los demás artistas, me parece que los curadores están sugiriendo que el Expresionismo Abstracto y el Minimalismo son los movimientos más influyentes que se están considerando, y que la pintura es el enfoque principal de la exposición. Pero el trabajo, los métodos y los logros de Pollock y Herrera, por maravillosos que sean, ni siquiera están cerca de ser los más épicos en esta exposición.

Ese honor, en mi opinión, corresponde a Louise Nevelson y Thornton Dial. La escultura de Nevelson en exhibición hará que los espectadores que nunca han encontrado su trabajo se pregunten por qué en el mundo alguien habla de Pollock cuando Nevelson fue su contemporánea. Su trabajo es más técnicamente riguroso, más conceptualmente intrigante y más relevante para el espíritu de Nueva York, donde tanto ella como Pollock trabajaron. Pollock, a todos los efectos prácticos, rompió un poco de terreno nuevo al tomar prestadas y perfeccionar las ideas y métodos de otros artistas. Luego, después de hacerse famoso por dar el siguiente paso lógico, porque era amigo de un crítico influyente, Pollock se autodestruyó. Sus pinturas son hipnotizantes, pero Nevelson logró mucho más que Pollock, fue más original y trabajó durante mucho más tiempo, dejando atrás un legado de arte e ideas mucho más intrigante y provocador.

Una voz largamente desaparecida

Luego está Thornton Dial. Su “Sombras del Campo” (2008) es, a mis ojos y mi mente, una de las obras más inquietantes de la exposición. Su naturaleza épica está contenida en sus materiales, su construcción, sus colores y los mundos ocultos —tanto físicos como metafísicos— que acechan dentro de su forma. Ensamblada a partir de materiales desechados y encontrados, la pieza está destinada a evocar el legado del arrendatario, el sistema de agricultura injusto y a menudo brutal en el que Dial nació en 1928. Una enorme asamblea de cuerda, relleno de algodón sintético, arpillera, chapa de metal, trapos de tela y metal, tiene la presencia física del agotamiento. Encarna la unión de la dureza y la vulnerabilidad. Creada cuando el artista tenía 80 años, también desmiente su mano autodidacta. De hecho, mientras Pollock se hacía rico y se bebía hasta la muerte, Dial vivía en la pobreza, trabajando hasta el agotamiento solo para sobrevivir en un sistema social racista que mantenía a la mayoría de los afroamericanos fuera de los museos, no solo como artistas, sino incluso como visitantes de pago.

Quizás a medida que esta exposición avance en el tiempo, puedan surgir otras definiciones de lo que es épico, y otras obras aún más poderosas y más intrigantes entren en la contienda — las fechas de la exposición son indefinidas después de todo, y las obras en exhibición, tomadas de la colección permanente de The Met, serán cambiadas periódicamente. Pero por ahora, "Sombras del Campo", que es una de las diez obras de Dial que el Met adquirió recientemente, hace la declaración más épica. Dice que un arrendatario negro del sur, sin formación, creó algunas de las obras de arte abstracto más poderosas y significativas de los últimos 70 años, superando el trabajo de artistas que disfrutaron de mucho más privilegio y oportunidad que él. También señala que, aunque la angustia puede ser, de hecho, una parte inevitable de nuestra condición humana, el arte que fluye de ella puede ser, y a menudo es, una gracia salvadora.

Imagen destacada: Louise Nevelson - Palacio de la Sra. N, 1964–77. Madera pintada, espejo, 140 x 239 x 180 in. (355.6 x 607.1 x 457.2 cm). El Museo Metropolitano de Arte, Donación de la artista, 1985 © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York
Por Phillip Barcio