Los Relieves Espaciales de Hélio Oiticica

Una exposición de las primeras obras de Hélio Oiticica en Galerie Lelong & Co. Nueva York vale la pena visitar, ya que ofrece un vistazo al puro esteticismo plástico que formó la base de la obra de este fascinante artista. A medida que su carrera evolucionó, Oiticica se inspiró menos en el formalismo y más en la sensualidad y las interacciones sociales con el público. El artista eventualmente se volvió mundialmente conocido por obras como sus “Penetrables”, estructuras que los espectadores penetran al caminar dentro de ellas; sus “parangolés”, obras de arte vestibles que los espectadores podían ponerse mientras bailaban; y sus entornos, como el de gran escala “Tropicália”, una isla de arena y piedra dentro de la galería sobre la cual se construyen múltiples “Penetrables” que parecen las favelas familiares para cualquiera que haya visitado las barriadas de Río de Janeiro. Todas estas obras posteriores se basan en el concepto de que las experiencias que los miembros del público tienen con el arte son más memorables y más vitales si son participativas. Sin embargo, el lenguaje visual que informa estas obras de arte participativas está, no obstante, arraigado en algo puramente plástico. Surgió de años de investigación temprana que Oiticica llevó a cabo mientras se esforzaba por descubrir los elementos esenciales de su medio elegido. Esa investigación es la base de “Hélio Oiticica: Relieve Espacial y Dibujos, 1955–59” en Galerie Lelong. La exposición presenta tres cuerpos de trabajo distintos. Primero, hay ejemplos de la serie “Grupo Frente”, composiciones de gouache sobre cartón que surgieron de los restos del movimiento de Arte Concreto, como si examinaran cuáles podrían ser las estructuras visuales fundamentales del arte abstracto geométrico. A continuación, hay varios ejemplos de la serie “Metaesquemas”. En estas pinturas de gouache sobre cartón, Oiticica reduce su lenguaje visual a sus elementos más simples y autorreferenciales: cajas coloridas dispuestas en rejillas no convencionales. Finalmente, la exposición deleita a los espectadores con una obra de la serie “Relevo Espacial”. Esta serie marcó un momento crucial cuando las formas y colores que Oiticica había desarrollado en sus pinturas saltaron al espacio dimensional, convirtiéndose en objetos que cohabitan con los espectadores en una zona de participación equitativa.

El Auge del No-Objeto

Hélio Oiticica nació en Río de Janeiro, Brasil, en 1937. Durante su crecimiento, un feroz optimismo se estaba extendiendo a través de la vanguardia sudamericana. En Argentina, el Arte Concreto Invención fue fundado en 1945 por artistas que creían que las ideas utópicas y universalistas del Arte Abstracto Geométrico podrían ayudar a transformar el corrupto sistema político de su país. Mientras tanto, en Brasil, los artistas que regresaban después de haberse educado en Europa traían consigo muchos de los mismos pensamientos idealistas. Creían firmemente que podían movilizar las filosofías formales del arte abstracto geométrico para de alguna manera transformar la sociedad brasileña tradicional, llevando a una cultura más equitativa y progresista. Su fervor optimista encontró su máxima expresión en la creación de la ciudad de Brasília, la nueva y moderna capital de Brasil—una metrópoli futurista de arquitectura modernista blanca y brillante, planificada por el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer.

Hélio Oiticica: Alivio Espacial y Dibujos, 1955–59 en Galerie Lelong, 2018. Foto cortesía de Galerie Lelong

Brasilia fue oficialmente fundada en 1960, pero inmediatamente la dura realidad de su fracaso fue evidente para jóvenes artistas como Oiticica. Aunque los edificios caros y hermosos eran gloriosos a la vista, las personas empobrecidas y sus hijos seguían mendigando en las calles. El movimiento del Arte Concreto que había inspirado esta visión utópica para arraigar en Brasil resultó ser nada más que el último beneficio cultural de las élites. La decepción de esta era es lo que llevó a Oiticica, junto con Lygia Clark y Lygia Pape, a fundar el Movimiento Neo-Concreto. Su nuevo movimiento tenía como objetivo mejorar la vida de los ciudadanos comunes de Brasil. Se inspiró en ideas expresadas en un ensayo de Ferreira Gullar llamado “Teoría del No-Objeto.” El ensayo postulaba que los objetos materiales como las obras de arte no son en sí mismos valiosos para los seres humanos que buscan significado. Solo son valiosos en la medida en que su estatus como no-objetos—objetos materiales que permiten que "experiencias sensoriales y mentales...tengan lugar"—puede ser entendido.

Hélio Oiticica: Alivio Espacial y Dibujos, 1955–59 en Galerie Lelong, 2018. Foto cortesía de Galerie Lelong

Una Esperanza Moderada

Al centrarse en la creación de “no-objetos” en lugar de obras de arte tradicionales, Oiticica y otros artistas Neo-Concretos esperaban inspirar una nueva, aunque contenida, esperanza sobre las formas en que el arte podría intersectar con las necesidades y valores de las personas comunes. Oiticica se esforzó por exhibir sus obras fuera de los entornos de los museos. Mientras estuvo vivo, solo tuvo una exposición en un museo tradicional. El resto se llevó a cabo en espacios de galería que eran más informales y menos intimidantes para los espectadores. Animó a las personas a tocar sus obras. Los espectadores bailaban y reían mientras llevaban sus “parangolés”. Se congregaban en sus “Penetrables”, comiendo, bebiendo e incluso haciendo el amor. Pero incluso este período optimista pronto llegó a su fin para Oiticica. Se mudó a la ciudad de Nueva York y transformó su trabajo una vez más, creando entornos privados dentro de su propio apartamento donde se invitaba a pequeños grupos de personas para experiencias íntimas, durante las cuales consumían cocaína y veían proyecciones de video que Oiticica había realizado.

Hélio Oiticica: Alivio Espacial y Dibujos, 1955–59 en Galerie Lelong, 2018. Foto cortesía de Galerie Lelong

Cuando Oiticica dejó Nueva York y regresó a Brasil, se sintió desencantado por los límites extremos a los que había llevado su concepto. Dejó de consumir drogas y reabrazó el formalismo, como lo evidencian proyectos tardíos como “Magic Square nº 3” (1979). Sin embargo, como también muestra esta obra en particular, Oiticica seguía decidido a crear obras con las que la gente pudiera interactuar y participar. Es tentador imaginar qué obras aún más grandes habría logrado Oiticica si no hubiera muerto en 1980 a los 42 años, debido a un derrame cerebral por hipertensión. La otra gran tragedia de su legado es que en 2009 muchas de las obras y efectos personales que Oiticica dejó atrás fueron destruidos en un incendio en la casa de su hermano. Por lo tanto, es aún más valioso aprovechar cualquier oportunidad para ver ejemplos auténticos de su trabajo cuando están en exhibición. Son un vistazo a una mente brillante que realmente comprendió la importancia de la intersección entre el arte y la vida cotidiana. “Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59” en Galerie Lelong & Co. en Nueva York estará en exhibición hasta el 26 de enero de 2019.

Imagen destacada: Hélio Oiticica: Relieves espaciales y dibujos, 1955–59 en Galerie Lelong, 2018. Foto cortesía de Galerie Lelong.
Por Phillip Barcio