Los Relieves Espaciales de Hélio Oiticica
Una exposición de las primeras obras de Hélio Oiticica en Galerie Lelong & Co. Nueva York vale la pena el viaje, ya que ofrece una visión del puro esteticismo plástico que formó la base de la obra de este fascinante artista. A medida que su carrera evolucionó, Oiticica se inspiró menos en el formalismo y más en la sensualidad y las interacciones sociales con el público. El artista llegó a ser mundialmente reconocido por obras como sus “Penetrables,” estructuras que los espectadores atraviesan caminando dentro de ellas; sus “parangolés,” obras de arte vestibles que los espectadores podían ponerse mientras bailaban; y sus ambientes, como el gran “Tropicália,” una isla de arena y piedra dentro de la galería sobre la cual se construyen múltiples “Penetrables” que parecen las favelas conocidas por cualquiera que haya visitado los barrios pobres de Río de Janeiro. Todas estas obras posteriores se basan en el concepto de que las experiencias que el público tiene con el arte son más memorables y vitales si son participativas. Sin embargo, el lenguaje visual que informa estas obras participativas está, no obstante, arraigado en algo puramente plástico. Surgió de años de investigación temprana que Oiticica realizó mientras se esforzaba por descubrir lo esencial de su medio elegido. Esa investigación es la base de “Hélio Oiticica: Relieve Espacial y Dibujos, 1955–59” en Galerie Lelong. La exposición presenta tres cuerpos de obra distintos. Primero, ejemplos de la serie “Grupo Frente,” composiciones en gouache sobre cartón que surgieron de los restos del movimiento Arte Concreto, como si examinaran cuáles podrían ser las estructuras visuales fundamentales del arte abstracto geométrico. Luego, varios ejemplos de la serie “Metaesquemas.” En estas pinturas en gouache sobre cartón, Oiticica reduce su lenguaje visual a sus elementos más simples y autorreferenciales: cajas coloridas dispuestas en rejillas poco convencionales. Finalmente, la exposición ofrece a los espectadores una obra de la serie “Relieve Espacial.” Esta serie marcó un momento crucial cuando las formas y colores que Oiticica había desarrollado en sus pinturas saltaron al espacio dimensional, convirtiéndose en objetos que convivían con los espectadores en una zona de participación igualitaria.
El auge del No-Objeto
Hélio Oiticica nació en Río de Janeiro, Brasil, en 1937. Mientras crecía, un fuerte optimismo se extendía por la vanguardia sudamericana. En Argentina, el Arte Concreto Invención fue fundado en 1945 por artistas que creían que las ideas utópicas y universalistas del Arte Abstracto Geométrico podrían ayudar a transformar el sistema político corrupto de su país. Mientras tanto, en Brasil, artistas que regresaban tras formarse en Europa trajeron consigo muchas de las mismas ideas idealistas. Creían firmemente que podían movilizar las filosofías formales del arte abstracto geométrico para transformar de alguna manera la sociedad brasileña tradicional, conduciendo a una cultura más equitativa y progresista. Su fervor optimista encontró su máxima expresión en la creación de la ciudad de Brasilia, la nueva capital moderna de Brasil, una metrópoli futurista de arquitectura modernista blanca y reluciente, diseñada por el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer.
Hélio Oiticica: Relieve Espacial y Dibujos, 1955–59 en Galerie Lelong, 2018. Foto cortesía de Galerie Lelong
Brasilia fue fundada oficialmente en 1960, pero de inmediato la cruda realidad de su fracaso fue evidente para jóvenes artistas como Oiticica. Aunque los edificios caros y hermosos eran gloriosos a la vista, personas empobrecidas y sus hijos seguían mendigando en las calles. El movimiento Arte Concreto que había inspirado esta visión utópica para arraigarse en Brasil resultó ser nada más que un beneficio cultural más para las élites. La decepción de esta época llevó a Oiticica, junto con Lygia Clark y Lygia Pape, a fundar el Movimiento Neo-Concreto. Su nuevo movimiento tenía como objetivo mejorar la vida de los ciudadanos comunes de Brasil. Se inspiró en ideas expresadas en un ensayo de Ferreira Gullar llamado “Teoría del No-Objeto.” El ensayo postulaba que los objetos materiales como las obras de arte no tienen valor en sí mismos para los seres humanos que buscan significado. Solo son valiosos en la medida en que se comprende su estatus como no-objetos: objetos materiales que permiten que “experiencias sensoriales y mentales... tengan lugar.”
Hélio Oiticica: Relieve Espacial y Dibujos, 1955–59 en Galerie Lelong, 2018. Foto cortesía de Galerie Lelong
Una esperanza contenida
Al centrarse en la creación de “no-objetos” en lugar de obras tradicionales, Oiticica y otros artistas Neo-Concretos esperaban inspirar una nueva, aunque contenida, esperanza sobre las formas en que el arte podría intersectar con las necesidades y valores de la gente común. Oiticica se esforzó por exhibir sus obras fuera de los entornos museísticos. Mientras vivió, solo tuvo una exposición en un museo tradicional. El resto se realizó en espacios de galería más informales y menos intimidantes para los espectadores. Animaba a la gente a tocar sus obras. Los espectadores bailaban y reían mientras se ponían sus “parangolés.” Se congregaban en sus “Penetrables,” comiendo, bebiendo e incluso haciendo el amor. Pero incluso este período optimista pronto llegó a su fin para Oiticica. Se mudó a la ciudad de Nueva York y transformó su obra una vez más, creando ambientes privados dentro de su propio apartamento donde pequeños grupos de personas eran invitados para experiencias íntimas, durante las cuales consumían cocaína y veían proyecciones de video que Oiticica había realizado.
Hélio Oiticica: Relieve Espacial y Dibujos, 1955–59 en Galerie Lelong, 2018. Foto cortesía de Galerie Lelong
Cuando Oiticica dejó Nueva York y regresó a Brasil, estaba desencantado por los límites extremos a los que había llevado su concepto. Dejó de consumir drogas y volvió a abrazar el formalismo, como lo evidencian proyectos tardíos como “Cuadrado Mágico nº 3” (1979). Sin embargo, como muestra esta obra en particular, Oiticica seguía decidido a crear obras con las que la gente pudiera interactuar y participar. Es tentador imaginar qué obras aún mayores habría logrado Oiticica si no hubiera muerto en 1980 a los 42 años, por un derrame cerebral debido a la presión alta. La otra gran tragedia de su legado es que en 2009 muchas de las obras y efectos personales que Oiticica dejó fueron destruidos en un incendio en la casa de su hermano. Por ello, es aún más valioso aprovechar cualquier oportunidad para ver ejemplos auténticos de su obra cuando están en exhibición. Son una ventana a una mente brillante que realmente comprendió la importancia de la intersección entre el arte y la vida cotidiana. “Hélio Oiticica: Relieve Espacial y Dibujos, 1955–59” en Galerie Lelong & Co. en Nueva York está en exhibición hasta el 26 de enero de 2019.
Imagen destacada: Hélio Oiticica: Relieve Espacial y Dibujos, 1955–59 en Galerie Lelong, 2018. Foto cortesía de Galerie Lelong
Por Phillip Barcio
