Estos artistas continúan redefiniendo el arte impreso en 3D

Una vez escuché un chiste en una inauguración de arte que presentaba arte impreso en 3D. Decía algo así: “¿Cómo sabes que estás viendo una obra de arte impresa en 3D?” Respuesta: “Porque todo el mundo te lo dice.” Me hizo reír, primero porque es verdad, la gente suele estar tan emocionada con este medio que no puede evitar hablar de ello. Y segundo, me reí porque en casi todos los casos de arte impreso en 3D que he visto, el hecho de que se haya hecho con una impresora 3D me parecía irrelevante. Nada en estas obras parecía exigir la tecnología. Todo podría haberse hecho con otros medios. Lo que plantea la pregunta: ¿De qué está hablando todo el mundo? Las impresoras 3D son solo herramientas, no diferentes en su naturaleza que, por ejemplo, los proyectores. Nunca me ha abordado alguien en una galería, señalando un dibujo, y diciendo: “Eso se hizo con un proyector.” Pero tampoco me ha dicho nadie: “Eso lo hicieron completamente asistentes mientras el artista estaba de vacaciones.” El punto es que no importa. Una vez que se forma la idea de una obra y se toman pasos para realizarla, no hace diferencia si el trabajo real lo lleva a cabo esta máquina o aquella, o este par de manos o aquel par de manos. El hecho de que se haya usado una impresora 3D para hacer arte no valida la obra de ninguna manera—es solo un aspecto de la experiencia, y usualmente el menos importante. Al menos, esa es mi opinión. Así que cuando me pidieron escribir sobre artistas que están redefiniendo el arte impreso en 3D, adopté la perspectiva de destacar artistas que tienen ideas interesantes y hacen obras sobre las que me gustaría hablar, sin importar cómo se hacen. Con esa aclaración, aquí hay siete artistas que usan la tecnología de impresión 3D para crear su obra y que, por la fuerza de sus ideas, están redefiniendo el lugar de esta nueva herramienta en la estética contemporánea.

Rirkrit Tiravanija

Si alguna vez has oído el término Estética Relacional, o Arte Relacional, probablemente conozcas al artista tailandés Rirkrit Tiravanija. Su obra fue esencial para el auge de este tipo de experiencia artística en los años 90. Su exposición de arte relacional más famosa se llamó pad thai. Para la exposición, que se realizó en la Galería Paula Allen en Nueva York en 1990, en lugar de crear y mostrar obra, el artista cocinó pad thai en el espacio y lo sirvió a los visitantes de la galería. La exposición ayudó a definir la estética relacional como una exploración de la idea de que los artistas no son tanto creadores, sino facilitadores de experiencias. Las relaciones humanas que surgen de esas experiencias son lo más importante.

Más recientemente, Tiravanija ha recibido atención por su instalación inmersiva en Art Basel Hong Kong 2017, que cuestionaba el papel del arte y la historia del arte dentro de la experiencia humana. La pieza era esencialmente un enorme laberinto construido con bambú atado de forma tradicional. Los visitantes entraban al laberinto y, mientras encontraban su camino, se encontraban gradualmente con cinco bonsáis impresos en 3D, cada uno colocado sobre un pedestal de madera inspirado en las bases escultóricas creadas por el artista Constantin BrâncuÈ™i. El hecho de que los bonsáis estén impresos en 3D no es lo más importante. Lo que importa es que son artificiales. El punto de un bonsái es que es algo natural intervenido por manos humanas de tal manera que la intervención humana es irreconocible. En este caso, la artificialidad de los árboles combinada con las evocadoras ideas inspiradas por el laberinto, junto con las referencias a la historia del arte, trabajan juntas para ofrecer a los espectadores una experiencia abstracta y abierta que exige interacción social para comprender sus posibles niveles de significado.

Rirkrit Tiravanija - Sin título 2017 (sin agua sin fuego), 2017. Bonsái impreso en 3D sobre base de madera. © Rirkrit Tiravanija, Cortesía de la galería Neugerriemschneider, Berlín

Wieki Somers

La palabra vanitas viene del latín y significa vacío. Se usó en los Países Bajos en los siglos XVI y XVII como nombre para un tipo de pintura de naturaleza muerta. Las pinturas vanitas son básicamente naturalezas muertas que muestran colecciones de objetos banales y materiales, usualmente junto con calaveras humanas, ilustrando la falta de sentido de la búsqueda de cosas terrenales. La artista y diseñadora neerlandesa Wieki Somers usó el lenguaje visual común en las pinturas vanitas en una serie de obras impresas en 3D que creó en 2010, en respuesta a un concurso de diseño que pedía a los diseñadores “pensar en la noción de progreso.” Titulada Consumir o Conservar, la serie que creó presentaba tres tableaux escultóricos de naturaleza muerta. Cada tableau consistía en productos banales y cotidianos, como una balanza, una aspiradora y una tostadora, impresos completamente en 3D con cenizas de restos humanos.

En su explicación de la obra, Somers señaló que la tecnología humana ha avanzado hasta el punto de que pronto podríamos enfrentarnos a la perspectiva de la vida eterna. “Pero,” preguntó, “¿de qué sirve una vida eterna si solo la usamos para seguir siendo meros consumidores que buscan más y más productos, sin importar las consecuencias? Si seguimos por este camino de innovación sin crítica, un día podríamos encontrarnos convertidos en los mismos productos que ensamblamos.” Llevó ese concepto a su conclusión lógica, creando literalmente productos a partir de los restos de vidas humanas que alguna vez fueron preciosas.

Wieki Somers - Consumir o Conservar, 2010. Restos humanos impresos en 3D. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

La artista neoyorquina Stephanie Lempert crea obras sobre la comunicación. Espera llamar nuestra atención sobre el lenguaje y las formas en que lo usamos para comunicar nuestras historias, nuestras memorias y crear significado en nuestras vidas. Artista multidimensional, Lempert usa una variedad de medios. Uno de sus cuerpos de obra más concisos es una serie llamada Relicarios Reconstruidos, para la cual creó reliquias escultóricas construidas literalmente a partir del lenguaje. Estos objetos hablan por sí mismos en múltiples niveles. Lempert los creó usando software de impresión 3D. Sin embargo, prefiere usar la terminología estándar de la industria, aunque menos llamativa, escultura de prototipo rápido.

Stephanie Lempert - Relicarios Reconstruidos, En busca del tiempo perdido, 2011. Escultura de prototipo rápido. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

El artista neerlandés Theo Jansen se dio a conocer en los años 90 cuando comenzó a crear sus Strandbeests, gigantescas criaturas cinéticas que parecen caminar por sí solas. Son, como él las llama, “animales de playa autopropulsados.” Puede que hayas visto videos de ellos desplazándose poéticamente por playas de todo el mundo. Parte diseñador, parte ingeniero y parte artista, Jansen dijo una vez: “Los muros entre arte e ingeniería existen solo en nuestra mente.” Normalmente, sus grandes creaciones están hechas de tubos de PVC. Pero recientemente, comenzó a hacer sus creaciones accesibles para casi cualquiera ofreciendo miniaturas impresas en 3D de sus Strandbeests a la venta por solo 160 €. Lo más maravilloso es que cualquiera que pueda obtener los planos puede imprimir uno. Como dice su sitio web, “Los Strandbeests de Theo Jansen han encontrado la manera de multiplicarse inyectando su ADN digital directamente en sistemas de impresión 3D.”

Theo Jansen - Miniatura de Strandbeest impresa en 3D. © Theo Jansen

Nick Ervinck

La obra del artista belga Nick Ervinck grita con colores vivos y formas emocionantes, encarnando la idea de que de alguna manera un objeto que ocupa espacio también puede crear espacio. Sus esculturas vienen en todos los tamaños, desde miniaturas hasta obras públicas monumentales. Al diseñar sus propias herramientas y técnicas de impresión 3D, está empujando los límites de esta herramienta, utilizándola no solo como un fin en sí mismo, sino como un método idiosincrático para realizar sus creaciones visionarias personales.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Poliuretano y poliéster. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

El artista de Brooklyn Shane Hope usa estructuras celulares impresas en 3D como un elemento de sus pinturas abstractas. Desde lejos, parecen obras pictóricas cargadas de pinceladas gruesas, pero al observarlas de cerca se revelan pilas de nanoestructuras ensambladas. Que este elemento haya sido impreso en 3D no es obvio ni necesario para apreciar las obras, pero considerar las implicaciones de la tecnología añade capas a su posible significado.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. Modelos moleculares PLA impresos en 3D sobre sustrato acrílico. © Shane Hope, cortesía de Winkleman Gallery, Nueva York

Monika Horcicova

La obra de la artista checa Monika Horcicova es inquietante y hermosa. Retoma temas de huesos humanos y estructuras esqueléticas, creando composiciones que desafían nuestras ideas sobre nuestro propio propósito y potencial. Aunque no trabaja exclusivamente en este medio, a menudo usa la tecnología de impresión 3D para crear sus esculturas compuestas de yeso.

Monika Horcicova - K2, 2011. Compuesto de yeso impreso en 3D. © Monika Horcicova

Imagen destacada: Rirkrit Tiravanija - Sin título 2013 (sombra indicial no.1), 2013-2017. Base de acero inoxidable (3 paneles), plástico impreso en 3D (árbol bonsái), cubo de acero inoxidable (pedestal). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 pulgadas, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija y Galería Pilar Corrias, Londres
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio