Dos grandes exposiciones de Mary Heilmann le dan a la artista la atención que tanto se merece.

Mary Heilmann está recibiendo mucha atención en este momento, lo cual probablemente sería lo primero que admitiría que siempre ha querido. Eso no es una crítica. Solo estoy parafraseando lo que Heilmann le dijo al Guardian en una entrevista en 2016. Cuando era joven, quería ser atleta porque eso le daba atención. Así que se convirtió en buceadora, pero luego, cuando el surf estaba de moda, se convirtió en surfista para poder hacer parte de la escena. En la universidad estudió poesía. Solo fue cuando comenzó a recibir atención por su habilidad para hacer cerámica que se sintió atraída por el arte. Pero, ¿qué hay de malo en eso? ¿Qué hay de malo en hacer algo porque te da atención? ¿Qué hay de malo en no tener alguna razón altruista para hacer arte? Algunos artistas afirman que hacen arte por una compulsión de crear. Otros afirman razones filosóficas o poéticas más altivas. Luego, algunos artistas simplemente se niegan a explicar por qué hacen lo que hacen, como si fuera incomprensible o inefable con meras palabras. Heilmann, que cumplió 77 años a principios de este año, se siente lo suficientemente cómoda en su piel como para decir la verdad: simplemente disfruta hacer cosas, y dado que es interesante, divertido, llama la atención y paga las cuentas, ha seguido haciéndolo. Pero en comparación con sus amigos, que a lo largo de los años han incluido a Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman y docenas de otros artistas famosos, Heilmann ha vivido una vida de relativa oscuridad. Todo eso cambió en 2007, cuando una gran retrospectiva de su trabajo recorrió los Estados Unidos durante dos años. Desde entonces, ha comenzado gradualmente a reclamar su lugar legítimo como la fuerza influyente en el arte abstracto contemporáneo que realmente es. Si nunca has oído hablar de Mary Heilmann, varios elementos de su vasta obra están actualmente en exhibición en dos exposiciones individuales simultáneas cerca una de la otra en Nueva York, lo que hace de este el momento perfecto para descubrir su trabajo.

El arte de la honestidad

Mary Heilmann ha dado generosamente docenas de entrevistas a lo largo de su carrera. Eso por sí solo no la distinguiría necesariamente de cualquier otro artista. Pero lo que la distingue es que en sus entrevistas está tan dispuesta a ser brutalmente honesta. De manera relajada y casual, dice exactamente lo que realmente está pensando, lo que dificulta, si no es que imposible, que alguien la critique verdaderamente, aunque muchas personas a lo largo de los años lo han intentado. Por ejemplo, hay quienes han llamado al trabajo que hace Heilmann derivado, sugiriendo que solo está repitiendo los tropos cansados del pasado, e incluso copiando abiertamente los logros de algunos otros artistas famosos. Pero en una entrevista con Ross Bleckner para BOMB Magazine, Heilmann habló con orgullo del hecho de que a menudo se inspira en artistas del pasado cuyo trabajo admira. En un momento de esa entrevista, señala una nueva obra a Bleckner y dice que es un Calder. Y no son solo artistas famosos los que Heilmann imita. En múltiples entrevistas ha dicho, con una sonrisa en su rostro, que le encantan las combinaciones de colores del programa de televisión Los Simpson. Copia los colores en sus lienzos, solo esperando lograr la misma vibrancia y pureza que tenían cuando los vio por primera vez en la caricatura. Algunos críticos llaman a Heilmann perezosa. Pero en su entrevista con ART21, desinfló las velas de sus detractores, riéndose de lo perezosa que es, comentando que nunca podría haber luchado como lo hicieron los Expresionistas Abstractos. Ella admite que busca activamente las formas más rápidas y fáciles de realizar sus obras. Habla abiertamente sobre el uso de Photoshop para desarrollar sus ideas, y bromea que algunas de sus pinturas le llevan solo minutos en producir. Y luego está la crítica más famosa que ha recibido, cuando el crítico de arte David Hickey acusó a Heilmann de no saber nada en absoluto sobre el arte de la pintura. Cuando se le pregunta sobre ese ensayo hoy, Heilmann está de acuerdo, reconociendo que cuando Hickey escribió ese ensayo tenía razón.

Mary Heilmann - vista de instalación, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, Nueva York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, Nueva York.

Tontos y sus locuras

Pero hay algo exactamente al revés en el pensamiento de todos esos críticos, que erróneamente toman a Mary Heilmann por una tonta. En primer lugar, olvidan la sabiduría del poeta William Blake, quien señaló que el tonto que persiste en su locura se vuelve sabio. De hecho, aunque Heilmann puede no haber sabido nada sobre el arte de la pintura cuando comenzó a pintar a principios de la década de 1970, ella se enseñó a sí misma. Estudió el trabajo de sus ídolos. Conversó con otros artistas con los que socializaba y trabajaba. Se apoyó en su espíritu competitivo, su genio y su persistencia para aprender tanto sobre el arte de la pintura que llegó a enseñarlo profesionalmente. Y para una artista supuestamente perezosa, Heilmann ciertamente ha producido un cuerpo de trabajo notablemente masivo, uno que, por cierto, se encuentra representado en muchas de las colecciones más prestigiosas del mundo. Y para una artista que supuestamente es derivativa, es notable cuán conciso e instantáneamente reconocible se ha vuelto ese cuerpo de trabajo. Quizás lo que los críticos no entienden es que no les corresponde a ellos decidir cuáles son los requisitos para ser un artista. El autor estadounidense Kurt Vonnegut una vez señaló en una carta a su hermano, un pintor aspirante, que lo que hace una buena obra de arte es que la gente quiera estar cerca de ella. En el caso de Mary Heilmann, su trabajo definitivamente cumple con ese requisito. De hecho, lo cumple tan bien que una de las cosas por las que Heilmann se ha hecho más conocida es su tendencia a incluir sillas en sus exposiciones, para que las personas que asisten a los shows puedan sentarse. Ella diseña y fabrica a mano las sillas. Son icónicas de su paleta y del mundo de formas que ha desarrollado en su otro trabajo. El hecho de que sean necesarias en absoluto—que los espectadores que asisten a sus exposiciones tengan la necesidad de sentarse un rato porque están interesados en quedarse tanto tiempo en presencia de su trabajo—es toda la validación que Heilmann necesita.

Mary Heilmann - Sunny Chair for Whitechapel (2016) (Mint), 2016, Contrachapado pintado, 25 1/2 × 8 3/10 × 24 3/10 in, © Whitechapel Gallery

Demostraciones de fuerza

Cuando Mary Heilmann llegó por primera vez a la ciudad de Nueva York, después de obtener su MFA en la Universidad de California, Berkeley, en 1968, se describía a sí misma como una "hippie agresiva". Creía que era tan buena como Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse o cualquiera de los otros artistas que dominaban la escena en ese momento. Solía aparecer en el bar donde se reunían esos famosos artistas y comenzar discusiones solo para provocar a la competencia. Recibió algo de atención en ese entonces, pero se le negó la fama que tanto deseaba y que pensaba que merecía. Hoy es contemplativa sobre esas experiencias. Reflexiona que tal vez sea algo bueno que la atención que está recibiendo hoy no le haya llegado antes en la vida. Siente que su trabajo anterior no habría sido entendido en ese entonces de la misma manera que puede ser entendido ahora. Esta idea toca un tema común para Heilmann: el concepto japonés de Wabi-sabi. Esencialmente, Wabi-sabi es la idea de que la belleza se encuentra en la impermanencia. Una taza de cerámica hecha a mano que posee imperfecciones es más hermosa que algo hecho por máquina porque acepta las imperfecciones de los materiales, así como las del persona que la hizo. A medida que las cosas envejecen, el tiempo les pasa factura y se vuelven más bellas—esto es Wabi-sabi. En 1976, si hubiéramos tenido la oportunidad de ver las pinturas rojas, amarillas y azules que Mary Heilmann estaba pintando, ¿quién puede decir cómo habríamos reaccionado ante ellas? Pero ahora, cuarenta años después, son físicamente más viejas, al igual que nosotros. Vemos sus imperfecciones, así como las imperfecciones de la artista que las hizo, las cuales nunca ha intentado ocultar. De alguna manera, a través de esa experiencia también podemos notar las imperfecciones en nosotros mismos y reconocer su gracia.

RYB: Pinturas de Mary Heilmann, 1975–78, vista de instalación en Craig F. Starr, Nueva York 2017, Light Blue Studio

Mary Heilmann Actualmente en Exhibición

Si desea descubrir el arte de Mary Heilmann, cinco lienzos, una pieza de cerámica colgante y cinco tazas y platos de cerámica están actualmente en exhibición en el Dan Flavin Art Institute en la Dia Art Foundation en Bridgehamton, Nueva York, hasta el 27 de mayo de 2018. Al mismo tiempo, hasta el 28 de octubre de 2017, la exposición RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975-78 en Craig F. Starr Gallery en Nueva York presenta una instalación de tres cuencos de cerámica en una repisa, así como 12 lienzos que Heilmann creó durante su período de auge a finales de la década de 1970, cuando utilizó solo colores primarios y formas geométricas simples como un desafío para reimaginar lo que la pintura podría llegar a ser. Meta Descripción: Dos exposiciones actuales en Nueva York del trabajo de Mary Heilmann presentan ejemplos de sus pinturas, esculturas y cerámicas, mostrando la variada obra de una artista influyente.

Mary Heilmann - vista de instalación, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, Nueva York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, Nueva York.

Imagen destacada: Mary Heilmann - vista de instalación, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, Nueva York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, Nueva York.

Por Phillip Barcio