Tres Maestros del Color Verde en el Arte Contemporáneo
Hemos estado realizando algunas investigaciones sobre el significado del color verde, y los resultados, francamente, son bastante confusos. Muchas de las asociaciones más comunes que la gente tiene con el verde se contradicen directamente entre sí. Por ejemplo, hay quienes juran que el verde es el color de la salud y la naturaleza, pero muchos otros asocian adamantemente el verde con la enfermedad y la toxicidad. En el folclore irlandés, el verde supuestamente es el color de la buena suerte, pero en el folclore chino es el color de la mala suerte. Un sitio web dice que el verde significa vida y vitalidad, mientras que otro dice que simboliza muerte y pereza; uno dice que significa esperanza y optimismo, otro dice que significa celos y cobardía; uno dice que significa riqueza y éxito, otro dice que significa envidia e ineptitud. Y podríamos seguir. Pero el punto es que no hay consenso sobre lo que significa el color verde. Quizás, como tantas otras cosas en esta vida, el color verde requiere contexto para adquirir significado. Así que una vez más nos gustaría mirar hacia un libro llamado Chromaphilia: The Color of Art, escrito por la ex curadora del LACMA Stella Paul y publicado a principios de este año por Phaidon Press. Examina las diferentes formas en que varios artistas han utilizado el color en su trabajo. En su examen del color verde, el libro destaca a tres artistas: Bruce Nauman, Brice Marden y Olafur Eliasson. Cada uno depende en gran medida del color para el efecto, y cada uno también crea obras que inspiran diferentes significados en los espectadores dependiendo del contexto.
Es fácil ver verde
El estudio de la luz se llama óptica, y la óptica tiene todo que ver con color. Nuestros ojos perciben diferentes colores basados en variaciones en la longitud de onda que ocurren en lo que se llama el espectro de luz visible. Los humanos solo pueden percibir un pequeño segmento del espectro electromagnético. Medido en nanómetros (abreviado nm), solo podemos ver la luz que se manifiesta en el rango de aproximadamente 400 a 700 nm. El azul tiene una longitud de onda entre 450 y 495 nm. El rojo tiene una longitud de onda entre 620 y 740, pero gran parte de eso está más allá del espectro visible para los humanos. De todos los colores visibles, el verde tiene el rango de longitud de onda más grande en el espectro visible para los humanos: entre 487 y 570 nm. Y el verde también es el color que el ojo humano puede percibir más fácilmente. Cuando se adapta a la oscuridad, nuestros ojos son más sensibles a la luz a 507 nm, y cuando se adaptan a la luz son más sensibles a la luz a 555 nm, ambos firmemente en la zona verde.
Pero la óptica no es universalmente traducible para todas las personas. Aunque la ciencia no cambia, nuestra experiencia de la ciencia depende en gran medida de la percepción individual. Vemos el color gracias a las células en nuestros ojos llamadas conos. Pero aproximadamente el ocho por ciento de los humanos nace con una deficiencia en sus células cono, lo que les causa experimentar algún nivel de daltonismo. Alguien que es débil en verde, la forma más común de daltonismo, tiene dificultad para percibir el color verde. La debilidad en verde es tan común que muchos países añaden señales visuales como líneas de tachado en los semáforos verdes para ayudar a los conductores daltónicos a navegar las señales. A pesar de que el verde es, científicamente, el color más abundante que podemos ver, y el color más fácil de percibir ya que está perfectamente dentro de nuestro rango de sensibilidad tanto en la oscuridad como en la luz, también es el color más comúnmente disputado, uno que cada uno de nosotros ve un poco diferente dependiendo de la predisposición genética de nuestras células cono. Por lo tanto, es natural que cada uno de nosotros tenga algunas ideas diferentes sobre el significado del verde, ya que lo percibimos y, por lo tanto, lo asociamos con experiencias, de maneras idiosincráticas.
Olafur Eliasson - Río verde 1998, Estocolmo, 2000, © Olafur Eliasson
Olafur Eliasson y el Proyecto del Río Verde
Una sustancia llamada fluoresceína se ha utilizado para convertir el agua en un verde fluorescente durante más de un siglo. También conocida como colorante alimentario Amarillo No. 7, la fluoresceína fue empleada por los soldados de la Segunda Guerra Mundial cuando necesitaban rescate en el mar, y por naves espaciales después de aterrizar para que pudieran ser localizadas y recuperadas. Los residentes de Chicago también pueden conocer la fluoresceína como la sustancia que se utilizó originalmente para convertir el río Chicago en verde el Día de San Patricio. Y hace casi dos décadas, el artista danés-islandés Olafur Eliasson utilizó una variación de sal sódica de la fluoresceína, llamada uranina, también conocida como Amarillo No. 8, para crear los efectos vibrantes que utilizó en la ejecución de una obra de arte público que llamó el Proyecto del Río Verde.
La primera edición del Proyecto Green River tuvo lugar en Bremen, Alemania, en 1998. Sin anunciar sus intenciones a nadie en la ciudad, Eliasson y un asistente pilotaron una canoa por el río Weser, liberando a lo largo del camino una gran cantidad de uranina en el agua. Pronto apareció una enorme franja verde fluorescente, para sorpresa de cualquiera que pasara por el río. Eliasson permitió que un espectáculo público se desarrollara durante algún tiempo mientras su intervención estética sacudía la esfera social de la ciudad. La primera reacción, por supuesto, fue miedo y horror, ya que la gente asumió que era alguna toxina. Solo más tarde el artista reveló lo que había hecho, aliviando las preocupaciones del público. Eliasson repitió más tarde el proyecto en Noruega, Islandia, Suecia, Japón y Estados Unidos. El tinte verde causó reacciones variadas en cada ciudad, pero debido al contexto, casi todas las reacciones fueron universalmente negativas. Eliasson llama a este tipo de trabajo un "productor de fenómenos" y cree que tales proyectos son importantes para sacar a las personas de sus interacciones normales con su entorno, así como para llevar el arte a personas que de otro modo no lo encontrarían.
Olafur Eliasson - Río verde 1998, La Ruta Northern Fjallabak, Islandia, 1998, © Olafur Eliasson
Brice Marden y el Monocromo
Brice Marden es uno de los muchos artistas que han experimentado con la idea de la pintura monocromática. Crea sus monocromos añadiendo capas sucesivas de pintura en diferentes colores, permitiendo que los colores de fondo contribuyan al tono final. La fisicalidad de sus monocromos los convierte en objetos dignos de contemplar: su presencia es imponente, ya que su rico, suntuoso y profundo color atrae la mirada. Pero el acto de encontrarse con una pintura monocromática verde monocromática de Marden no se asemeja en nada a ver de repente una franja verde de color fluorescente fluyendo por un río público. Si estás de pie frente a un monocromo verde de Marden, es probable que estés en un museo, en una feria de arte o en una galería de arte de alta gama. Es un lugar seguro, y por lo tanto, una oportunidad para cuestionar qué significa el verde para ti personalmente, aparte de cualquier interferencia contextual externa.
Acerca de sus pinturas monocromáticas, Marden una vez dijo: “Me gusta pensar que mi pintura va más allá de ser simplemente lo que es.” El color ciertamente juega un papel fundamental en hacer que sus monocromos sean más que la suma de sus partes. El ejemplo de un monocromo de Brice Marden utilizado por Stella Paul en Chromaphilia es de 1976, y es una pintura llamada Grove IV. Marden pintó la obra como una reflexión sobre la naturaleza, haciendo referencia específicamente a la isla griega de Hydra donde pasó tiempo. “La naturaleza es correcta”, dijo una vez Marden. Pero, ¿de qué manera se inspiró esta pintura en la naturaleza? ¿Es una imagen figurativa de hierba verde? ¿O se refiere a alguna asociación abstracta que podríamos hacer entre la naturaleza y el color verde? ¿Hay algo inherentemente natural en el verde? La pintura monocromática verde ofrece oportunidades para responder a esa pregunta por ti mismo.
Brice Marden - Grove IV, 1976, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, © 2017 Brice Marden/Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York
Bruce Nauman Da Luz Verde
El artista nacido en Indiana, Bruce Nauman, se involucra en sus empresas artísticas en parte para investigar la psicología y el comportamiento de las personas. A menudo utiliza texto en su trabajo, desafiando a los espectadores a discernir entre el significado de las palabras y el contexto de su interacción con el arte. Pero quizás se le asocie más comúnmente con el uso de luz de colores. En 1970, Nauman construyó un par de paredes altas y las colocó una al lado de la otra, creando un pasillo estrecho, de solo 12 pulgadas de ancho. Luego colgó bombillas fluorescentes verdes por encima, de modo que el pasillo brillara en un intenso color verde. Se animó a los espectadores a caminar a través del pasillo. Suponiendo que encajaran en el espacio, sus ojos se ajustarían a la inundación de luz verde y luego, al salir del pasillo, sus ojos se ajustarían de nuevo, lo que les haría ver una ilusión óptica del color rosa, el extremo opuesto del espectro de colores.
Es difícil decir si Nauman quiso implicar algo específicamente sobre el color verde con esta obra. Podría haber utilizado cualquier otro color y logrado efectos similares. Puede que no haya habido ningún significado en su elección de este color. Pero el hecho de que eligiera el verde ha llevado a muchos espectadores de arte a crear nuevas asociaciones contextuales con el color. Esta experiencia intensa, claustrofóbica y de otro mundo ha sido descrita como aterradora, psicodélica e incluso sagrada. Nuevamente plantea la pregunta: ¿tienen los colores algún significado intrínseco? ¿Depende su significado del contexto? La obra de estos tres artistas nos lleva a creer que la mayoría de nuestras asociaciones con el color se desarrollan a partir de nuestras experiencias personales.
Bruce Nauman - Corredor de Luz Verde, Copenhagen Contemporary, Copenhague
Imagen destacada: Bruce Nauman -
