Jóvenes artistas abstractos a los que hay que prestar atención

Como introducción a estos perfiles de diez artistas abstractos emergentes que creemos merecen su atención, mi editor me pidió que comentara un poco sobre el estado del arte abstracto contemporáneo. Esta solicitud aparentemente simple ha mantenido mi mente girando durante varios días. He estado escribiendo sobre arte contemporáneo durante nueve años, y enfocándome específicamente en el arte abstracto durante más de un año y medio. Sin embargo, cuando se me pide evaluar su estado, no estoy seguro de qué decir exactamente. Vivimos en un tiempo de extrema ansiedad para cualquiera que esté prestando atención a los eventos mundiales. Y los artistas viven en el mismo mundo que todos los demás, por lo que no es sorprendente que estén tan afectados por esta ansiedad como cualquiera. Una multitud de fuerzas está trabajando arduamente para escribir el futuro de este planeta, y a menudo parece que pocos de aquellos con el poder de afectar realmente las cosas están de acuerdo en qué dirección debería ir la civilización. Pero en mi opinión, los artistas abstractos están en una posición única para influir en nuestro camino. Son nuestros poetas visuales. Su obra puede trascender barreras de lenguaje, cultura, nacionalidad, género, raza y economía. Estoy de acuerdo con artistas como Marcel Duchamp, que creen que los espectadores completan las obras de arte al experimentarlas. Los artistas son responsables de crear proposiciones estéticas, pero nosotros somos los responsables de determinar qué sucede a continuación. Podemos elegir estar abiertos a nuevas formas de ver. Podemos elegir lo que tiene significado y cuál será ese significado. Para guiarnos a lo largo de ese camino, los artistas abstractos contemporáneos tienen todas las mismas herramientas disponibles que los científicos contemporáneos, soldados, magnates y políticos. Lo que harán con esas herramientas es la pregunta que enfrentan todos los días. Mi esperanza continua es que me sorprendan. Los diez artistas abstractos en los que elegimos enfocarnos hoy trabajan en una variedad de medios y formatos, y crean obras por muchas razones diferentes. Su diversidad refleja los innumerables caminos diferentes que cada uno de nosotros en este mundo contemporáneo es libre de tomar. En mi humilde opinión, son prueba de que el estado del arte abstracto hoy está tan vivo como siempre lo ha estado, y tan capaz como siempre de producir obras que son significativas, importantes, influyentes e inesperadas.

Iva Gueorguieva

Nacida en Sofía, Bulgaria, en 1974, Iva Gueorguieva obtuvo su MFA en la Tyler School of Art en Filadelfia, y actualmente vive y trabaja en Los Ángeles, CA. Su visión estética es particularmente adecuada para el entorno urbano. Involucra piezas dispares que se unen para participar en la creación de un nuevo todo. Gueorguieva trabaja en una variedad de medios diferentes, pero se centra principalmente en la pintura y la escultura. Sus pinturas combinan elementos de collage con una intervención pictórica directa para crear imágenes que transmiten complejidad, movimiento y una buena dosis de caos. Aunque esencialmente planas, se sienten dimensionales y animan al espectador a ser envuelto por el espacio pictórico. Al igual que sus pinturas, sus esculturas también se ensamblan a partir de una serie de medios diferentes. Para crearlas, Gueorguieva reúne piezas de su entorno físico, como concreto, metal, papel, plástico y pintura, por lo que la obra posee un sentido del lugar de su propia origen. Las formas abstractas que luego se ensamblan resuenan poderosamente con cualquiera que esté familiarizado con el léxico visual de un lugar urbano contemporáneo.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, óleo sobre lienzo, © Sofia Contemporary e Iva Gueorguieva (Izquierda) y Vanished Animal 5, 2015, litografía, fondo de jabón, fondo suave, fondo duro, punta seca, acuarela de mordida, acuarela de mordida en agua, mordida abierta sobre tela con pintura a mano, pintura en aerosol y óleo sobre marco de acero soldado con paneles de acero, varilla de refuerzo, concreto y arcilla epóxica, foto cortesía de ACME Los Ángeles, © Iva Gueorguieva (Derecha)

Remero Holton

Las obras de Holton Rower, nacido en Nueva York, vienen a existir a través de un proceso de acumulación gradual. Al igual que las capas de roca sedimentaria que se depositan con el tiempo, Rower vierte metódicamente capas monocromáticas de pintura sobre una superficie, permitiendo que cada capa se una antes de verter otra capa encima. Eventualmente, al igual que con las montañas, las capas se acumulan en masas sustanciales. Luego, con una cuchilla, Rower realiza la tarea de los elementos naturales, esculpiendo una forma final. Ya sea presentados en la pared o en el suelo, estos objetos son inherentemente escultóricos y, sin duda, pinturas. Son tanto industriales por naturaleza como el resultado de un arduo trabajo físico. Son objetos formales de color, forma, figura y textura, y también declaraciones poéticas sobre la humanidad y su intervención continua con la naturaleza. (Oh, y no es que sea relevante para el poder y la presencia de su extraordinario arte, pero Rower también es el nieto de Alexander Calder.)

Holton Rower - Vista de la instalación en VENUS LA: La idea es más erótica que el acto, 2016, pintura sobre tablero de partículas (izquierda), Ola de crímenes sin víctimas Referencia, 2016, pintura sobre tablero de partículas (centro), Ojalá te dé esperanza, 2016, pintura sobre tablero de partículas (derecha), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Al igual que los cubistas de principios del siglo XX, la fotógrafa Hannah Whitaker, nacida en Washington, D.C., ha descubierto emocionantes caminos estéticos hacia la cuarta dimensión. Suena increíble, pero sus fotografías se hacen de la manera tradicional: con nada más que una cámara. Al controlar estratégicamente qué parte del negativo se expone, construye imágenes pieza por pieza, a veces tardando varios días en exponer completamente un solo negativo. Las imágenes resultantes capturan la realidad tal como ha transcurrido a lo largo del tiempo mientras se mueve a través del espacio. Al combinar este dinamismo cuatridimensional con imágenes abstractas formales, Whitaker ha llegado a una propuesta estética única, una que impulsa la fotografía hacia adelante mientras también declara el valor atemporal de sus fundamentos.

Hannah Whitaker - Ramas de Barcroft, 2014, impresión de pigmento archivística (izquierda), y Broadside 1, 2014, impresión de pigmento archivística (derecha), © Hannah Whitaker

Ben Parker

El artista de origami abstracto Ben Parker se centra en los actos de descubrimiento y experimentación. Para algunos, la emoción del antiguo arte del origami radica en poder presenciar la figura de un animal, una planta o un edificio emerger de los intrincados pliegues de una sola hoja de papel. Para otros, la emoción del origami reside en su potencial para el descubrimiento científico, ya que parece expresar los mismos fundamentos del universo físico. Pero para Parker, la emoción está en descubrir cómo utilizar las técnicas de plegado geométrico del origami para provocar formas abstractas. Sus complejas composiciones crean espacio mientras lo ocupan. Son tanto sustanciales como etéreas. Surgen aparentemente de la nada, y su significado es incierto. Que son bellas es innegable; y para muchos espectadores, también son innegablemente profundas.

Ben Parker - Contención Violada, 2016, hoja suelta de papel, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

El trabajo de la artista Ashleigh Bartlett, nacida en Calgary, se basa en los actos de desapego y construcción. Sus pinturas en collage exploran composiciones abstractas de color y forma construidas a partir de capas de lienzo, papel y pintura. Sus obras recortadas logran presencias escultóricas, ensambladas con los mismos materiales que sus pinturas en collage, pero carecen del soporte superficial. Como Bartlett presenta en estas obras, descomponer las cosas y reensamblarlas puede interpretarse tanto como acciones que revelan, como acciones que ocultan.

Ashleigh Bartlett - Sorpresa Guiño, 2017, lienzo, papel y acrílico sobre lienzo (Izquierda) y Snaggle, Óleo sobre panel, 2011 (Derecha), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazú

El artista multidisciplinario Pello Artist nació en 1963 en el territorio vasco de Andoain, Gipuzkoa. Su trabajo está a la vanguardia de la investigación estética contemporánea sobre cómo los objetos negocian con el espacio. Sus instalaciones incluyen frecuentemente murales pintados directamente en las paredes del espacio de exhibición. Estos murales mantienen una conversación formal con sus objetos construidos, demostrando las maneras en que los colores, líneas y formas se transforman en figuras. De particular interés para Irazu es la discusión continua sobre cómo los espectadores interactúan con los objetos estéticos y cómo perciben su relación con los espacios que habitan dichos objetos.

Pello Irazu - Noli me tangere (desconfianza) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009, piezas de aluminio fundido y soldado y tornillos (izquierda), y Room Under, 1995, contrachapado, pintura vinílica, cinta adhesiva y serigrafía sobre espejo (derecha) ambos de la colección del artista, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

El artista iraní Ramin Shirdel se basa en su formación en arquitectura para crear obras de arte arquitectónicas y ópticamente deslumbrantes. Sus pinturas escultóricas reaccionan a las condiciones de luz cambiantes, proyectando sombras que alteran la percepción de sus formas ilusorias. Ocultas en las obras hay palabras poéticas en farsi con significados como amor, verdad, abrazo, ola y obra maestra. Las cualidades formales y concretas de las piezas ofrecen algo estéticamente objetivo, mientras que el estado efímero de la imagen subyace a los significados subjetivos transmitidos por las palabras.

Ramin Shirdel - Aroos (Novia), 2013, Técnica mixta sobre tabla de madera, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

Para todos los efectos prácticos, el medio de la artista de Brooklyn Afruz Amighi es el metal. Ella crea estructuras elaboradas y delicadas que se asemejan a las agujas de las catedrales, los picos de los minaretes o los puntos en la punta de una corona. Pero su medio oculto es la luz. Cuando sus creaciones son iluminadas, cobran vida, atrayendo la mirada hacia los destellos efímeros en sus superficies mientras simultáneamente proyectan redes dramáticas y complejas de sombras en las superficies circundantes. La obra habla poéticamente sobre lo que se hace visible y lo que permanece oculto cuando todo está iluminado.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, vista de instalación, metal, cadena, luz, © Afruz Amighi

Plaza Artie

El artista de Nueva York Artie Vierkant da una voz estética a las ideas de autoría y control. Su serie en curso llamada Image Objects implica que el artista toma imágenes de Internet, las altera en Photoshop y luego las utiliza como elementos de superficie para objetos abstractos que construye. Sin embargo, es difícil encontrar fotografías en línea de sus objetos de imagen terminados, porque Vierkant también altera sus fotos de exhibición en Photoshop, llamando a esas imágenes nuevas obras por derecho propio. Quién posee las imágenes fuente originales, y por lo tanto podría reclamar la propiedad de sus objetos de imagen alterados o imágenes de exhibición, depende de cómo se mire la propiedad intelectual. Un punto que Vierkant también parece estar planteando es que la única verdad de la obra reside en su presencia física: ver imágenes de arte en línea no es lo mismo que ver arte en persona. Además de sus Image Objects, Vierkant también ha comenzado a trabajar con semillas de Monsanto trituradas como medio artístico. Pero una pregunta que esto, y realmente toda su obra, plantea es cuánta importancia deben darle los espectadores a la historia de fondo de los materiales fuente utilizados en una obra de arte. ¿Importa en absoluto? ¿O es la presencia estética del objeto de arte en sí la única cosa importante? ¿Tienen las conversaciones cuasi-filosóficas algo que ver con el arte? ¿Son parte del arte? Vierkant está haciendo su mejor esfuerzo para plantear estas preguntas de una manera estéticamente interesante.

Artie Vierkant - Vista de instalación editada en Photoshop (izquierda), y Plant expression constructs 2, Soybean MON89788, TO, Exploit (derecha), © Artie Vierkant

MadC

La ex artista de graffiti adolescente Claudia Walde, conocida como MadC, está transformando la forma en que el mundo del arte contemporáneo interactúa con los artistas callejeros. MadC tiene dos títulos en diseño gráfico y ha escrito numerosos libros. También es mundialmente reconocida como muralista, un campo en el que ha desarrollado una posición estética distintiva y visualmente impresionante. Recientemente ha comenzado a evolucionar su lenguaje visual hacia una forma que se traduce en espacios de exhibición formales e interiores. Ha creado instalaciones impresionantes y también ha realizado exposiciones de sus lienzos, creados con capas de pintura en spray transparente que permiten ver las capas subyacentes. Incluso ha traducido su trabajo a objetos de moda, como zapatos.

MadC - Hogar Dulce Hogar, 2016, instalación, © MadC

Imagen destacada: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, acrílico, óleo y collage sobre papel montado en lienzo, créditos fotográficos Ameringer McEnery Yohe, Nueva York
Por Phillip Barcio