Jóvenes artistas abstractos a los que hay que prestar atención

Como introducción a estos perfiles de diez artistas abstractos emergentes que creemos merecen su atención, mi editor me pidió que comentara un poco sobre el estado del arte abstracto contemporáneo. Esta aparentemente simple petición ha mantenido mi mente dando vueltas durante varios días. He estado escribiendo sobre arte contemporáneo durante nueve años, y específicamente enfocándome en el arte abstracto por más de un año y medio. Sin embargo, cuando me piden evaluar su estado, no estoy seguro exactamente de qué decir. Vivimos en una época de ansiedad extrema para cualquiera que preste atención a los acontecimientos mundiales. Y los artistas viven en el mismo mundo que todos los demás, por lo que no es sorprendente que estén tan afectados por esta ansiedad como cualquiera. Una multitud de fuerzas trabajan arduamente tratando de escribir el futuro de este planeta, y a menudo parece que pocos de los que tienen el poder para realmente influir en las cosas están de acuerdo sobre hacia qué dirección debe ir la civilización. Pero en mi opinión, los artistas abstractos están en una posición única para influir en nuestro camino. Son nuestros poetas visuales. Su obra puede trascender barreras de idioma, cultura, nacionalidad, género, raza y economía. Estoy de acuerdo con artistas como Marcel Duchamp, que creen que los espectadores completan las obras de arte al experimentarlas. Los artistas son responsables de crear proposiciones estéticas, pero somos nosotros quienes determinamos qué sucede después. Podemos elegir estar abiertos a nuevas formas de ver. Podemos elegir qué tiene significado y cuál será ese significado. Para guiarnos en ese camino, los artistas abstractos contemporáneos tienen todas las mismas herramientas disponibles que los científicos, soldados, magnates y políticos contemporáneos. Lo que harán con esas herramientas es la pregunta que enfrentan cada día. Mi esperanza continua es que me sorprendan. Los diez artistas abstractos en los que decidimos enfocarnos hoy trabajan en una variedad de medios y formatos, y crean obras por muchas razones diferentes. Su diversidad refleja los innumerables caminos diferentes que cada uno de nosotros en este mundo contemporáneo es libre de tomar. En mi humilde opinión, son la prueba de que el estado del arte abstracto hoy está tan vivo como siempre y tan capaz como nunca de producir obras que son significativas, importantes, influyentes e inesperadas.

Iva Gueorguieva

Nacida en Sofía, Bulgaria, en 1974, Iva Gueorguieva obtuvo su maestría en la Escuela de Arte Tyler en Filadelfia, y actualmente vive y trabaja en Los Ángeles, CA. Su visión estética es particularmente adecuada para el entorno urbano. Involucra piezas dispares que se unen para participar en la creación de un nuevo todo. Gueorguieva trabaja en una variedad de medios diferentes, pero se enfoca principalmente en la pintura y la escultura. Sus pinturas combinan elementos de collage con una intervención pictórica directa para crear imágenes que transmiten complejidad, movimiento y bastante caos. Aunque esencialmente planas, se sienten dimensionales y animan al espectador a ser envuelto por el espacio pictórico. Al igual que sus pinturas, sus esculturas también están ensambladas a partir de una gran cantidad de medios diferentes. Para crearlas, Gueorguieva reúne piezas de su entorno físico, como concreto, metal, papel, plástico y pintura, de modo que la obra posee un sentido del lugar de su propia origen. Las formas abstractas que luego se ensamblan resuenan poderosamente con cualquiera familiarizado con el léxico visual de un lugar urbano contemporáneo.

Iva Gueorguieva - Estratos, 2015, Barra de óleo sobre lienzo, © Sofia Contemporary e Iva Gueorguieva (Izquierda) y Animal Desaparecido 5, 2015, Litografía, soapground, softground, hardground, punta seca, aguafuerte con saliva, aguafuerte con agua, mordido abierto sobre tela con pintura a mano, pintura en aerosol y barra de óleo sobre estructura de acero soldado con paneles de acero, varilla, concreto y arcilla epóxica, foto cortesía ACME Los Ángeles, © Iva Gueorguieva (Derecha)

Holton Rower

Las obras del neoyorquino Holton Rower surgen a través de un proceso de acumulación gradual. Como capas de roca sedimentaria depositadas por el tiempo, Rower vierte metódicamente capas monocromáticas de pintura sobre una superficie, permitiendo que cada capa se solidifique antes de verter otra encima. Eventualmente, como con las montañas, las capas se acumulan en masas sustanciales. Luego, con una cuchilla, Rower realiza la tarea de los elementos naturales, tallando una forma final. Ya sea presentadas en la pared o en el suelo, estas piezas son inherentemente escultóricas e indudablemente pinturas. Son tanto industriales en naturaleza como resultado de un arduo trabajo físico. Son objetos formales de color, forma, figura y textura, y también declaraciones poéticas sobre la humanidad y su continua intervención con la naturaleza. (Ah, y no es que sea relevante para el poder y la presencia de su extraordinario arte, pero Rower también es nieto de Alexander Calder.)

Holton Rower - Vista de instalación en VENUS LA: La idea es más erótica que el acto, 2016, pintura sobre tablero de partículas (izquierda), Referencia a la ola de crímenes sin víctimas, 2016, pintura sobre tablero de partículas (centro), Rezo para que te dé esperanza, 2016, pintura sobre tablero de partículas (derecha), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Al igual que los cubistas de principios del siglo XX, la fotógrafa nacida en Washington, D.C. Hannah Whitaker ha descubierto caminos estéticos emocionantes hacia la cuarta dimensión. Suena increíble, pero sus fotografías se hacen a la antigua usanza: solo con una cámara. Al controlar estratégicamente qué parte del negativo se expone, construye imágenes pieza por pieza, a veces tomando varios días para exponer completamente un solo negativo. Las imágenes resultantes capturan la realidad tal como ha ocurrido a lo largo del tiempo mientras se mueve a través del espacio. Al combinar este dinamismo cuatridimensional con imágenes abstractas formales, Whitaker ha llegado a una proposición estética única, que impulsa la fotografía hacia adelante mientras declara el valor eterno de sus fundamentos.

Hannah Whitaker - Ramas Barcroft, 2014, impresión de pigmento archivado (izquierda), y Anuncio 1, 2014, impresión de pigmento archivado (derecha), © Hannah Whitaker

Ben Parker

El artista abstracto de origami Ben Parker se centra en los actos de descubrimiento y experimentación. Para algunos, la emoción del antiguo arte del origami es poder presenciar la figura de un animal, una planta o un edificio emerger de los pliegues intrincados de una sola hoja de papel. Para otros, la emoción del origami radica en su potencial para el descubrimiento científico, ya que parece expresar los mismos fundamentos del universo físico. Pero para Parker, la emoción está en descubrir cómo usar las técnicas geométricas de plegado del origami para provocar formas abstractas. Sus composiciones complejas crean espacio mientras lo ocupan. Son tanto sustanciales como etéreas. Surgen aparentemente de la nada, y su significado es incierto. Que sean hermosas es innegable; y para muchos espectadores también son indudablemente profundas.

Ben Parker - Contención Violada, 2016, hoja única de papel, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

La obra de la artista nacida en Calgary Ashleigh Bartlett se basa en los actos de desapego y construcción. Sus pinturas en collage exploran composiciones abstractas de color y forma construidas a partir de capas de lienzo, papel y pintura. Sus obras recortadas logran presencias escultóricas, ensambladas con los mismos materiales que sus pinturas en collage pero sin el soporte superficial. Tal como las presenta Bartlett en estas obras, desarmar y volver a armar puede leerse tanto como acciones que revelan, así como acciones que ocultan.

Ashleigh Bartlett - Guiño Sorpresa, 2017, lienzo, papel y acrílico sobre lienzo (Izquierda) y Snaggle, óleo sobre panel, 2011 (Derecha), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

El artista multidisciplinario Pello Irazu nació en 1963 en el territorio vasco de Andoain, Gipuzkoa. Su obra está a la vanguardia de la investigación estética contemporánea sobre cómo los objetos negocian con el espacio. Sus instalaciones frecuentemente incluyen murales pintados directamente sobre las paredes del espacio expositivo. Estos murales dialogan formalmente con sus objetos construidos, demostrando las maneras en que colores, líneas y formas se transforman en figuras. De particular interés para Irazu es la discusión continua sobre cómo los espectadores interactúan con los objetos estéticos y cómo perciben su relación con los espacios que dichos objetos habitan.

Pello Irazu - Noli me tangere (desconfianza), 2009, piezas de aluminio fundido y soldado y tornillos (izquierda), y Habitación Inferior, 1995, contrachapado, pintura vinílica, cinta adhesiva y serigrafía sobre espejo (derecha), ambas de la colección del artista, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

El artista iraní Ramin Shirdel se basa en su formación en arquitectura para crear obras arquitectónicas y ópticamente deslumbrantes. Sus pinturas escultóricas reaccionan con las condiciones cambiantes de luz, proyectando sombras que alteran la percepción de sus formas ilusorias. Ocultas en las obras hay palabras poéticas en farsi con significados como amor, verdad, abrazo, ola y obra maestra. Las cualidades concretas y formales de las piezas ofrecen algo estéticamente objetivo, mientras que el estado efímero de la imagen subyace a los significados subjetivos transmitidos por las palabras.

Ramin Shirdel - Aroos (Novia), 2013, técnica mixta sobre tabla de madera, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

Para todos los efectos prácticos, el medio de la artista radicada en Brooklyn Afruz Amighi es el metal. Ella crea estructuras elaboradas y delicadas que recuerdan a las agujas de catedrales, los pináculos de minaretes o las puntas de una corona. Pero su medio oculto es la luz. Cuando sus creaciones son iluminadas, cobran vida, atrayendo la mirada hacia los destellos efímeros en sus superficies mientras simultáneamente proyectan redes dramáticas y complejas de sombras en las superficies circundantes. La obra habla poéticamente sobre lo que se hace visible y lo que permanece oculto cuando todo está iluminado.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, vista de instalación, metal, cadena, luz, © Afruz Amighi

Artie Vierkant

El artista neoyorquino Artie Vierkant da voz estética a las ideas de autoría y control. Su serie en curso llamada Objetos de Imagen implica que el artista extrae imágenes de Internet, las altera en Photoshop y luego las usa como elementos superficiales para objetos abstractos que él construye. Sin embargo, es difícil encontrar fotografías en línea de sus objetos de imagen terminados, porque Vierkant también altera sus fotos de exhibición en Photoshop, llamando a esas imágenes nuevas obras por derecho propio. Quién posee las imágenes fuente originales, y por lo tanto podría reclamar la propiedad de sus objetos de imagen alterados o imágenes de exhibición, depende de cómo se mire la propiedad intelectual. Un punto que Vierkant también parece plantear es que la única verdad de la obra reside en su presencia física: ver imágenes de arte en línea no es lo mismo que ver arte en persona. Además de sus Objetos de Imagen, Vierkant también ha comenzado a trabajar con semillas de Monsanto molidas como medio artístico. Pero una pregunta que esta, y realmente toda su obra, plantea es cuánta importancia deben dar los espectadores a la historia de fondo de los materiales fuente usados en una obra de arte. ¿Importa en absoluto? ¿O la presencia estética del objeto artístico es lo único importante? ¿Tienen las conversaciones cuasi-filosóficas algo que ver con el arte? ¿Son parte del arte? Vierkant hace su mejor esfuerzo para plantear estas preguntas de una manera estéticamente interesante.

Artie Vierkant - Vista de instalación retocada en Photoshop (izquierda), y Construcciones de expresión vegetal 2, Soja MON89788, TO, Exploit (derecha), © Artie Vierkant

MadC

La ex artista de graffiti adolescente Claudia Walde, conocida también como MadC, está transformando la manera en que el mundo del arte fino interactúa con los artistas callejeros. MadC tiene dos títulos en diseño gráfico y ha escrito numerosos libros. También es reconocida mundialmente como muralista, campo en el que ha desarrollado una posición estética distinta y visualmente impresionante. Recientemente comenzó a evolucionar su lenguaje visual hacia una forma que se traduce en espacios formales de exhibición interior. Ha creado instalaciones impresionantes y también ha realizado exposiciones de sus lienzos, creados con capas transparentes de pintura en aerosol que permiten que las capas subyacentes se muestren. Incluso ha trasladado su obra a objetos de moda, como zapatos.

MadC - Hogar Dulce Hogar, 2016, instalación, © MadC

Imagen destacada: Iva Gueorguieva - Sauce del Desierto, 2016, acrílico, óleo y collage sobre papel montado en lienzo, créditos fotográficos Ameringer McEnery Yohe, Nueva York
Por Phillip Barcio