Abstraktien muotokuvien arvostaminen ja niiden erityinen estetiikka
Abstrakti muotokuva taiteilijat kohtaavat erikoisia haasteita. Kun näemme kasvoja kaikessa; sitä kutsutaan pareidoliaksi. Kun näemme kaikkea kasvoissa; sitä kutsutaan empatiaksi. Abstraktit muotokuvat asuvat tilassa, joka on jossain näiden kahden välissä, ja niiden taiteilijoiden on samalla käsiteltävä molempia. Jollain tavalla ihmisten luonnollinen tapa havaita tuttuja visuaalisia kuvioita kaikkialla, riippumatta siitä, ovatko ne oikeasti siellä, voi hyödyttää abstraktien muotokuvien tekijöitä. He tarvitsevat tuskin viitata ihmiskasvoihin tai -figuureihin herättääkseen niiden tunteen. Mutta pakkomielle etsiä kasvoja ja figuureja abstraktista kuvasta voi myös häiritä katsojia harkitsemasta taideteoksen muita puolia. Samoin abstraktit muotokuvamaalarit saattavat hyötyä katsojien luonnollisesta taipumuksesta empatisoida aina, kun he havaitsevat, jopa heikosti, tunnistettavan toisen kuvan. Mitkä tahansa herkkyydet, joita empaattinen katsoja antaa kuvastolle, voivat toimia työn käsitteen hyväksi. Mutta empatia voi myös häiritä ymmärtämistä. Tunnistaminen tutusta kasvoista tai figuurista taideteoksessa voi aiheuttaa henkilökohtaisia ennakkoluuloja, yleistyksiä ja pelkoa katsojan mielessä, mikä voi heikentää ja monimutkaistaa mitä tahansa ideoita, joita taiteilijalla alun perin oli mielessään.
Määrittelevät abstraktit muotokuvat
1500-luvulla italialaiset kehittivät hierarkian siitä, mitkä aiheet olivat kunnioitettavimpia taideteokselle. Kunniakkaimmaksi aiheeksi katsottiin historiallinen kohtaus, joka yleensä päätyi jonkinlaiseen mytologiseen tai uskonnolliseen jaksoon. Toiseksi kunnioitettavin aihe oli muotokuva. Klassisesti muotokuva määriteltiin yleensä ihmisen kuvaksi, joka useimmiten esitettiin päästä noin vartalon keskikohtaan. Mutta se ei välttämättä ollut vain sitä. Muotokuva voi myös esittää koko kehon tai vain kasvot. Ja se ei välttämättä ollut vain ihmisen kuva. Se voi olla minkä tahansa olennon kuva, ihmisen, eläimen, kuvitteellisen, mytologisen, hengellisen tai minkä tahansa yhdistelmän niistä.
Jotta teosta voitaisiin pitää abstraktina muotokuvana, sen on sisällettävä kaksi ominaisuutta: ensinnäkin sen on käytettävä muotokuvan käsitettä jollain tavalla; ja toiseksi sen on oltava abstrakti, mikä tarkoittaa, että sen on käsiteltävä ideoiden aluetta tai ainakin vältettävä täysin objektiivista tai esittävää lähestymistapaa todellisuuteen. Sen ei tarvitse olla yksi tietty väline tai ala. Abstrakti muotokuva voi olla piirustus tai maalaus, tai se voi myös olla abstraktia muotokuvavalokuvausta, abstraktia muotokuvaveistosta, abstraktia muotokuva-asennusta, abstraktia muotokuvan esitystaidetta jne. Mikä tahansa abstrakti esteettinen ilmiö, joka sisältää minkä tahansa olennon, todellisen, kuvitteellisen tai minkä tahansa yhdistelmän, voitaisiin pitää abstraktina muotokuvana.
Joan Miro - Head of a Woman, 1938. Oil on canvas. 18 x 21 5/8 in. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris
Itsemme kohtaaminen
Tulkitsemisen näkökulmasta katsottuna abstraktien muotokuvien arvostamisessa voi olla kaikkein vaikeinta ja joskus myös kiistanalaisinta se, että ne ovat luonteeltaan henkilökohtaisia. Sosiaalinen konstruktivismi postuloidaan, että kaikki, mitä ymmärrämme elämästä, kasvaa kokemuksistamme, ja että kaikki opettavaiset kokemuksemme kasvavat sosiaalisista vuorovaikutuksista. Psykologisessa mielessä yksi olento, joka tuijottaa toisen olennon kuvaa, on sosiaalinen vuorovaikutus. Katsojan vuorovaikutus huoneessa, joka on täynnä abstrakteja muotokuvia, muodostaa yhteisön.
Mikä tekee abstrakteista muotokuvista henkilökohtaisia, on se, että ne kutsuvat syvempään ja syvällisempään pohdintaan kuin mitä muut abstraktin taiteen muodot saattavat kutsua. Esimerkiksi abstrakti geometrinen veistos tai täysin abstrakti kompositio, kuten värikenttämaalaus tai monokromaattinen, voidaan kokea pelkästään sen muodollisten ominaisuuksien, symbolisten ominaisuuksien tai tulkinnallisten tai mietiskelevien ominaisuuksien mukaan. Mutta kaikkien näiden elementtien lisäksi abstraktit muotokuvat pakottavat katsojat myös vuorovaikutukseen itsensä kanssa.
Frank Auerbach - Head of JYM ll, 1984-85. Oil on canvas. 660 x 610 mm. Private collection. © Frank Auerbach
Henkilökohtaiseksi tuleminen
Siksi abstrakteja muotokuvia arvostettaessa suurin haaste on voittaa sisäiset ennakkoluulot. Kun katsoja tarkastelee esittävää muotokuvaa, joka on rakennettu jäljittelemään todellisuutta mahdollisimman tarkasti, pelkkä tunnistamisen tosiasia auttaa katsojaa pitämään kuvaa kunnioittavassa valossa. Taiteellisen ja kuvallisen mestaruuden tunne vaatii, että muotokuvassa esitetty olento ansaitsee erityistä ja täydellistä huomiota. Mutta abstraktit muotokuvat kutsuvat outoihin yleistyksiin. Yksi alue, jossa tämä on ilmeistä, on jo ennestään marginaalisten väestöryhmien abstraktit muotokuvat. Mieti esimerkiksi abstrakteja muotokuvia naisista.
Kaksi kuuluisinta abstraktin muotokuvamaalausta tekeviä taiteilijoita ovat Pablo Picasso ja Willem de Kooning. Yhdessä he maalasivat satoja abstrakteja muotokuvia. Monet Picasson maalaamista kuuluisista abstrakteista muotokuvista olivat naisista, kuten hänen kuuluisa Nainen itkemässä. Mutta hänen kiistanalaisin teoksensa oli abstrakti muotokuvamaalaus hänen rakastajattarestaan Marie-Thérèse Walterista, nimeltään Unelma. Maalaus on kiistanalainen, koska ihmiset luulevat näkevänsä falloksen hahmon päässä. He tulkitsevat sen siten eroottiseksi maalaukseksi. Mutta onko se vain pareidolia? Vai onko se empatiaa? Vai onko se voyeuristinen kiinnostus Picasson ja mallin välisten suhteiden suhteen? Se, että maalaus on abstrakti, avaa oven tulkinnallisille hypyille, jotka antavat sisäisten ennakkoluulojen tulla esiin. Näyttääkö maalaus todella meille jotain Picassosta ja hänen rakastajattarestaan? Vai näyttääkö se meille jotain itsestämme?
de Kooningin naiset
Vastaava ilmiö tapahtuu, kun ihmiset katsovat Willem de Kooningin maalaamia abstrakteja muotokuvia naisista. Kun muita de Kooningin abstrakteja maalauksia käsitellään, yleisimmin esiin nousevat ominaisuudet ovat niiden gestuaalinen laatu, niiden elinvoimainen energia, niiden erottuvat siveltimenvedot, niiden ainutlaatuinen väripaletti sekä jännitys ja intohimo, joka välittyy niiden ilmeikkäistä kompositioista. Hänen täysin abstrakteja kompositioitaan kuvataan monimutkaisiksi, yksityiskohtaisiksi ja voimakkaiksi. Hänen abstrakteja maisemiaan kuvataan yleviksi.
Mutta hyvin erilaista sanastoa käytetään, kun viitataan de Kooningin maalaamiin abstrakteihin naistenポートレitteihin. Yleisimmät adjektiivit, joita katsojat, erityisesti kriitikot, käyttävät näiden maalauksien kuvaamiseen, ovat enemmänkin vihamielisiä, vihaisia, väkivaltaisia, hulluja, naisvihamielisiä ja mielettömiä. De Kooning huomautti, että kun hän maalasi naistenポートレittejaan, hän toivoi niiden olevan yksinkertaisesti ainutlaatuisia ja mahdollisesti humoristisia. Hän yritti välittää omalla tyylillään naisellista muotoa klassisella, mutta silti modernilla ja abstraktilla tavalla, toisin kuin kukaan oli tehnyt ennen. Mikä siis on se, mikä näissä maalauksissa tuo esiin niin antropomorfisia huomautuksia? Laittoiko de Kooning nuo ajatukset maalaamiseen vai teimmekö me?
Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil on canvas. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Oil, enamel, and charcoal on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)
Näkeminen abstraktien muotokuvamaalarien teoksissa
Sen sijaan, että tuomme omat ennakkoluulomme peliin näiden maalauksien taustalla olevan merkityksen suhteen, toinen tapa arvostaa abstrakteja muotokuvia on tulkita, miten ne viestivät niiden taiteilijan ajattelua, joka ne maalasi. Esimerkiksi Paul Klee:n abstraktit muotokuvat osoittavat tämän taiteilijan kiinnostuksen väriin, muotoon ja harmonisiin kompositioihin. Ne viestivät hänen etsinnästään luonnon geometrisen olemuksen suhteen ja tasapainosta, jonka hän pyrki vangitsemaan taiteessaan.
Samoin, tarkastellessamme Robert Delaunayn abstrakteja muotokuvia, voimme nähdä hänen kehityksensä figuurimaalauksesta abstraktioon. Varhaisia muotokuvia, kuten se, jonka hän maalasi ystävästään Jean Metzingeristä vuonna 1906, voidaan arvostaa niiden edistyksellisen Divisionismin käytön vuoksi. Tämä maalaus vangitsee Delaunayn värin viehätyksen ja erilaiset abstraktit visuaaliset efektit, jotka syntyvät, kun eri värejä asetetaan vierekkäin pinnalle. Se myös viestii hänen etsinnästään tasoittaa kuva-alaa ja antaa yhtä paljon huomiota kaikille kuvan osille.
Paul Klee - Senecio, 1922. Oil on canvas. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Left) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Oil on canvas. 55 x 43 cm (Right)
Mitä abstrakti muotokuvaus opettaa
Abstraktien muotokuvien arvostamisen suorin tapa on yksinkertaisesti seurata ideoiden polkua, joita ne inspiroivat. Ideat ovat keskeisiä abstraktissa muotokuva valokuvauksessa. Valokuvassa Noire et Blanche Man Rayn teoksessa näemme naismallin kasvot, jotka on asetettu puumaskin viereen. Kasvoilla ja maskilla on samanlainen muoto, ja molemmat jakavat yhteisen ilmeen. Vaikka kuva näyttää meille objektiivisen todellisuuden, tämä kuva kyseenalaistaa, voiko valokuva näyttää meille, mikä on todellista, haastamalla oman olemuksemme totuuden. Se kysyy katsojalta: "Mikä niistä on maski?"
Kaukana erilainen, mutta myös ideoihin perustuva, on Marcel Duchampin kaksoiskuvaportraiitti, jonka on ottanut Victor Obsatz vuonna 1953. Se esittää kuvan mietteliästä Duchampista, joka katsoo ikkunasta ulos, ja sen päälle on superimpostoitu hymyilevä, iloinen Duchamp, joka katsoo takaisin meihin. Se näyttää meille vakavan ajattelijan ja leikkisän, satiirisen vitsiniekka, joita tämä taiteilija edusti. Tämä valokuva opettaa meille, kuinka arvostaa kaikkia abstrakteja muotokuvia; kuvina, jotka yhdistävät todellisuuksia, visioina maailmoista maailmoissa. Ne näyttävät meille kuvan itsestämme ja vihjaavat myös, että meissä on enemmän kuin tiedämme.
Esittelykuva: Salvador Dalí - Galatea sfäärien, 1952. Öljy kankaalle. Dalí-teatteri ja museo, Figueres, Espanja. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park
