Kova-reunamaalaus ja abstraktin järjestyksen estetiikka

Haluaisitko astua sisään teräväreunaiseen maalaukseen? Seuraavan kerran kun olet Las Vegasissa, mene Cosmopolitan-hotelliin ja kasinoon. Katutasolla on Starbucksin kahvila. Astu sisään ja katso ylös seiniin. Huomaat kirkkaita perusvärien laikkuja maalattuna eri pintoihin ja kiinnikkeisiin. Yhdellä seinistä näet väriläikkien maalanneen miehen allekirjoituksen: ranskalaisen taiteilijan ja valokuvaajan Georges Roussen.

Jos kävelet huoneen kauimmaiseen päähän, näet lattialla merkityn paikan, johon katsojia kutsutaan astumaan. Vain sieltä yhdestä kohdasta Roussen näkemys toteutuu. Nuo maalatut pinnat ovat osa illuusiota, kolmiulotteista toteutusta geometrisesta abstraktista maalauksesta, joka täyttää arkkitehtonisen tilan.

John McLaughlin - Nimetön, 1951, öljy Masonite-levylle, 60,3 × 70,5 cm, Van Doren Waxterin ystävällisyydellä

Mitä on teräväreunainen maalaus?

Ilmaisu teräväreunainen maalaus syntyi 1950-luvun lopulla Jules Langsnerin, Los Angeles Times -lehden taidekirjoittajan, toimesta. Termi viittasi muinaiseen taipumukseen, joka alkoi uudelleen näkyä monissa eri abstrakteissa taidetyyleissä, mutta oli erityisen yleinen Kaliforniassa tuolloin. Taipumus sisälsi geometristen muotojen käyttämisen rohkeissa, täysissä väreissä, jotka oli selvästi erotettu toisistaan terävillä, selkeillä reunoilla. Kaksi johtavaa teräväreunaista maalaajaa, joihin Langsner viittasi termiä luodessaan, olivat John McLaughlin ja Helen Lundeberg.

Tätä maalaustyyppiä oli tehty jo vuosisatojen ajan, ja se oli esiintynyt monissa eri kulttuureissa. Jopa länsimaisen abstraktin taiteen piirissä tämä taipumus käyttää rohkeita värejä, selkeitä muotoja ja teräviä reunoja oli aiemmin nähty esimerkiksi Kazimir Malevichin ja Piet Mondrianin töissä.

Teräväreunaisen maalauksen estetiikka oli menettänyt suosiotaan 1940- ja 50-luvuilla, osittain siksi, että abstraktin ekspressionismin tunnepitoiset ja eleelliset työt olivat nousseet suosioon. Nykyisessä merkityksessään termi teräväreunainen maalaus ei viittaa niinkään tiettyyn tyyliin tai liikkeeseen, vaan taipumukseen, jota monet modernit taiteilijat eri tyyleissä ovat käyttäneet ja käyttävät edelleen estetiikassaan.

Helen Lundeberg - Sininen planeetta, 1965, akryyli kankaalle, 152 x 152 cm, The Marilynn and Carl Thoma Collection. © Feitelson Arts Foundation, Louis Stern Fine Artsin ystävällisyydellä

Kazimir Malevich - Punainen neliö, 1915, öljy kankaalle, 53 × 53 cm, Venäläinen museo, Pietari

Kauneuden filosofia

Monille abstraktin taiteen suurimmista arvoituksista on se, ettei se vetoa mihinkään objektiiviseen kauneuden määritelmään. Ainakin länsimaissa esteettinen kauneus maalauksessa on vuosisatojen ajan määritelty luonnollisten ja kuvailevien aiheiden, kuten muotokuvien ja maisemien, kautta. Ennen abstraktion nousua taideteoksen odotettiin yleensä jäljittelevän jotain maailmassa kauniina pidettyä, kuten enkeliä, historiallista henkilöä tai niittyä, jotta se olisi esteettisesti kaunis.

Kun taiteilijat alkoivat purkaa maalauksen elementtejä, he haastivat käsityksen siitä, mikä voisi olla kaunista. Voisivatko valon ominaisuudet yksinään olla kauniita? Impressionistit ajattelivat niin. Voisiko väri yksinään olla esteettisesti kaunista? Orfistit ajattelivat niin. Monet taiteilijat ja taidesuuntaukset ovat myöhemmin kyseenalaistaneet jopa sen, onko esteettisellä kauneudella merkitystä. Pitäisikö taiteella olla mitään tekemistä kauneuden kanssa?

Piet Mondrian - Sommitelma II punaisessa, sinisessä ja keltaisessa, 1930, öljy kankaalle, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

Järjestyksen kauneus

Riippumatta taiteilijoiden, kriitikoiden ja tutkijoiden filosofisista leikeistä, tosiasia on, että kauneus merkitsee katsojille. Taiteen katsojat haluavat olla esineiden lähellä, jotka saavat heidät tuntemaan olonsa hyväksi. He haluavat taiteen osallistuvan heidän tyytyväisyyden etsintäänsä, mitä se sitten heille tarkoittaakin. Vaikka jokainen taidekriitikko maailmassa pitäisikin tiettyä maalausta valtavan tärkeänä historiallisesti, jos kukaan ei halua olla sen lähellä, sen arvo oikeutetusti laskee. Perustotuus, että ihmiset haluavat olla esteettisesti miellyttävien asioiden ympäröimänä, on asia, jonka monet abstraktin taiteen suuntaukset ovat pohtineet, ja johon teräväreunainen maalaus on auttanut monia katsojia tarttumaan.

Järjestyksessä on kauneutta. Järjellisyydessä on kauneutta. Värissä on kauneutta. Viivassa on kauneutta. Jossain, joka on puhdas, pilaantumaton, siisti ja järkevä, on kauneutta. Vaikka monet katsojat vielä tänäkin päivänä näkevät vaikeuksia ensin nähdä kuubististen teosten tai Wassily Kandinskyn abstraktien maalauksien kauneutta, on kiistatonta, että maalauksissa, jotka vetoavat haluumme rakenteeseen, on jotain viehättävää tai ainakin psykologisesti tyydyttävää. Malevichin suprematististen maalauksien ja Mondrianin De Stijlin maalauksien teräväreunainen geometrinen abstraktio on kaunista, koska se on esteettinen vastalääke kaaokselle.

Jackson Pollock - Siniset pylväät, eli Numero 11, 1952, emali- ja alumiinimaali lasilla kankaalla, 212 × 489 cm, Australian kansallismuseo, Canberra

Makuasia

Tietenkään tämä ei tarkoita, etteivätkö muut abstraktin taiteen tyylit olisi kauniita. Kauneus on makuasia. Esimerkiksi eri katsojilla on erilainen kyky purkaa monimutkaisuuksia. Se, mikä näyttää kaaokselta yhdelle, näyttää idylliseltä toiselle. Selvästi syy siihen, miksi toimintamaalarit kuten Jackson Pollock ja Willem de Kooning olivat niin menestyneitä, on se, että niin monet katsojat kokivat heidän työnsä lähestyttäväksi, samaistuttavaksi ja kauniiksi. Vaikka jotkut pitävät Pollockin Sinisiä pylväitä sotkuna, huomattavasti useammat näkevät siinä ihmisen universaaleja piirteitä ja alkuperäistä henkilökohtaista totuutta ilmaisevan teoksen.

Syynä teräväreunaisen maalauksen paluuseen 1950-luvulla oli ehkä se, että abstrakti ekspressionismi oli niin tunteellista. Se oli syntynyt ihmiskunnan historian väkivaltaisimmista, tuhoisimmista ja pelottavimmista ajoista, toisen maailmansodan ja atomisodan nousun jälkeen. On ymmärrettävää, että katsojat, jotka kohtasivat oman tuhoutumisensa uutisissa päivästä toiseen, halusivat lopulta palata johonkin, joka edisti sisäistä rauhaa ja järjestystä.

1950- ja 60-lukujen teräväreunainen maalaus tarjosi juuri tätä. Se tarjosi paluun geometrisen abstraktion muodollisiin, klassisiin ominaisuuksiin. Sen sijaan, että katsottaisiin psyykkimme kauhuja ja primitiivisten tunteidemme kaaosta, teräväreunainen abstraktio tarjosi turvapaikan mietiskelevään, meditaatioon sopivaan tilaan, jossa muoto, väri, viiva ja pinta olivat kaikki, mikä merkitsi. Siellä voimme mietiskellä asioiden perusrakenteita ja ehkä muuttaa itsemme, ainakin väliaikaisesti, joksikin muuksi.

Donald Judd - 15 nimeämätöntä betoniteosta, 1980-1984, Marfa, TX, The Chinati Foundation, Marfa

Minimalismi ja muuta

Paluu muodolliseen, teräväreunaiseen estetiikkaan auttoi synnyttämään valtavan luovan kehityksen abstraktissa taiteessa 1900-luvun puolivälissä. Se innoitti värikenttämaalareiden, kuten Kenneth Nolandin, nousua, jotka käyttivät tasaisia pintoja ja suuria värialueita luodakseen mietiskeleviä maalauksia, joiden kautta katsojat voivat kokea yleviä tuntemuksia. Se innoitti myös postmaalausabstraktion syntyä, liikettä, joka keskittyi peittämään taiteilijan kädenjäljen ja korostamaan muodollisia ominaisuuksia kuten väriä, viivaa, muotoa ja pintaa. Se vaikutti myös taiteilijoiden kuten Donald Juddin ja minimalismin yhteydessä toimivien ajatteluun, jotka saavuttivat tunteettoman ilmaisun huipun omaksumalla esteettisen muodollisuuden.

James Turrell - Raethro Pink (Kulmaprojektio), 1968, © James Turrell

Laajempi perintö

Teräväreunainen maalaus innoitti myös valon ja tilan liikkeen taiteilijoita. Kuka tahansa, joka on koskaan ollut James Turrellin immersiivisen teoksen sisällä tai kohdannut hänen teoksensa, jossa käytetään ”aukkoja”, teräväreunaisia reikiä pinnoissa, joiden läpi valo pääsee, näkee selvästi yhteyden tämän työn ja teräväreunaisen maalauksen välillä.

Myös installaatiotaiteilija James Irwin on liitetty teräväreunaisten maalaajien perintöön valoteostensa kautta. Kuuluisimpia esimerkkejä ovat Irwinin akryyli-instaallaatiot, joissa kirkas, kaareva, pyöreä akryylilevy ulottuu seinästä ja siihen osuu valo, luoden viivoja, geometrisia kuvioita ja valon ja varjon leikkiä ympäröivälle pinnalle. Nämä teokset laajentavat teräväreunaisen maalauksen periaatteita kolmiulotteiseen tilaan, jolloin katsoja voi asettua niiden sisään.

Robert Irwin - Nimetön, 1969, akryylimaali valettuun akryyliin, halkaisija 137 cm, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York

Näkökulman kysymys

Onko teräväreunainen maalaus kauniimpaa kuin tunnepitoisemmat maalaustyylit vai päinvastoin, on täysin mielipidekysymys. Ja mielipiteet muuttuvat. Palatessamme siihen Starbucks-kahvilaan Las Vegasissa, voimme nähdä, että se on todellinen viesti, jonka Georges Rousse saattaa haluta teoksillaan välittää. Geometrisen muodon teräväreunainen maalaus voi antaa meille järjestystä ja selkeyttä. Mutta kaikki eivät löydä onnea järjestyksestä ja selkeydestä. Jotkut meistä pitävät asioiden olevan sattumanvaraisia. Jotkut meistä nauttivat kaaoksesta. Roussen teräväreunaisten teosten todellinen kauneus on siinä, että yksinkertaisella askeleella mihin tahansa suuntaan reunat pehmenevät ja muuttuvat. Ne todistavat, että näkökulma on todella kaikki kaikessa.

Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio