Kova-reunamaalaus ja abstraktin järjestyksen estetiikka

Haluaisitko kiivetä sisään kovapintaisesta maalauksesta? Seuraavan kerran kun olet Las Vegasissa, mene Cosmopolitan Hotelliin ja Kasinoon. Kadun tasolla on Starbuck's kahvila. Kävele sisään ja katso ylös seiniin. Huomaat kirkkaat alueet perusväreistä maalattuina eri pinnoille ja varusteille. Yhdellä seinällä näet miehen, joka maalasi nämä väripilkut, allekirjoituksen: ranskalaisen taiteilijan ja valokuvaajan Georges Roussen.

"Jos kävelet huoneen kauimmaiseen päähän, näet lattialla merkin, joka kutsuu katsojia seisomaan sen päällä. Vain tuosta yhdestä kohdasta, ja vain tuosta kohdasta, Rousse’n visio toteutuu. Nämä maalatut pinnat ovat osa illuusiota, kolmiulotteista toteutusta geometrisesta abstraktista maalauksesta, joka vie tilaa arkkitehtuurista."

John McLaughlin - Nimetön, 1951, Öljy Masonitille, 23 ¾ × 27 ¾ tuumaa, Lahjoittanut Van Doren Waxter

Mitä on hard-edge -maalaus?

Termi hard-edge painting keksittiin 1950-luvun lopulla Jules Langsnerin, Los Angeles Timesin taidekirjoittajan, toimesta. Termi viittasi muinaiseen suuntaukseen, joka alkoi jälleen ilmestyä erilaisissa abstrakteissa taidetyyleissä, mutta oli erityisen yleinen Kaliforniassa tuolloin. Suuntaus sisälsi geometristen muotojen käyttämisen, jotka oli maalattu rohkeilla, täysillä väreillä, selvästi eristettyinä toisistaan kovilla, kiinteillä reunoilla. Kaksi johtavaa hard-edge-taiteilijaa, joihin Langsner viittasi termiä keksittäessä, olivat John McLaughlin ja Helen Lundeberg.

Tätä maalaustyyppiä oli tehty ennen vuosisatojen ajan, ja se oli tehnyt itsensä tunnetuksi monissa eri kulttuureissa. Jopa Länsi-Abstract-taiteen alueella tämä taipumus työskennellä rohkeilla väreillä, hyvin määritellyillä muodoilla ja terävillä reunoilla oli ilmennyt aiemminkin, esimerkiksi Kazimir Malevichin ja Piet Mondrianin teoksissa.

Kovan reunan maalaamisen estetiikka oli jäänyt pois muodista 1940- ja 50-luvuilla, osittain kiitos abstraktin ekspressionismin suosioon nousseen emotiivisen, eleellisen työn. Nykyisessä merkityksessään termi kovan reunan maalaaminen viittaa ei niinkään mihinkään tiettyyn tyyliin tai liikkeeseen maalaamisessa, vaan ennemminkin taipumukseen, jota modernit taiteilijat monissa eri tyyleissä ovat soveltaneet ja jatkavat soveltamista esteettisyyteensä.

Helen Lundeberg - Sininen planeetta, 1965, akryyli kankaalla, 60 x 60 tuumaa, Marilynn ja Carl Thoma kokoelma. © Feitelson Arts Foundation, Louis Stern Fine Artsin ystävällisellä suostumuksella.

Kazimir Malevich - Punainen tori, 1915, Öljy kankaalla, 21 × 21 tuumaa, Venäjän museo, Pietari

Kauneuden filosofia

Monille ihmisille yksi abstraktin taiteen hämmentävimmistä elementeistä on se, että se ei vetoa mihinkään objektiiviseen kauneuden määritelmään. Ainakin länsimaissa esteettinen kauneus maalauksessa on vuosisatojen ajan määritelty luonnollisten ja figuuristen aiheiden, kuten muotokuvien ja maisemien, kautta. Ennen abstraktion nousua, jotta taideteosta pidettäisiin esteettisesti kauniina, sen odotettiin normaalisti jäljittelevän jotain, mitä pidettiin kauniina objektiivisessa maailmassa, kuten enkeliä, historiallista henkilöä tai niittyä.

Kun taiteilijat alkoivat avata maalaamisen elementtejä, he kyseenalaistivat sen käsitteen, mitä kaunis voisi olla. Voisiko valon ominaisuuksia itsessään pitää kauniina? Impressionistit ajattelivat niin. Voisiko väri itsessään olla esteettisesti kaunis? Orfistit ajattelivat niin. Monet taiteilijat ja taiteen suuntaukset ovat sen jälkeen jopa kyseenalaistaneet käsityksen siitä, onko esteettinen kauneus edes relevanttia. Pitääkö taiteen liittyä mitenkään kauneuteen?

Piet Mondrian - Kompositio II punaisessa, sinisessä ja keltaisessa, 1930, Öljy kankaalla, 46 x 46 cm, Metropolitan-taidemuseo

Järjestyksen kauneus

Riippumatta siitä, millaisia filosofisia pelejä taiteilijat, kriitikot ja akateemikot pelaavat keskenään, totuus on, että kauneudella on merkitystä katsojille. Taiteen katsojat haluavat olla esineiden läsnäolossa, jotka auttavat heitä tuntemaan olonsa hyväksi. He haluavat taiteen osallistuvan heidän etsintäänsä tyydytyksen saavuttamiseksi, mitä se heille sitten tarkoittaakin. Vaikka jokainen taidekriitikko maailmassa pitäisikin tiettyä maalausta valtavan historiallisesti merkittävänä, jos kukaan katsoja ei halua olla sen ympärillä, sen arvo oikeutetusti vähenee. Perustotuus, että ihmiset pitävät esteettisesti miellyttävistä asioista, on asia, jonka kanssa monet abstraktin taiteen liikkeet ovat kamppailleet, ja se on asia, jonka kovareunainen maalaus on auttanut monia katsojia kohtaamaan.

Kauneutta on järjestyksessä. Kauneutta on järkevyydessä. Kauneutta on väreissä. Kauneutta on viivassa. Kauneutta on jossakin, joka on puhdasta, koskematonta, siistiä ja järkevää. Vaikka monet katsojat jopa tänä päivänä kokevat aluksi vaikeuksia nähdä kubististen teosten tai Wassily Kandinskyn abstraktien maalauksien kauneutta, on kiistämätöntä, että on jotain viehättävää, tai ainakin psykologisesti tyydyttävää, maalauksissa, jotka vetoavat haluamme rakenteeseen. Malevichin suprematististen maalauksien ja Mondrianin De Stijl -maalauksien kova reuna geometrinen abstraktio on kaunista, koska se on esteettinen vastalääke kaaokselle.

Jackson Pollock - Blue Poles, tai Numero 11, 1952, emali- ja alumiinimaali lasilla kankaalla, 83,5 tuumaa × 192,5 tuumaa, Australian kansallismuseo, Canberra

Makukysymys

Tietenkin tämä ei tarkoita, että muut tyyppiset abstraktit taiteet eivät olisi kauniita. Kauneus on makuasia. Esimerkiksi eri katsojilla on erilaiset kyvyt purkaa monimutkaisuuksia. Se, mikä näyttää kaaokselta yhdelle silmäparille, näyttää idylliseltä toiselle. Ilmiselvästi syy siihen, että toiminta-taiteilijat kuten Jackson Pollock ja Willem de Kooning olivat niin menestyneitä, on se, että niin monet katsojat pitivät heidän teoksiaan saavutettavina, samaistuttavina ja kauniina. Vaikka varmasti jotkut katsojat pitävät Pollockin maalausta Blue Poles sotkuna, paljon useammat katsojat pitävät sitä ihmiskunnan universaalien ja primitiivisten henkilökohtaisten totuuksien ilmaisuna.

Syynä siihen, että hard-edge -maalaus palasi muotiin 1950-luvulla, on ehkä se, että Abstrakti ekspressionismi oli niin emotionaalista. Se oli syntynyt kaikesta huolimatta historian väkivaltaisimmista, katastrofaalisimmista ja pelottavimmista ajoista ihmiskunnan historiassa, toisen maailmansodan ja ydinaseiden nousun jälkeen. On järkevää, että katsojat, jotka kohtasivat oman tuhon mahdollisuuden päivästä toiseen iltauutisissa, haluaisivat lopulta palata johonkin, joka edistää sisäistä rauhaa ja jonkinlaista järjestystä.

1950- ja 60-lukujen hard-edge -maalaus tarjosi juuri sitä. Se tarjosi paluun geometrisen abstraktion muodollisiin, klassisiin ominaisuuksiin. Sen sijaan, että olisimme tarkastelleet psyykkiemme kauheutta ja primitiivisten tunteidemme kaaosta, hard-edge -abstraktio tarjosi meille turvapaikan mietiskelevässä, meditaatiomaisessa tilassa, jossa muoto, väri, viiva ja pinta olivat kaikki, mitä oli. Siellä voimme meditoida asioiden peruspalikoista ja ehkä muuttaa itsemme, ainakin tilapäisesti, johonkin muuhun.

Donald Judd - 15 nimettömiä teoksia betonista, 1980-1984, Marfa, TX, The Chinati Foundation, Marfa

Minimalismi ja paljon muuta

Paluu muodollisiin, terävälinjaisiin esteettisiin arvoihin auttoi inspiroimaan valtavaa luovaa kehitystä abstraktissa taiteessa 1900-luvun puolivälissä. Se inspiroi Color Field -maalareiden nousua, kuten Kenneth Noland, joka käytti litteitä pintoja ja suuria värialueita luodakseen meditaatiomaalauksia, joiden kautta katsojat saattoivat kokea ylentäviä tuntemuksia. Se inspiroi myös Post-Painterly -abstraktiota, liikettä, joka oli omistautunut taiteilijan käden piilottamiseen ja formalististen ominaisuuksien, kuten värin, viivan, muodon ja pinnan, korostamiseen. Se auttoi myös inspiroimaan taiteilijoiden, kuten Donald Juddin, ajattelua ja niitä, jotka liittyivät Minimalismiin, jotka saavuttivat tunteettoman ilmaisun huipun omaksumalla esteettisen formalismiin.

James Turrell - Raethro Pink (Kulmaprojisointi), 1968, © James Turrel

Isompi perintö

Kovareunamaalaus inspiroi myös valon ja tilan liikkeen taiteilijoita. Kuka tahansa, joka on koskaan ollut sisällä James Turrellin immersiivisessä teoksessa tai kohdannut yhden hänen teoksistaan, jotka hyödyntävät "aukkoja", kovareunaisia reikiä, jotka on leikattu pintoihin ja jotka päästävät valoa läpi, voi selvästi nähdä yhteyden tämän työn ja kovareunamaalauksen välillä.

Jopa installaatiotaiteilija James Irwin on liitetty hard-edge-maalaajien perintöön hänen valoteostensa kautta. Tunnetuimpia esimerkkejä ovat Irwinin akryylinstallaatioita, joissa kirkas, kaareva, pyöreä akryyliosuus ulottuu seinältä ulospäin ja siihen osuu valo, luoden viivoja, geometrisia kuvioita ja valon ja varjon vuorovaikutusta ympäröivällä pinnalla. Nämä teokset laajentavat hard-edge-maalaamisen periaatteita kolmiulotteiseen tilaan, jolloin katsoja voi asua niissä.

Robert Irwin - Otsikko, 1969, Akryylimaali valetusta akryylistä, 137 cm. halkaisijaltaan, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York  

Näkökulmakysymys

Onko hard-edge -maalaus kauniimpaa kuin tunteellisemmat maalaustyylit vai päinvastoin, on puhtaasti mielipidekysymys. Ja mielipiteet muuttuvat. Palatessamme siihen Starbucks-kahvilaan Las Vegasissa, voimme nähdä, että se on Georges Roussen teoksen todellinen sanoma. Geometrisen muodon hard-edge -maalaus voi antaa meille järjestystä ja selkeyttä. Mutta kaikki eivät löydä onnea järjestyksestä ja selkeydestä. Jotkut meistä pitävät asioita sattumanvaraisina. Jotkut meistä nauttivat kaaoksesta. Roussen hard-edge -teosten todellinen kauneus on siinä, että yksinkertaisella askeleella mihin tahansa suuntaan reunat pehmenevät ja siirtyvät. Ne todistavat, että perspektiivi on todella kaikkea.

Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park