Kuinka Ad Reinhardt opetti meille katsomaan modernia taidetta

Mitä tarkoittaa olla puhdasoppinen? Onko se kuin olla kapea-alainen? Vai onko puhtauden tavoittelu itsessään jalo, kuin täydellisyyden tavoittelu? Amerikkalaiselle abstraktille taiteilijalle Ad Reinhardt puhtaus oli olennaista taiteessa. Vuoden 1953 esseessään ”Kaksitoista sääntöä uudelle akatemialle” Reinhardt määritteli taiteen ”taiteeksi, joka on tyhjennetty ja puhdistettu kaikista muista kuin taiteellisista merkityksistä.” Hän selitti edelleen, että ”Mitkä useammat käyttötarkoitukset, suhteet ja ”lisäykset” maalauksella on, sitä vähemmän se on puhdas. Mitä enemmän tavaraa siinä on, sitä levottomampi taideteos on, sitä huonompi se on. ’Enemmän on vähemmän’.” Tämä saattaa kuulostaa oudolta lausunnolta taiteilijalta, joka liitetään abstraktiin ekspressionismiin, taiteilijoihin, jotka ehdottomasti lisäsivät enemmän kankaalleen, eivät vähempää. Mutta vaikka Reinhardt aloitti uransa maalaamalla ilmaisuvoimaisia, dynaamisia kankaita, hänen puhtauden tavoittelunsa muutti hänen lähestymistapaansa radikaalisti ajan myötä. Hän vähensi maalauksissaan sisältöä niin dramaattisesti uransa aikana, että elämänsä viimeisinä vuosina hän maalasi vain mustalla värillä. Kuollessaan vuonna 1967 hän oli niin varma ponnistelujensa puhtaudesta, että julisti maalanneensa viimeiset koskaan tarvittavat maalaukset.

Taide tehtynä hienoksi

Puhdasta tavoitteleva pyrkimys saattaisi tuntua sopivammalta luostarille kuin taidestudiolle. Mutta Ad Reinhardt oli yhtä paljon filosofi kuin taiteilija. Ja yksi hänen parhaista ystävistään oli itse asiassa munkki luostarissa. Reinhardt vaihtoi säännöllisesti kirjeitä hänen kanssaan, leikillisesti vaihtaen näkemyksiä elämän ja taiteen luonteesta. Jatko-opinnoissaan Reinhardt opiskeli taidehistoriaa, aihetta, josta hän tiesi ehkä enemmän kuin kukaan muu sukupolvensa taiteilija. Ehkä hänen kiinnostuksensa löytää taiteen puhtauden lopullinen ilmentymä liittyi yhtä paljon älylliseen ja hengelliseen uteliaisuuteen kuin haluun määritellä oma merkityksensä taidehistorian jatkumossa.

Kun hän ensimmäisen kerran alkoi esitellä maalauksiaan New Yorkissa 1940-luvulla, ne olivat ajan hallitsevan nousevan tyylin, abstraktin ekspressionismin, linjassa. Ne olivat maalauksellisia, elehtiviä, täynnä kirkkaita värejä ja elossa abstraktien merkintöjen kanssa. Alle vuosikymmen myöhemmin hän kiivaasti hylkäsi kaikki nuo asiat, julkaisten dogmaattisen, lähes koomisen tarkasti määritellyn, usein ristiriitaisen manifestin, joka kuvasi tarkan menetelmän puhtaiden, modernien maalauksien tekemiseen: maalauksia, jotka eivät muuten muistuttaneet hänen omia varhaisia töitään. Jos se tuntuu paradoksaaliselta, auttaa muistaa Reinhardtin omat kuuluisat sanat: ”Taide on liian vakavaa otettavaksi vakavasti.”

Ad Reinhardt - Abstrakti maalaus, 1960. Öljy kankaalle. © 2018 Ad Reinhardtin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York

Avantgarden purkaminen

Ymmärtääkseen kulttuurista ilmapiiriä, jossa Reinhardt työskenteli, on hyödyllistä katsoa modernismin historiaa taaksepäin. Ennen toista maailmansotaa lähes kaikki avantgarden taidesuuntaukset syntyivät Amerikan ulkopuolella. Toisen maailmansodan jälkeen Amerikka synnytti joitakin vuosisadan vaikutusvaltaisimmista modernistisista liikkeistä, mukaan lukien abstrakti ekspressionismi, minimalismi ja post-ekspressionismi. Mikä sai aikaan tämän muutoksen amerikkalaisen taiteen vaikutusvallassa? Se liittyi enemmän politiikkaan kuin taiteeseen.

Saksan vallankumouksen jälkeen ensimmäisen maailmansodan jälkeen valtaan nousi edustuksellinen hallitus, Weimarin tasavalta. Tämä demokraattisesti valittu hallitus toteutti laajoja sosiaalisia, poliittisia ja taloudellisia uudistuksia, jotka johtivat suuriin kulttuurisiin muutoksiin koko Saksassa. Tässä muutoksessa saksalainen modernismi kukoisti. Bauhaus perustettiin samana vuonna kuin Weimarin tasavalta, samassa kaupungissa, ja seuraavien 14 vuoden aikana Saksa kehittyi johtavaksi edistykselliseksi voimaksi taiteissa.

Ad Reinhardt - Sanomalehtikollaasi, 1940. Leikattu ja liimattu painettu paperi ja musta paperi levylle. 15 7/8 x 20 tuumaa (40,6 x 50,8 cm). MoMA-kokoelma. © 2018 Ad Reinhardtin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York

Puhdasoppisuuden pimeä puoli

Kun pörssi romahti vuonna 1929, Saksa, kuten useimmat muut länsimaat, koki taloutensa romahduksen. Seurannut maailmanlaajuinen lama aiheutti paljon turhautumista tavallisten työväen ihmisten elämässä. Kun natsihallinto nousi valtaan Saksassa vuonna 1933, se tapahtui Saksan historiallisen suuruuden palauttamisen ja viimeaikaisten suuntausten kääntämisen nimissä. Yksi ensimmäisistä asioista, joita natsipuolue teki, oli vaikuttaa saksalaiseen kulttuuriin. Moderni taide oli keskeinen kohde.

Adolf Hitlerin johdolla natsit kehittivät käsityksen puhtaasta saksalaisesta taiteesta. Se sisälsi vain perinteistä, klassista taidetta, joka noudatti heidän määritelmäänsä rodullisesta ja kansallisesta identiteetistä. Kaikki tämän määritelmän ulkopuolinen taide leimattiin rappiotaiteeksi. Näin alkoi avantgarden taiteilijoiden pako Saksasta. Ja kun natsien vaikutus laajeni Saksan ulkopuolelle, modernit taiteilijat ympäri Eurooppaa joutuivat saman vainon kohteiksi.

Ad Reinhardt - Maalausluonnos, 1938. Guassi paperille. 4 x 5 tuumaa (10,2 x 12,8 cm). MoMA-kokoelma. © 2018 Ad Reinhardtin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York

Avantgarden kokoaminen uudelleen

1930-luvun lopulla ja 1940-luvun alussa jokainen eurooppalainen moderni taiteilija, jolla oli mahdollisuus, löysi keinon lähteä ulkomaille. Yhtenä harvoista maailman pääkaupungeista, joita fasistiset vallat eivät piirittäneet, New Yorkista tuli majakka avantgarden taiteilijoille ympäri maailmaa. Uudet saapuvat taiteilijat sekoittuivat jo elinvoimaiseen New Yorkin abstraktiin taidepiiriin, johon kuuluivat amerikkalaissyntyiset taiteilijat kuten Jackson Pollock sekä taiteilijat kuten Willem de Kooning ja Arshile Gorky, jotka olivat muuttaneet sinne ensimmäisen maailmansodan jälkeen. Tästä kulttuurista syntyivät ensimmäiset amerikkalaiset modernistiset taidesuuntaukset.

Ad Reinhardt saavutti taiteellisen kypsyyden osana tätä toisen maailmansodan jälkeisen avantgarden New Yorkin taiteilijasukupolvea. Hän oli täysin mukana tässä monipuolisessa, kansainvälisessä yhteisössä käydyissä poliittisissa, filosofisissa, sosiaalisissa ja kulttuurisissa keskusteluissa. Hän osallistui mielenosoituksiin ja oli mukana kaikilla mahdollisilla tavoilla. Mutta hän oli eri mieltä aikalaisistaan yhdellä perustavanlaatuisella tavalla. Kun he pitivät elämäänsä ja taidettaan yhtenä kokonaisvaltaisena kokemuksena, Reinhardt uskoi, että se oli väärä tie. Kuten hän sanoi: ”Taide on taidetta. Elämä on elämää.”

Ad Reinhardt - Maalausluonnos, 1939. Guassi paperille. 3 7/8 x 4 7/8 tuumaa (10 x 12,5 cm). MoMA-kokoelma. © 2018 Ad Reinhardtin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York

Etsintä muuttumattomalle

Erotuakseen aikalaisistaan Reinhardt kehitti ajatuksen ”valaistuneesta esineestä”, taideteoksesta, joka ei viittaa mihinkään ulkopuoliseen asiaan tai ajatukseen, vaan yksinkertaisesti on olemassa puhtaana esimerkkinä itsestään. Valaistunut esine oli muoto siitä, mitä spiritualisti voisi kutsua ”muuttumattomaksi”, suureksi lopulliseksi, muuttumattomaksi aineeksi, joka ei muutu edes muutoksen keskellä. Käytännössä hän etsi taiteen versiota Jumalasta.

Reinhardt etsi muuttumatonta kieltämisen kautta, eli sen sijaan että määrittelisi, mitä puhdas taide on, hän määritteli, mitä puhdas taide ei ole. Hänen 12 sääntöään uudelle akatemialle, julkaistu vuonna 1953, sisälsivät hänen kieltonsa, muotoiltuina säännöiksi siitä, miten päästä puhtaaseen taiteeseen. Näihin sääntöihin kuului: Ei realismia, ei impressionismia, ei ekspressionismia, ei veistoksia, ei muovailua, ei kollaasia, ei arkkitehtuuria, ei koristelua, ei pintaa, ei siveltimen vetoja, ei luonnostelua etukäteen, ei muotoja, ei suunnittelua, ei värejä, ei valoa, ei tilaa, ei aikaa, ei kokoa, ei liikettä, ei aihetta, ei symboleja, ei kuvia eikä mielihyvää. Hän lisäsi: ”Ulkoisesti pidä itsesi erossa kaikista suhteista, ja sisäisesti, älä himoitse sydämessäsi.”

Ad Reinhardt - Paperikollaasi, 1939. Hirshhornin museo ja veistospuutarha, Washington DC. © 2018 Ad Reinhardtin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York

Muutoksen mukana muuttuminen

On tärkeää pitää mielessä lukiessa 12 sääntöä uudelle akatemialle, että Reinhardt työskenteli yliopistossa komedian kirjoittajana ja että hän oli hengellinen ja filosofinen henkilö. Hänellä oli terävä äly ja hän puhui usein tarkoituksellisesti paradoksaalisesti. Vaikka hän uskoikin, että kaikkia sääntöjä oli mahdollista noudattaa yksittäin, hänen täytyi myös tietää, että kaikkien sääntöjen samanaikainen noudattaminen tarkoittaisi joidenkin rikkomista.

Esimerkiksi mustien maalauksien kohdalla, joita hän maalasi viimeiset 12 vuotta elämäänsä, hän kutsui niitä ”vapaaksi, manipuloimattomaksi, manipuloimattomaksi, hyödyttömäksi, myymättömäksi, yksinkertaistamattomaksi, valokuvaamattomaksi, jäljentämättömäksi, selittämättömäksi ikoniksi.” Mutta ne eivät olleet vapaita; ne olivat ideologisen, dogmaattisen järjestelmän tuote. Ja mitä tulee valokuvaamattomuuteen ja myymättömyyteen, ne myytiin itse asiassa nopeasti ja niitä tulee edelleen säännöllisesti myyntiin huutokaupoissa, mukana hienoja valokuvia luetteloissa. Joten oliko Reinhardt vitsailemassa? Vai esittikö hän syvällisemmän lausunnon abstraktin taiteen tekemisen ja puhumisen monimutkaisuudesta?

Ad Reinhardt - Nimetön, 1947. Öljy kankaalle. National Gallery of Art, Washington DC. © 2018 Ad Reinhardtin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York

Muuttumaton tila

Reinhardtin ymmärtäminen tarkoittaa hänen kulttuurinsa ymmärtämistä. Reinhardt oli osa taidepiiriä, jota hallitsi intohimoinen, tunteellinen, henkilökohtainen ja maalauksellinen työ. Hänen vastauksensa siihen oli puolustaa sen vastakohtaa. Kun taiteilijat intohimoisesti vaativat taiteen uudelleen liittämistä jokapäiväiseen elämään, Reinhardt vaati, että taide ja elämä ovat erillisiä. Hän väitti maalanneensa viimeiset maalaukset, mutta taidehistorioitsijana hän tiesi, että maalaamisen loppu ei koskaan tule, niin kauan kuin on taiteilijoita, jotka haluavat maalata.

Jonkinlainen ymmärrys Ad Reinhardtista löytyy Bruce Leen lainauksesta: ”Muutoksen mukana muuttuminen on muuttumaton tila.” Tarjoamalla vaihtoehdon ajan hallitseville suuntauksille Reinhardt varmisti, että taidehistoria jatkuu. Kuten Musta neliö Kasimir Malevitšilta, Ad Reinhardtin mustat maalaukset eivät lopettaneet maalaamista, vaan työntivät jatkumoa eteenpäin. Olemaan dogmaattinen hän ei vaatinut, että olisi vain yksi tapa, vaan antoi lahjan seuraavalle sukupolvelle: vihollisen, jota vastaan työskennellä: puhdasoppisen vastustettavaksi ja ideologian uhmaksi.

Kuvassa: Ad Reinhardt - Numero 6, 1946. Öljy masoniittilevylle. © 2018 Ad Reinhardtin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio