Kuinka Ad Reinhardt opetti meille katsomaan modernia taidetta

Mitä tarkoittaa olla puhdasoppinen? Onko se kuin olla sulkeutunut? Vai onko puhtauden etsiminen luontaisesti jaloa, kuten täydellisyyden tavoittelu? Amerikkalaiselle abstraktille taiteilijalle Ad Reinhardt:ille puhtaus oli olennaista kauniille taiteelle. Hänen vuonna 1953 kirjoittamassaan esseessään "Kaksitoista sääntöä uudelle akatemialle", Reinhardt määritteli kauniin taiteen "taiteeksi, joka on tyhjennetty ja puhdistettu kaikista muista kuin taiteen merkityksistä." Hän jatkoi selittämistä, että "mitä enemmän käyttötarkoituksia, suhteita ja 'lisäyksiä' maalauksella on, sitä vähemmän puhdas se on. Mitä enemmän tavaraa siinä on, sitä kiireisempi taideteos on, sitä huonompi se on. 'Enemmän on vähemmän'." Tämä saattaa kuulostaa oudolta väitteeltä taiteilijalta, joka liittyy abstraktiin ekspressionismiin, taiteilijoihin, jotka ehdottomasti laittoivat enemmän kankaalleen, eivät vähemmän. Mutta vaikka Reinhardt aloitti uransa maalaamalla ilmeikkäitä, dynaamisia kankaita, hänen puhtauden etsintänsä muutti hänen lähestymistapaansa dramaattisesti ajan myötä. Hän vähensi niin dramaattisesti sisältöä maalauksissaan uransa aikana, että elämänsä viimeisinä vuosina hän maalasi vain mustalla värillä. Kun hän kuoli vuonna 1967, hän oli niin varma ponnistelujensa puhtaudesta, että hän julisti maalanneensa viimeiset maalaukset, joita koskaan tarvittiin.

Hienoksi tehty taide

Puhdistuksen etsiminen saattaa vaikuttaa enemmän luostariin kuin taidetyöpajaan. Mutta Ad Reinhardt oli yhtä paljon filosofi kuin taiteilija. Ja yksi hänen parhaista ystävistään oli itse asiassa munkki luostarissa. Reinhardt vaihtoi säännöllisesti kirjeitä hänen kanssaan, leikkisästi vaihtaen näkemyksiä elämän ja taiteen luonteesta. Jatko-opinnoissaan Reinhardt opiskeli taidehistoriaa, aihetta, josta hän tiesi enemmän kuin ehkä mikään muu hänen sukupolvensa taiteilija. Ehkä hänen kiinnostuksensa löytää taiteen puhtauden lopullinen ilmentymä liittyi yhtä paljon älylliseen ja hengelliseen uteliaisuuteen kuin hänen haluunsa määritellä oma merkityksensä taidehistorian jatkuvuudessa.

Kun hän ensimmäisen kerran alkoi esitellä maalauksiaan New Yorkissa 1940-luvulla, ne olivat linjassa aikakauden hallitsevan nousevan tyylin, Abstrakti ekspressionismi, kanssa. Ne olivat maalauksellisia, eleellisiä, täynnä eläviä värejä ja elinvoimaisia abstrakteja merkintöjä. Alle vuosikymmen myöhemmin hän intohimoisesti kieltäytyi kaikista näistä asioista, julkaisten dogmaattisen, lähes koomisen tarkasti määritellyn, usein ristiriitaisen manifestin, joka kuvasi tarkkaa menetelmää puhtaiden, modernien maalauksien tekemiseen: maalauksia, jotka sattumalta eivät olleet lainkaan samanlaisia kuin hänen omat varhaiset teoksensa. Jos tämä vaikuttaa paradoksaaliselta, on hyvä muistaa Reinhardtin omat kuuluisat sanat: “Taide on liian vakavaa otettavaksi vakavasti.”

Ad Reinhardt - Abstrakti maalaus, 1960. Öljy kankaalle. © 2018 Ad Reinhardtin perikunta / Artists Rights Society (ARS), New York

Avant-Garden purkaminen

Ymmärtääksemme kulttuurista ilmapiiriä, jossa Reinhardt työskenteli, on hyödyllistä katsoa taaksepäin modernismin historiaan. Ennen toista maailmansotaa lähes kaikki avantgardetaiteen liikkeet syntyivät Amerikan ulkopuolella. Toisen maailmansodan jälkeen Amerikka synnytti joitakin vuosisadan vaikutusvaltaisimmista modernistisista liikkeistä, mukaan lukien abstrakti ekspressionismi, minimalismi ja postekspressionismi. Mitä tapahtui, joka sai aikaan tämän muutoksen amerikkalaisen taiteen vaikutuksessa? Siinä oli enemmän kyse politiikasta kuin taiteesta.

Saksalaisen vallankumouksen jälkeen ensimmäisen maailmansodan jälkimainingeissa Saksassa nousi valtaan edustuksellinen hallitus, jota kutsuttiin Weimarin tasavallaksi. Tämä demokraattisesti valittu hallitus toteutti laaja-alaisia sosiaalisia, poliittisia ja taloudellisia uudistuksia, jotka johtivat valtaviin kulttuurisiin muutoksiin koko Saksassa. Tässä muutosympäristössä saksalainen modernismi kukoisti. Bauhaus perustettiin samana vuonna kuin Weimarin tasavalta ja samassa kaupungissa, ja seuraavien 14 vuoden aikana Saksasta kehittyi johtava edistyksellinen voima taiteessa.

Ad Reinhardt - Uutispaperikollaasi, 1940. Leikattu ja liimattu painettu paperi ja musta paperi levyllä. 15 7/8 x 20 tuumaa (40,6 x 50,8 cm). MoMA-kokoelma. © 2018 Ad Reinhardtin perikunta / Artists Rights Society (ARS), New York  

Purismin pimeä puoli

Kun osakemarkkinat romahtivat vuonna 1929, Saksa, kuten useimmat muut länsimaat, näki taloutensa romahtavan. Seurannut globaali lama aiheutti suurta turhautumista tavallisten työssäkäyvien ihmisten elämässä. Kun natsihallinto nousi valtaan Saksassa vuonna 1933, se tapahtui verhouduksessa palauttaa Saksa sen historialliselle suuruudelle ja kääntää viime aikojen suuntauksia. Yksi ensimmäisistä asioista, joita natsipuolue teki, oli vaikuttaa saksalaiseen kulttuuriin. Moderni taide oli keskeinen kohde.

Adolf Hitlerin johdolla natsit kehittivät käsitteen puhtaasta saksalaisesta taiteesta. Se sisälsi vain perinteistä, klassista taidetta, joka noudatti heidän määritelmäänsä rodullisesta ja nationalistisesta identiteetistä. Kaikki taide, joka oli tämän määritelmän ulkopuolella, nimettiin degeneraattiseksi. Näin alkoi avantgarde-taiteilijoiden exodus Saksasta. Ja kun natsivaikutus laajeni Saksan ulkopuolelle, modernit taiteilijat ympäri Eurooppaa joutuivat samanlaisen vainon kohteeksi.

Ad Reinhardt - Maalaustutkielma, 1938. Gouache-paperilla. 4 x 5 tuumaa (10,2 x 12,8 cm). MoMA-kokoelma. © 2018 Ad Reinhardtin perikunta / Artists Rights Society (ARS), New York

Avant-Garden Uudelleen Kokoaminen

1930-luvun lopulla ja 1940-luvun alussa jokainen eurooppalainen moderni taiteilija, jolla oli varaa, löysi tavan matkustaa ulkomaille. Yhtenä ainoista globaaleista pääkaupungeista, joka ei ollut fasististen voimien piirittämä, New Yorkista tuli majakka avantgarde-taiteilijoille ympäri maailmaa. Uudet saapuvat taiteilijat sekoittuivat jo elinvoimaiseen New Yorkin abstraktin taiteen kenttään, johon kuului amerikkalaissyntyisiä taiteilijoita kuten Jackson Pollock sekä taiteilijoita kuten Willem de Kooning ja Arshile Gorky, jotka olivat muuttaneet sinne ensimmäisen maailmansodan jälkeen. Tästä kulttuurista syntyivät ensimmäiset amerikkalaiset modernistiset taidevirtaukset.

Ad Reinhardt saavutti taiteellisen kypsyyden ollessaan osa tätä toisen maailmansodan jälkeistä avantgardea New Yorkin taiteilijageneraatioita. Hän oli täysin mukana tässä monimuotoisessa, kansainvälisessä yhteisössä käytävässä eloisassa poliittisessa, filosofisessa, sosiaalisessa ja kulttuurisessa keskustelussa. Hän osallistui mielenosoituksiin ja oli mukana kaikilla mahdollisilla tavoilla. Mutta hän oli eri mieltä aikalaistensa kanssa yhdellä perustavanlaatuisella tavalla. Kun he pitivät elämäänsä ja taidettaan yhtenä kokonaisvaltaisena kokemuksena, Reinhardt uskoi, että se oli väärä polku. Kuten hän sanoi: “Taide on taidetta. Elämä on elämää.”

Ad Reinhardt - Maalaustutkielma, 1939. Gouache-paperilla. 3 7/8 x 4 7/8 tuumaa (10 x 12,5 cm). MoMA-kokoelma. © 2018 Ad Reinhardtin perikunta / Artists Rights Society (ARS), New York

Etsi invarianttia

Tavaksi kehittää taidettaan eroon aikalaistensa teoksista, Reinhardt muotoili käsitteen "valaistusta objektista", taideteoksesta, joka ei viitannut mihinkään ulkopuoliseen asiaan, mihinkään ulkopuoliseen ajatukseen, vaan yksinkertaisesti oli olemassa puhtaana itsenään. Valaistu objekti oli muoto siitä, mitä spiritisti voisi kutsua "invariantiksi", suureksi lopulliseksi, muuttumattomaksi aineeksi, joka jopa muutoksen keskellä ei muutu. Olennaisesti hän etsi taiteen versiota Jumalasta.

Reinhardt etsi invarianttia kieltämisen kautta, mikä tarkoittaa, että sen sijaan, että hän määritteli, mitä puhdas taide on, hän määritteli, mitä puhdas taide ei ole. Hänen 12 sääntöä uudelle akatemialle, julkaistu 1953, sisälsi hänen kieltojen luettelonsa, muotoiltuna sääntöinä siitä, miten päästä puhtaaseen taiteeseen. Nämä säännöt sisälsivät: Ei realismia, ei impressionismia, ei ekspressionismia, ei veistoksia, ei plastisismia, ei kollaasia, ei arkkitehtuuria, ei koristelua, ei tekstuuria, ei siveltimenjälkeä, ei ideoiden luonnostelua etukäteen, ei muotoja, ei suunnittelua, ei värejä, ei valoa, ei tilaa, ei aikaa, ei kokoa, ei liikettä, ei aihetta, ei symboleja, ei kuvia eikä iloa. Hän lisäsi: “Ulkoisesti, pidä itsesi eristyksissä kaikista suhteista, ja sisäisesti, älä anna sydämesi himoita.”

Ad Reinhardt - Paper Collage, 1939. Hirshhornin museo ja veistospuisto, Washington DC. © 2018 Ad Reinhardtin perikunta / Artists Rights Society (ARS), New York

Muuttuminen muutoksen myötä

On elintärkeää pitää mielessä lukiessaan 12 sääntöä uudelle akatemialle, että Reinhardt työskenteli komediakirjoittajana yliopistossa, ja myös että hän oli hengellinen ja filosofinen henkilö. Hänellä oli terävä huumorintajua ja hän puhui usein tahallaan paradoksaalisilla lauseilla. Vaikka hän uskoikin, että kaikki hänen sääntönsä olivat mahdollisia noudattaa erikseen, hän tiesi varmasti, että niiden kaikkien samanaikainen noudattaminen tarkoitti, että joitakin sääntöjä rikottaisiin.

Esimerkiksi, kun oli kyse Mustista Maalauksista, joita hän vietti viimeiset 12 vuotta elämästään maalaten, hän viittasi niihin sanoin: "Vapaa, manipuloimaton, manipuloimaton, hyödytön, markkinoimaton, vähentämätön, valokuvattava, toistamaton, selittämätön ikoni.” Mutta ne eivät olleet vapaita; ne olivat ideologisen, dogmaattisen järjestelmän tuote. Ja mitä tulee siihen, että ne olivat valokuvattavia ja markkinoimattomia, ne myytiin itse asiassa nopeasti, ja ne tulevat edelleen säännöllisesti myyntiin huutokaupoissa tänään, hienot valokuvat mukana katalogeissa. Joten oliko Reinhardt tekemässä vitsiä? Vai oliko hän tekemässä syvempää väitettä taiteen tekemisen ja siitä puhumisen monimutkaisuudesta abstraktissa taiteessa?

Ad Reinhardt - Nimettömänä, 1947. Öljy kankaalle. Kansallisgalleria, Washington DC. © 2018 Ad Reinhardtin perintö / Taiteilijoiden oikeusjärjestö (ARS), New York

Muuttumaton tila

Reinhardtin ymmärtäminen tarkoittaa hänen kulttuurinsa ymmärtämistä. Reinhardt oli osa taidemaailmaa, jota hallitsivat intohimoiset, tunteelliset, henkilökohtaiset ja maalaukselliset teokset. Hänen vastauksensa tähän oli puolustaa sen vastakohtaa. Kun taiteilijat intohimoisesti puolustivat taiteen uudelleen integroimista arkeen, Reinhardt väitti, että taide ja elämä ovat erillisiä. Hän väitti maalanneensa viimeiset maalaukset, mutta taidehistorioitsijana hän tiesi, että maalaamisen loppua ei koskaan tulisi, kunhan vain on taiteilijoita, jotka ovat valmiita maalaamaan.

Johtopäätöksiä Ad Reinhardtista löytyy tästä lainauksesta Bruce Leeltä: “Muuttua muutoksen mukana on muuttumaton tila.” Tarjoamalla vaihtoehdon hetken hallitseville suuntauksille, Reinhardt varmisti, että taidehistoria jatkuu. Kuten Musta Neliö Kasimir Malevichilta, Ad Reinhardin Mustat Maalaukset eivät lopettaneet maalausta, vaan pikemminkin edistivät jatkuvuutta. Oleminen dogmaattinen ei tarkoittanut, että hän väitti olevan vain yksi tapa, vaan hän antoi lahjan seuraavalle sukupolvelle: vihollisen, jota vastaan työskennellä: puhdistajan, jota vastaan vastustaa ja ideologian, jota haastaa.

Esittelykuva: Ad Reinhardt - Numero 6, 1946. Öljy masoniitille. © 2018 Ad Reinhardtin perikunta / Artists Rights Society (ARS), New York
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park