Kuinka Karel Appel rikkoi sääntöjä kokeilun kautta

Me pidämme tänään itsestään selvänä, että taide on luova ala. Mutta mitä se tarkoittaa? Jotta jotain voitaisiin luoda, sen on oltava olematta aiemmin olemassa. Luovuus vaatii alkuperäisyyttä. Taiteilijat ovat siis alkuperäisiä. Mutta näin ei aina ollut. Vuonna 1921, kun Karel Appel syntyi, luovuus alkoi vasta alkaa vahvistua taiteen voimana. Historiallisesti katsottuna ennen modernismia menestys taidemaailmassa saavutettiin useammin teknisen ja esteettisen hallinnan kautta kuin luovuuden. Ammattitaiteilijoilta odotettiin, että he jäljittelivät havaittavaa maailmaa tai ainakin viittasivat siihen, ja tekivät sen tavalla, joka oli älyllisesti järkevää. Jopa abstraktien taiteilijoiden piti pystyä selittämään katsojille ja kriitikoille, mitä he tekivät ja miksi he tekivät sen viittaamalla ideologioihin ja metodologioihin, jotka perustuivat olemassa oleviin ajattelumalleihin. Karel Appel kuului taiteilijageneraatioon, joka haastoi tämän tavan lähestyä taiteen luomista. Sen sijaan, että taiteeseen lähestyttäisiin jo olemassa olevan näkökulmasta, Appel puolusti taidetta, joka ilmensi sitä, mitä ei vielä ole olemassa. Tällä tavoin hän perusti uuden paradigman taiteilijoille, joka perustui luovuuteen ja alkuperäisyyteen, mikä ei ainoastaan rikkonut sääntöjä, vaan ehkä myös kumosi tarpeen säännöille kokonaan.

Määrittelemätön kokeilu

Olemme kaikki todennäköisesti tuttuja sananlaskun kanssa: "Jos se ei ole rikki, älä korjaa sitä." Niin tiivis ja kliseinen kuin se kuulostaakin, tuo tunne ilmaisee sen, mikä on Modernismin ytimessä. 1800-luvun lopulla kuka tahansa länsimaissa, jolla oli globaali näkökulma ja joka kykeni kriittiseen havainnointiin, saattoi selvästi nähdä, että "se oli rikki": "se" tarkoitti ihmiskunnan edistystä. Lännen sivilisaation logiikka oli johtanut intensiivisen kilpailun ja väkivallan ilmapiiriin, joka uhkasi repiä ihmiskunnan kankaan rikki. Vaikka oli myönnettävä, että monet ihmiset tuohon aikaan hyötyivät taloudellisesti tai muuten rikkoutuneesta järjestelmästä, oli paljon enemmän niitä, jotka näkivät, että oli aika muutokselle.

Modernismi on nimi, jota käytämme laajasti viitataksemme aikakauteen, joka alkoi 1800-luvun lopulla, jolloin ihmiset tekivät joukon laajoja muutosyrityksiä kuvitellakseen, millainen moderni ihmiskunta on ja voisi olla. Modernismin perusperiaate tuli parhaiten esiin kirjailija Ezra Poundin sanoin, kun hän sanoi: "Make it new!" Hän puhui laajasti jaetusta halusta, jonka niin monet ihmiset kokivat, luoda jonkinlainen vaihtoehtoinen kulttuurinen todellisuus. Mutta kysymys, joka oli jokaisen modernistin mielessä, oli: "Miten teemme siitä uuden?" Useimmat erilaiset ehdotukset, joita esitettiin, liittyivät uusien taidetyylien keksimiseen, nykyisen maailman katsomistavan abstrahoimiseen tai esteettisten elementtien, kuten värin, viivan tai muodon, käytön innovoimiseen. Karel Appelin ehdottama ratkaisu oli ainutlaatuinen. Se jätti täysin huomiotta estetiikan ja tyylin ja keskittyi yhteen yksinkertaiseen tekijään: alkuperäisyyteen, jonka mahdollisti esteetön kokeilunvapaus.

Karel Appel - Villit palomiehet, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Poissaolon läsnäolo

Appelin mukaan taiteellisen teon arvo ei liittynyt lainkaan siihen tuotteeseen, joka lopulta syntyisi teon seurauksena. Tärkeintä oli luova prosessi. Kyse ei ollut siitä, että taiteilija puhuisi siitä, mitä oli aikomus tehdä, tai arvioisi tai selittäisi sitä, mitä lopulta tehtiin. Kyse oli yksinkertaisesti luomisesta: antaa tuntemattoman ilmetä, sallia epätodellisen tulla todelliseksi. Kuten Appel sanoi: "Jos siveltimen veto on niin tärkeä, se on siksi, että se ilmaisee tarkalleen sen, mitä ei ole." 

Karel Appel - Nimettömäksi jäänyt veistos, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

On usein huomattu, että Appelin varhaiset yritykset vapautetussa kokeellisessa esteettisessä luomisessa muistuttavat lasten tekemiä kuvia. Niiden kvasi-figuraaliset, kvasi-abstraktit kompositiot hyödyntävät näennäisesti kaoottista värisanastoa ja primitiivisiä viivojen ja muotojen ilmaisuja. Ne ymmärrettiin alun perin niin väärin, että kun niitä ensimmäisen kerran näytettiin 1940-luvun lopulla, niitä pilkattiin julkisesti. Mutta Appel ei lannistunut. Hän ei ollut motivoitunut julkisesta hyväksynnästä. Hän oli omistautunut kohtaamaan poissaolon läsnäolon ilmentämisprosessin kautta. Hän oli matkalla kohti alkuperäisyyttä, välittämättä siitä, mihin tämä matka päättyi tai miltä se näytti.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel ja CoBrA-ryhmä

Mikä oli niin järkyttävää Appelin maalauksissa? Oliko se se, että hän näytti välittävän vähän prosessinsa esteettisistä tuloksista? Vai oliko se vapaus, jolla hän loi, niin häiritsevää? Vastaus saattaa löytyä olosuhteista, joihin Appelin taide esiteltiin. Hänen ensimmäinen näyttelynsä oli vuonna 1946, kun Eurooppa oli juuri noussut toisen maailmansodan jälkeen. Laajalti uskotaan, että maailma oli mennyt hulluksi. Mantereen jälleenrakentamisen käytännön asiat ja järkyttävien menetysten kohtaaminen pakottivat kulttuurin jyrkkään eksistentiaaliseen ahdistukseen. Oli voimakas metafyysinen halu kontekstualisoida sota, jotta selviytyjät voisivat tuntea, että uhraus oli ollut sen arvoista. 

Sodan aikana Tanskan, Alankomaiden ja Belgian asukkaat olivat käytännössä täysin eristyksissä muusta maailmasta Saksan miehityksen vuoksi. Välittömästi sodan jälkeen kävi ilmi, että pieni joukko taiteilijoita, jotka olivat viettäneet sodan Kööpenhaminassa, Brysselissä ja Amsterdamissa, oli päätynyt samanlaiseen lähestymistapaan taiteen tekemisessä. Ryhmä, johon kuului Appel, hylkäsi olemassa olevien länsimaisten instituutioiden logiikan ja perustelut. Heitä inspiroivat primitiivinen kansantaide ja lasten taideteokset. He tekivät taidetta, joka oli juurtunut intuitioon, spontaaneuteen ja ilmaisun vapauteen. Kun nämä taiteilijat alkoivat esitellä töitään yhdessä, heitä kutsuttiin CoBrA-ryhmäksi, nimellä, joka oli peräisin heidän kotikaupunkinsa ensimmäisistä kirjaimista.

Karel Appel - Kysymyksiä lapsille, 1949. Gouache puulle. Esine: 873 x 598 x 158 mm, kehys: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Vaikuttavien tekijöiden yhteensattuma

Appel ei saapunut lähestymiseensä tyhjössä. Hän mainitsee kirjoituksessaan nähneensä Kurt Schwittersin näyttelyn, ensimmäisen kokemuksensa siitä, mitä hän kutsuu objet trouvé:ksi, taideteokseksi, joka on tehty löydetyistä esineistä. Hän kutsuu kokemusta "shattering". Se vapautti hänet tarpeesta seurata historiallisia perinteitä medioiden suhteen, ja vapautti hänet kaikista historiallisista perinteistä ylipäätään. Intuitiivinen, lapsenomainen vapaus, jolla Appel luo, on myös velkaa taiteilijoille kuten Paul Klee ja Joan Miro, jotka molemmat välittivät työssään esteetöntä vapautta.

Taiteellisten vaikutusten lisäksi Appel kirjoittaa myös kolmesta muusta vaikutuksesta ajatteluunsa. Hän mainitsee amerikkalaisen runoilijan Walt Whitmanin kirjan Leaves of Grass, uruguay-ranskalaisen kirjailijan Comte de Lautréamontin pitkän runon The Songs of Maldoror sekä Jiddu Krishnamurtin kirjoitukset, jotka ovat vaikuttavia pohdintoja ihmiskunnan luonteesta. Nämä vaikutteet yhdessä esittävät laajan ajattelun kirjon. Leaves of Grass on yksi kaikkein kauneimmista ja optimistisimmista vapauden ja avoimuuden juhlistuksista, mitä on koskaan kirjoitettu. The Songs of Madoror puolestaan on yksi erottuvimmista kokonaispahan tutkimuksista, mitä on koskaan sävelletty. Samaan aikaan Jiddu Krishnamurti kannusti omistautumaan vain henkilökohtaiselle tietoisuudelle, jotta voisi kokea totuuden ja tulla vapaaksi.

Karel Appel - Nude-sarjasta, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Appelin perintö

Havaitsemalla lasten ja kansantaiteilijoiden rajoittamaton innostus, Appel löysi polun löytää itsestään samanlaista vapauden tunnetta. Hän arvosti vapaata ihmismieltä. Hän osoitti käytännön tasolla, kuinka taiteilijat voivat vapaasti ja spontaanisti ilmaista oman totuutensa sisäistä kokemusta. Tämä teko yksinään inspiroi koko taiteilijapolven, mukaan lukien niin merkittäviä henkilöitä kuin Willem de Kooning ja Jackson Pollock, jotka muuttivat maailmaa liikkeiden, kuten Art Informel ja Abstrakti ekspressionismi, kautta. 

Mutta yksittäisten taiteilijoiden ja tyylien ohella, joita hän vaikutti, Appelin panoksen todellinen perintö voidaan tiivistää sanoihin "luova prosessi". Juuri taiteilijoiden, kuten Appelin, ansiosta pidämme tänään itsestään selvänä, että taiteen tärkein osa-alue tulisi olla alkuperäisyys, ei jäljittely. Vuonna 1989 Appel tiivisti kokemuksensa sanoen: "Luovuus on hyvin herkkää. Se on kuin lehti syksyllä; se roikkuu ja kun se putoaa, et tiedä minne se ajelehtii... Taiteilijana sinun on taisteltava ja selviydyttävä erämaassa säilyttääksesi luovan vapautesi". Omaksumalla todellisen alkuperäisyyden Appel poisti tarpeen noudattaa mitään polkua, joka ei olisi vapaa ilmaisu. Työnsä kautta opimme, että tärkeintä ei ole vain kerätä, luokitella ja ihailla taiteilijan työn tuloksia, vaan ihmetellä alkuperäisyyttä ja vapautta, josta nämä esineet ovat syntyneet, ja omaksua niiden lähde todellisena arvokkaana ja päättymättömänä luovuuden prosessina.

Esittelykuva: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park