Met tutkii abstraktin ekspressionismin syvää perintöä
Met Fifth Avenue New Yorkissa avasi Epic Abstraction: Pollock to Herrera tämän viikon aikana. Näyttelyssä on esillä yli 50 merkittävää teosta joiltakin viime vuosisadan kiehtovimmilta abstrakteilta taiteilijoilta, ja näyttely ansaitsee nimensä, koska se tutkii suurten mittakaavojen vaikutusta. Suuruus ilmenee joskus massiivisina taideteoksina — kuten gallerian hallitseva Louise Nevelsonin veistos "Mrs. N’s Palace" (1964–77) — joskus massiivisina ideoina — kuten automaattisen piirtämisen käyttäminen maalauksissa, jotka kanavoivat tiedostamattoman mielen salaisuuksia — ja joskus teknisenä menetelmänä, kuten Thornton Dialin valtavan monimutkaisessa kokoelmatyössä. Samaan aikaan näyttelyn alaotsikko, Pollock to Herrera, viittaa kahteen yleiseen ideaan. Ensimmäinen on teoria siitä, että Jackson Pollockin 1940-luvulla tekemä työ, vuosikymmen, josta kuratointi alkaa, merkitsi merkkipaalu muutosta abstraktin taiteen maailmassa: hetki, jolloin suurempi todella alkoi olla parempi. Toiseksi, että suhteellisen aliarvostettujen taiteilijoiden, kuten Carmen Herreran — kuubalais syntyinen minimalisti-taiteilija, joka 101-vuotiaana sai ensimmäisen retrospektiivinsä Whitney Museum of American Artissa vuonna 2016 — työ on yhtä tärkeää kuin tunnettujen supertähtien. Itse asiassa esillä on teoksia monilta aliedustetuilta taiteilijoilta, kuten edellä mainitulta löydettyjen esineiden kokoelmatyöläiseltä Thornton Dialilta; infame Gutai-ryhmän jäsen Kazuo Shiraga, joka loi uraauurtavan (kirjaimellisesti) esitysteoksen "Challenging the Mud" (1955); ja innovatiivinen unkarilainen abstrakti maalari Ilona Keserü. Kuratointi ulottuu myös nykypäivään nuorempien abstraktien taiteilijoiden, kuten Chakaia Bookerin ja Mark Bradfordin, teosten myötä. Toinen keskeinen oletus, jonka kuraattorit esittävät näyttelyn didaktisessa osassa, on, että eksistentiaalinen ahdistus oli se voima, joka inspiroi abstrakteja taiteilijoita aloittamaan eeppisten teosten tekemisen 70 vuotta sitten. Näyttely saattaakin saada sinut kysymään: onko eeppinen abstraktio tehnyt mitään lievittääkseen ahdistustamme? Vai onko se vain auttanut meitä hyväksymään eksistentiaalisen ahdistuksen osaksi inhimillistä tilaamme?
Paikka historiassa
Kuuluisien taiteilijoiden luettelo, joka on mukana Epic Abstraction -näyttelyssä, saa minkä tahansa taidehistorian harrastajan innostumaan: edellä mainittujen jättiläisten lisäksi mukana on teoksia Helen Frankenthalerilta, Joan Snyderilta, Cy Twomblyltä, Barnett Newmanilta, Franz Klineiltä, Willem de Kooningilta, Clyfford Stilliltä, Mark Rothkolta, Hedda Sterneltä, Joan Mitchellilta, Ellsworth Kellyltä, Robert Mangoldilta ja Morris Louisilta. Ja esimerkkejä taiteilijoiden töistä, jotka ovat suurimmalle osalle vierailijoista uusia, on runsaasti, kuten japanilainen kalligrafinen abstraktionisti Inoue Yūichi, filippiiniläinen abstrakti taiteilija Alfonso Ossorio, minimalisti-veistäjä Anne Truitt ja argentiinalainen kromaatinen nero Alejandro Puente. Kuitenkin, tämän historiallisen hyökkäyksen suuruuden lisäksi, se, mikä minusta tuntui kaikkein eeppisimmältä kuratoinnissa, on se, kuinka kaksi teosta erityisesti kumoavat sen kertomuksen, joka piilee näyttelyn alaotsikossa. Listatessaan Pollockin ja Herreran ja erottamalla heidät kaikista muista taiteilijoista, minusta tuntuu, että kuraattorit ehdottavat, että abstrakti ekspressionismi ja minimalismi ovat vaikutusvaltaisimmat liikkeet, joita tarkastellaan, ja että maalaus on näyttelyn pääpaino. Mutta Pollockin ja Herreran työ, menetelmät ja saavutukset, niin upeita kuin ne ovatkin, eivät ole edes lähellä kaikkein eeppisintä tässä näyttelyssä.
Se kunnia, mielestäni, kuuluu Louise Nevelsonille ja Thornton Dialille. Nevelsonin veistos, joka on esillä, saa katsojat, jotka eivät ole koskaan aiemmin kohdanneet hänen teoksiaan, kysymään, miksi ihmeessä kukaan puhuu Pollockista, kun Nevelson oli hänen aikalaistaan. Hänen työnsä on teknisesti vaativampaa, käsitteellisesti kiehtovampaa ja relevantimpaa New Yorkin hengelle, jossa sekä hän että Pollock työskentelivät. Pollock, käytännössä, rikkoi hieman uutta maata lainaamalla ja täydentämällä muiden taiteilijoiden ideoita ja menetelmiä. Sitten, saatuaan mainetta seuraamalla seuraavaa loogista askelta, koska hän oli ystäviä vaikutusvaltaisen kriitikon kanssa, Pollock tuhosi itsensä. Hänen maalauksensa ovat lumoavia, mutta Nevelson saavutti paljon enemmän kuin Pollock, oli alkuperäisempi ja työskenteli paljon pidempään, jättäen jälkeensä paljon kiehtovamman ja ajatuksia herättävämmän taiteen ja ideoiden perinnön.
Pitkästä aikaa puuttuva ääni
Sitten on Thornton Dial. Hänen "Shadows of the Field" (2008) on, silmissäni ja mielessäni, näyttelyn häiritsevin teos. Sen eeppinen luonne on sisällytetty sen materiaaleihin, rakenteeseen, väreihin ja piilotettuihin maailmoihin — sekä fyysisiin että metafyysisiin — jotka piileksivät sen muodossa. Kootut löydetyistä ja hylätyistä jätteistä, teoksen on tarkoitus herättää eloon osuusviljelyn perintö, epäoikeudenmukainen ja usein brutaali maatalousjärjestelmä, johon Dial syntyi vuonna 1928. Massiivinen kokoelma narua, synteettistä puuvillavillaa, säkkikangasta, peltiä, kankaita ja metallia, sillä on uupumuksen fyysinen läsnäolo. Se ilmentää kovuuden ja haavoittuvuuden yhdistymistä. Luotu, kun taiteilija oli 80-vuotias, se myös paljastaa hänen itseoppineen käden. Itse asiassa, kun Pollock rikastui ja joi itsensä kuoliaaksi, Dial eli köyhyydessä, teki itsensä loppuun vain yrittäessään selviytyä rasistisessa sosiaalisessa järjestelmässä, joka piti suurimman osan mustista amerikkalaisista museiden ulkopuolella, ei vain taiteilijoina vaan jopa maksavina vierailijoina.
Ehkä kun tämä näyttely etenee ajassa, muita määritelmiä siitä, mikä on eeppistä, saattaa nousta esiin, ja muita vielä voimakkaampia ja kiehtovampia teoksia tulee mukaan — näyttelyn päivämäärät ovat kuitenkin avoimia, ja esillä olevia teoksia, jotka on otettu The Met:n pysyvästä kokoelmasta, vaihdetaan säännöllisesti. Mutta nyt, "Shadows of the Field", joka on yksi kymmenestä Dialin teoksesta, jotka Met äskettäin hankki, tekee eeppisimmän lausunnon. Se sanoo, että kouluttamaton eteläinen musta osuusviljelijä teki joitakin voimakkaimmista ja merkityksellisimmistä abstrakteista taideteoksista viimeisten 70 vuoden aikana, ylittäen taiteilijoiden työn, jotka nauttivat paljon enemmän etuoikeuksia ja mahdollisuuksia kuin hän. Se myös viestii, että vaikka ahdistus saattaa todellakin olla väistämätön osa inhimillistä olotilaamme, siitä virtaava taide voi olla, ja usein onkin, pelastava armo.
Esittelykuva: Louise Nevelson - Mrs. N:n palatsi, 1964–77. Maalattu puu, peili, 140 x 239 x 180 tuumaa (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). Metropolitanin taidemuseo, taiteilijan lahja, 1985 © 2018 Louise Nevelsonin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York
Kirjailija: Phillip Park
