Met tutkii abstraktin ekspressionismin syvää perintöä
New Yorkin Met Fifth Avenue avasi tällä viikolla Epic Abstraction: Pollock to Herrera -näyttelyn. Näyttelyssä on yli 50 merkittävää teosta eräiltä viime vuosisadan kiehtovimmilta abstrakteilta taiteilijoilta, ja sen nimi viittaa suuren mittakaavan vaikutukseen. Suuruutta ilmaistaan joskus massiivisilla taideteoksilla — kuten gallerian hallitsevalla Louise Nevelsonin veistoksella ”Mrs. N’s Palace” (1964–77) — joskus massiivisilla ideoilla — kuten automaattisen piirtämisen käyttämisellä maalauksissa, jotka kanavoivat alitajunnan salaisuuksia — ja joskus teknisellä menetelmällä, kuten Thornton Dialin valtavan monimutkaisissa kokoonpanoissa. Näyttelyn alaotsikko, Pollock to Herrera, viittaa kahteen yleiseen ajatukseen. Ensinnäkin teoriaan, että Jackson Pollockin 1940-luvulla tekemä työ, vuosikymmenellä jolloin näyttelyn kokoaminen alkaa, merkitsi suurta muutosta abstraktin taiteen maailmassa: hetkeä, jolloin suurempi todella alettiin nähdä parempana. Toiseksi siihen, että suhteellisen aliarvostettujen taiteilijoiden, kuten Kuubassa syntyneen minimalisti Carmen Herreran — joka 101-vuotiaana sai ensimmäisen retrospektiivinsä Whitney Museum of American Artissa vuonna 2016 — työ on yhtä tärkeää kuin tunnetuimpien supertähtien. Näyttelyssä onkin esillä teoksia monilta vähemmän tunnetuilta taiteilijoilta, kuten mainitulta löydetyistä esineistä koostuvan kokoonpanotaiteilijan Thornton Dialin; kuuluisan Gutai-ryhmän jäsenen Kazuo Shiragan, joka loi uraauurtavan (kirjaimellisesti) performanssiteoksen ”Challenging the Mud” (1955); sekä innovatiivisen unkarilaisen abstraktin maalarin Ilona Keserün. Näyttely ulottuu myös nykypäivään nuorempien abstraktien taiteilijoiden, kuten Chakaia Bookerin ja Mark Bradfordin, töiden kautta. Näyttelyn kuraattoreiden mukaan toinen keskeinen oletus on, että eksistentiaalinen ahdistus oli voima, joka 70 vuotta sitten sai abstraktit taiteilijat tekemään eeppisiä teoksia. Näyttely saattaa siis herättää kysymyksen: onko eeppinen abstraktio tehnyt mitään ahdistuksemme lievittämiseksi? Vai onko se vain auttanut meitä hyväksymään eksistentiaalisen ahdistuksen osana ihmisyyttämme?
Paikka historiassa
Epic Abstraction -näyttelyssä mukana olevien kuuluisien taiteilijoiden luettelo saa taidehistorian harrastajan innostumaan: edellä mainittujen jättiläisten lisäksi mukana on teoksia Helen Frankenthalerilta, Joan Snyderiltä, Cy Twomblylta, Barnett Newmanilta, Franz Klineltä, Willem de Kooningilta, Clyfford Stilliltä, Mark Rothkolta, Hedda Sterneltä, Joan Mitchelliltä, Ellsworth Kellyltä, Robert Mangoldilta ja Morris Louisilta. Lisäksi on runsaasti esimerkkejä taiteilijoiden töistä, jotka ovat useimmille kävijöille uusia, kuten japanilainen kalligrafinen abstraktitaiteilija Inoue Yūichi, filippiiniläinen abstrakti taiteilija Alfonso Ossorio, minimalisti-veistäjä Anne Truitt ja argentiinalainen värien nero Alejandro Puente. Mutta historian valtavan vyöryn lisäksi minusta kaikkein eeppisintä koko näyttelyssä on se, miten kaksi teosta erityisesti kumoavat juuri sen kertomuksen, joka piilee näyttelyn alaotsikon takana. Listaamalla Pollock ja Herrera ja asettamalla heidät erilleen muista taiteilijoista, kuraattorit näyttävät ehdottavan, että abstrakti ekspressionismi ja minimalismi ovat merkittävimmät liikkeet, joita tarkastellaan, ja että maalaustaide on näyttelyn pääpaino. Mutta Pollockin ja Herreran työ, menetelmät ja saavutukset, vaikka upeita ovatkin, eivät ole edes lähellä näyttelyn eeppisintä antia.
Minun mielestäni tuo kunnia kuuluu Louise Nevelsonille ja Thornton Dialille. Näyttelyssä oleva Nevelsonin veistos saa ne, jotka eivät ole aiemmin kohdanneet hänen töitään, ihmettelemään, miksi kukaan ylipäätään puhuu Pollockista, kun Nevelson oli hänen aikalaisensa. Hänen työnsä on teknisesti vaativampaa, käsitteellisesti kiehtovampaa ja New Yorkin hengen kannalta merkityksellisempää, missä molemmat työskentelivät. Pollock käytännössä otti hieman uutta maata lainaamalla ja täydentämällä muiden taiteilijoiden ideoita ja menetelmiä. Sitten, saatuaan mainetta seuraamalla loogista askelta ja oltuaan ystäviä vaikutusvaltaisen kriitikon kanssa, Pollock tuhosi itsensä. Hänen maalauksensa ovat vangitsevia, mutta Nevelson saavutti paljon enemmän kuin Pollock, oli omaperäisempi ja työskenteli paljon pidempään, jättäen jälkeensä paljon kiehtovamman ja ajatuksia herättävämmän taide- ja ideaperinnön.
Pitkään puuttunut ääni
Sitten on Thornton Dial. Hänen teoksensa ”Shadows of the Field” (2008) on minun silmissäni ja mielessäni näyttelyn kaikkein pysäyttävin. Sen eeppisyys piilee sen materiaaleissa, rakenteessa, väreissä ja piilevissä maailmoissa — sekä fyysisissä että henkisissä — jotka kätkeytyvät sen muotoon. Löydetyistä ja hylätyistä jätteistä koottu teos on tarkoitettu herättämään mielikuvia osuusviljelystä, epäoikeudenmukaisesta ja usein julmasta maanviljelyjärjestelmästä, johon Dial syntyi vuonna 1928. Massiivinen kokoonpano, joka koostuu narusta, synteettisestä puuvillapehmusteesta, juuttikankaasta, peltilaatasta, kangassilpuista ja metallista, kantaa fyysistä uupumuksen tuntua. Se ilmentää kovuuden ja haavoittuvuuden yhdistymistä. Teos on tehty, kun taiteilija oli 80-vuotias, ja se paljastaa hänen itseoppineen kätensä. Sillä aikaa kun Pollock rikastui ja joi itsensä kuoliaaksi, Dial eli köyhyydessä, teki raskasta työtä selviytyäkseen rasistisessa yhteiskunnassa, joka sulki suurimman osan mustista amerikkalaisista pois museoista, ei vain taiteilijoina vaan edes maksavina kävijöinä.
Ehkä kun tämä näyttely etenee ajassa, esiin nousee muita määritelmiä siitä, mikä on eeppistä, ja mukaan tulee vielä voimakkaampia ja kiehtovampia teoksia — näyttelyn ajankohdat ovat avoimia, ja The Metin pysyvän kokoelman teoksia vaihdetaan ajoittain. Mutta toistaiseksi ”Shadows of the Field”, joka on yksi kymmenestä Dialin teoksesta, jotka Met on äskettäin hankkinut, tekee kaikkein eeppisimmän lausunnon. Se kertoo, että kouluttamaton eteläinen musta osuusviljelijä teki joitakin viimeisten 70 vuoden voimakkaimmista ja merkityksellisimmistä abstrakteista taideteoksista, ylittäen taiteilijat, joilla oli paljon enemmän etuoikeuksia ja mahdollisuuksia. Se myös osoittaa, että vaikka ahdistus saattaa olla väistämätön osa ihmisyyttämme, siitä kumpuava taide voi olla pelastus.
Kuvassa: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Maalattu puu, peili, 355,6 x 607,1 x 457,2 cm. The Metropolitan Museum of Art, taiteilijan lahja, 1985 © 2018 Louise Nevelsonin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York
Kirjoittanut Phillip Barcio
