Divisionismi ja sen vaikutus väriin taiteessa
Divisionismi oli yksi 1800-luvun merkittävimmistä esteettisistä kehityssuunnista. Se syntyi jälki-impressionismin ajanjaksolla, ja on pohjimmiltaan maalaustapa, jossa värejä ei sekoiteta etukäteen, vaan ne asetetaan vierekkäin pinnalle niin, että ne myöhemmin sekoittuvat ”silmän sisällä.” Ajatuksen kehitti ensimmäisenä Georges Seurat vuonna 1884, sama taiteilija, joka kaksi vuotta myöhemmin kehitti esteettisen suuntauksen nimeltä pointillismi. Useimmat tuntevat paremmin pointillismin, koska sen nimi viittaa selvästi tyyliin—kuviin, jotka koostuvat äärettömän pienistä ympyröistä eli pisteistä. Pointillismi ja divisionismi ovat toisiaan lähellä. Pääero on siinä, että pointillismi ei välttämättä perustu värien sekoittumiseen silmässä—se on yksinkertaisesti tekniikka, jossa kuva muodostuu pisteistä nesteenomaisten siveltimenvedon sijaan. Pointillistisessa kuvassa kuva hahmottuu paremmin silmälle, kun katsoja etääntyy ja pisteet sulautuvat yhteen. Sama periaate toimii divisionistisessa maalauksessa, paitsi että etäälle siirryttäessä sulautuvat yhteen paitsi muodot ja hahmot, myös värit. Divisionismi haastoi värin olemuksen ja kyseenalaisti, onko väri todellinen, konkreettinen asia vai pelkkä havaintomme ja mielikuvituksemme luoma ilmiö. Liike vaikutti voimakkaasti abstraktion kehitykseen 1800-luvun lopun ja 1900-luvun alun Euroopassa monesta syystä. Ensinnäkin se asetti muoviset elementit, kuten värin, sisällön edelle. Toiseksi se nosti esiin taiteen subjektiivisuuden kysymyksen. Katsojat ”täydentävät” divisionistiset maalaukset mielessään, mikä loi pohjan ajatukselle antaa katsojille vapaus tulkita taideteoksia—erityisesti abstrakteja teoksia—haluamallaan tavalla. Lopuksi Seurat aloitti taiteen lähestymistavan, joka sisälsi avoimen tieteellisen tutkimuksen. Hänen kiinnostuksensa värin ja havainnon tieteeseen on inspiroinut sukupolvia käsitteellisiä ja abstrakteja taiteilijoita, ja vaikuttaa vahvasti yhä tänä päivänä.
Tahattomat vaikutelmat
Vaikka Seurat tunnustetaan divisionismin perustajaksi, hän ei itse asiassa ollut ensimmäinen taiteilija, joka käytti divisionistista tekniikkaa. Varhaisemmat impressionistiset taiteilijat kuten Camille Pissarro ja Claude Monet olivat jo vuosikymmeniä aiemmin huomanneet, että he voivat saavuttaa maalauksissaan suuremman valovoiman käyttämällä pieniä, tiheitä siveltimen vetoja ja asettamalla tiettyjä vastavärejä vierekkäin. Mitä impressionistit tekivät, oli kuitenkin enemmän intuitiota. Seurat ansaitsi maineensa analysoimalla impressionistien työtä tieteellisellä tavalla. Etsien ainutlaatuista maalaustapaa, jota voisi pitää täysin omanaan, hän palasi myös kauemmas tutkimaan romanttisen taiteilijan Eugène Delacroixin töitä, joka oli tunnettu kankaidensa kirkkaista ja eloisista väreistä. Hän luki myös useita vanhoja kirjoja väriteoriasta, erityisesti Charles Blancin teoksen The Grammar of Painting and Engraving (1867) ja Michel-Eugène Chevreulin teoksen The Principles of Harmony and Contrast of Colors (1839).
Tutkimuksensa kautta Seurat havaitsi, että tietyt värit reagoivat voimakkaammin, kun ne asetetaan vierekkäin kuin toiset. Hioessaan impressionistista pienten siveltimen vetojen tekniikkaa tarkimmilleen ja hyödyntämällä mahdollisimman aktiivisia värikombinaatioita, hän saavutti jotain, mitä kutsui kromivalovoimaksi—ihanteelliseksi, valovoimaiseksi värin ja valon liitoksi. Ehkä kuuluisin maalaus hänen varhaisista kromivalovoiman tutkimuksistaan on ”Sunnuntai-iltapäivä La Grande Jatten saarella” (1884–86). Mestarityö on upea osoitus divisionististen tekniikoiden kyvystä sulauttaa yhteen paitsi värit silmässä, myös muut muodolliset elementit kuten sävy, muoto ja viiva. Radikaalimpaa on, että Seurat saavutti tämän maalauksen avulla liikkeen tuntua. Pienten väripisteiden sijoittelu saa veden näyttämään hohtavalta ja hehkuvalta, ja aallot näyttävät keinuvan. Puissa lehdet näyttävät kahisevan. Erikoisinta on, että oikean alakulman nainen näyttää leijuvan maan yläpuolella ja liikkuvan lempeästi eteenpäin.
Georges Seurat – Sunnuntai-iltapäivä La Grande Jatten saarella, 1884–1886. Öljy kankaalle. 207,6 cm × 308 cm (81,7 tuumaa × 121,25 tuumaa). Chicagon taideinstituutti
Inspiraatio tulevaisuuteen
Seurat sai välittömästi tunnustusta älyllisistä ja esteettisistä saavutuksistaan, mutta ei ehtinyt nauttia menestyksestään pitkään. Hän kuoli 31-vuotiaana, vain viisi vuotta sen jälkeen, kun oli saanut valmiiksi ”Sunnuntai-iltapäivän La Grande Jatten saarella.” Hänen perintönsä kuitenkin ylitti hänen uransa lyhyen keston. Hänen kykynsä välittää liikkeen tuntua maalauksissaan oli syvä inspiraation lähde italialaisille futuristeille. Kun futuristien manifesti julkaistiin vuonna 1909, se ylisti nopeutta ja teollisuutta kauniin, uuden, modernin ja teollisen maailman ihanteina. Futuristit omaksuivat Seuratin ajatukset luodakseen oman tunnusomaisen tyylinsä. Sen sijaan, että he vain asettivat värejä tai pisteitä vierekkäin silmässä sulautuviksi, futuristit laajensivat tätä käsitystä ja sovelsivat sitä viivoihin, muotoihin ja hahmoihin. Maalaamalla useita kuvia samoista muodoista vierekkäin teoksissaan he vihjasivat koneiden, ihmisten ja eläinten liikkeestä.
Sama ajatus vaikutti myös kubisteihin. Taiteilijat kuten Picasso ja Braque sovelsivat divisionistista ajattelua tasoihin, asettaen useita samanaikaisia näkökulmia vierekkäin luodakseen nelidimensionaalisen todellisuuden kuvan, jossa ajan kulku ja liike ovat vihjattuja. Myöhemmin orfistiset kubistitaiteilijat kuten Sonia Delaunay toivat divisionistisen kehityksen jälleen täyteen kiertoon tutkimalla, miten tietyt värit tuntuvat värähtelevän, kun ne asetetaan vierekkäin, vaikka ne olisivat täysin abstraktissa sommitelmassa. Tämä on ehkä suurin jälki jälki-impressionististen liikkeiden, kuten divisionismin, perinnöstä abstraktissa taiteessa: Seuratin, Delaunayn ja myöhemmin Piet Mondrianin, Josef Albersin ja lukemattomien muiden ansiosta taiteilijat pystyivät täysin irtautumaan sisällön ja aiheen vaatimuksista ja saivat vapauden tutkia visuaalisen taiteen puhtaita muovisia ominaisuuksia.
Kuvassa: Georges Seurat – Grandcamp, ilta. 1885, reunamaalaus noin 1888–89. Öljy kankaalle. 66,2 x 82,4 cm (26 x 32 1/2 tuumaa). MoMA-kokoelma
Phillip Barcion teos
