Miksi taidekriitikko Rosalind Krauss on edelleen ratkaiseva abstraktiolle

Rosalind Krauss on monien taiteilijoiden, taidekasvattajien ja taidemaailman ammattilaisten mielestä tärkein elävä taidekriitikko. Ja vaikka on kiistaton tosiasia, että kirjoitustensa kautta hän on levittänyt joitakin viimeisen viidenkymmenen vuoden vaikutusvaltaisimmista taideteorioista, en voi ymmärtää, miksi häntä kutsutaan tuolla sanalla: kriitikko. Ymmärrykseni mukaan siitä, mitä hän tekee, Krauss ei ole kriitikko. Hän on anti-kriitikko. Hän on henkilö, joka ajattelee syvällisesti taiteesta ja kirjoittaa siitä, mutta joka ei määrittele, miten meidän muiden tulisi arvostaa sitä. Hän on taidekirjoittaja. Hän on taidepuolustaja. Hän on taiteen puolustaja. Mutta kritiikki? Kuka sitä tarvitsee? Taiteilijat eivät varmasti tarvitse kritiikkiä. Ainoa asia, jonka taiteilija tarvitsee kuulla, on ylistys. Kritiikki on markkinoita varten. Se on tapa ylläpitää makustandardeja. Mutta ei ole olemassa sellaista asiaa kuin "hyvä" taide tai "huono" taide. Ainoa asia, mitä taidekriitikot todella lopulta tekevät, on aloittaa riitoja, pilata hauskuus ja rajoittaa mahdollisuuksia. He levittävät joukoille subjektiivisia ja usein perusteettomia arvosteluja. He vaikuttavat yleiseen mielipiteeseen yhden vähemmistön mielipiteiden perusteella. Mutta se, mitä Krauss on viettänyt elämänsä tekevän, on mielestäni aivan päinvastaista. Hän on laajentanut taiteilijoiden mahdollisuuksia. Hän on haastanut vallitsevan tilanteen, ja yli viiden vuosikymmenen ajan hän on jatkuvasti laajentanut tapaa, jolla ihmiset tuntevat voivansa katsoa, puhua ja kirjoittaa taiteesta. Itse asiassa Krauss opetti minulle kirjoitustensa kautta, että tärkein asia, jonka voin tehdä taideteoksen hyväksi, on kuvata se. Hän näytti minulle, että harkittu, tarkka kuvaus on korkein kohteliaisuus, jonka voin antaa taiteilijalle tai taideteokselle, paljon korkeampi kuin siirtyminen arvosteluvaiheeseen: sanoa, että jokin on "hyvä" tai että "pidän" jostakin. Maku on subjektiivista. Arvostelu on manipuloivaa. Tarkka kuvaus osoittaa, että on kunnioittanut teosta tarpeeksi katsoakseen sitä tarkasti ja kääntääkseen sen rehellisesti selkeään kieleen, jota kaikki voivat ymmärtää.

Nuori Rosalind Krauss

Rosalind Krauss syntyi vuonna 1941 Washington D.C.:ssä. Hänen isänsä oli lakimies Yhdysvaltain oikeusministeriössä. Hän vei usein Rosalindin vierailemaan Kansallisessa taidemuseossa. Siellä hän alkoi kehittää haluaan ja kykyään keskustella älyllisesti modernin taiteen arvosta. Vuoden 2016 haastattelussa Dylan Kerrin kanssa Artspacessa Krauss muisteli, että hänen isänsä oli kriittinen modernia taidetta kohtaan. Mutta jo nuorena naisena hän tunsi itsensä pakotetuksi puolustamaan teoksia. Hänellä oli ajatus, että se oli elintärkeää, ja hän puolusti sitä säännöllisesti isälleen museokierrosten aikana. “Otin käyttöön tietyn militanssin,” hän sanoo, “sillä minun piti yrittää vakuuttaa isäni, että nämä modernit taideteokset eivät olleet valehtelua, että ne olivat todella tärkeitä. Tämä terävöitti haluani selittää.”

Wellesley Collegeen ilmoittautuessaan vuonna 1958 hän aloitti elinikäiseksi muodostuneen akateemisen uran, joka oli omistettu taiteen merkityksen selittämiselle. Hän opiskeli taidehistoriaa ja alkoi vakavasti lukea, mitä muut taidekirjoittajat sanoivat hetken vallitsevista suuntauksista. Se oli jännittävää aikaa amerikkalaiselle taiteelle. Abstrakti ekspressionismi oli voimansa huipulla, ja taiteilijat, jotka vastustivat sitä tai saivat siitä inspiraatiota, liikuttivat amerikkalaisen taiteen maisemaa moniin kiehtoviin suuntiin: käsitteellinen taide, installaatiotaide, maataiteet ja maisemataide, esitystaide, valo- ja tilataide sekä minimalismi, vain muutamia mainitakseni. Krauss oli terävä ja havaintokykyinen. Vaikka hän oppi nopeasti historiaa, hän kehitti myös omia ajatuksiaan siitä, mitä hän opiskeli. Ja prosessin aikana hän kohtasi aikakauden karun todellisuuden: kapean näkökulman siihen, miten taiteesta oli hyväksyttävää puhua, ja pienen määrän vaikutusvaltaisia ääniä, jotka määrittivät sen.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), book cover

Bergit

Kaksi vaikutusvaltaisinta taidekriitikkoa 1900-luvun puolivälissä olivat Harold Rosenberg ja Clement Greenberg. Clement Greenberg oli vastuussa joidenkin kuuluisimpien taiteilijoiden uran luomisesta sodanjälkeisellä kaudella. Hänet tunnetaan parhaiten valkoisten, miesten abstraktin ekspressionismin puolestapuhujana, kuten Jackson Pollock ja Willem de Kooning, sekä siitä, että hän sivuutti naiset ja värilliset taiteilijat. Yksinkertaisin tapa kuvata, miten Greenberg kirjoitti taiteesta, on sanoa, että hän oli formalisti. Hän puhui maalauksista ei niiden sisällön, narratiivin tai kulttuurisen merkityksen kautta. Hän puhui niistä värin, viivan, muodon, pinnan laadun ja materiaalin erityisyyden kautta.

Harold Rosenberg puhui taiteesta eri kielellä kuin Clement Greenberg. Rosenbergia voisi yksinkertaisimmillaan kuvailla kriitikoksi, joka keskittyi taiteen runollisiin elementteihin. Hän kirjoitti tiettyjen taiteilijoiden kyvystä luoda mietiskelevää työtä ja kirjoitti heidän taiteensa ylittävästä laadusta. Sekä Greenberg että Rosenberg olivat laajalti arvostettuja ja heitä otetaan edelleen vakavasti tänä päivänä. Suurimmaksi osaksi he ovat sankareita, koska he oikeuttivat abstraktion suurelta osin amerikkalaisessa tietoisuudessa. Kukin omalla tavallaan nämä kaksi kriitikkoa opettivat sodanjälkeisille amerikkalaisille, että abstrakti taide oli suurempaa, syvempää ja monimutkaisempaa kuin se näytti useimmista ihmisistä tuolloin. He nostivat abstraktion samaan arvostukseen kuin realistinen taide, joka täytti museot ja historiankirjat. Mutta toisella tavalla molemmat kriitikot edustivat vanhaa tapaa puhua taiteesta. He olivat vuorovaikutuksessa sen kanssa rakenteellisella tavalla, joka oli juurtunut menneisyyden perinteisiin. He arvioivat sitä ja tekivät arvosteluita agendojen perusteella, jotka vaikuttivat yhteiskunnan olemassa olevaan valtarakenteeseen, ja sillä tavoin he rajoittivat sitä, mitä taide voisi tulla.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), book cover

Poststrukturalistinen taidekirjoittaminen

Wellesleyn yliopistosta valmistuttuaan Rosalind Krauss meni Harvardin yliopistoon, josta hän sai tohtorin tutkintonsa vuonna 1969. Vielä opiskelijana hän alkoi kirjoittaa taiteesta Artforumissa. Aluksi hänellä oli taipumus Clement Greenbergin teoksiin. Mutta ajan myötä hän alkoi omaksua post-strukturalistista näkökulmaa. Periaatteessa strukturalismi on ajatus siitä, että maailmaa voidaan ymmärtää tunnistettavien, kuvattavien rakenteiden kautta, jotka puolestaan tekevät kaikesta muusta järkevää. Historiasta puhutaan usein rakenteellisena tapahtumasarjana, joka johti väistämättä nykymaailmaan. Strukturalistinen taidekriitikko uskoo, että jokainen taideteoksen elementti voidaan ymmärtää sen perusteella, miten se liittyy olemassa olevaan, rakenteelliseen ajattelujärjestelmään. Ja päinvastoin, post-strukturalismi haastaa olennaisesti tämän ajatuksen.

Post-strukturalistinen taidekirjoittaminen ei ole kritiikkiä siinä mielessä, että se ei pyri johonkin lopulliseen arvioon taideteoksesta. Post-strukturalismi kutsuu esiin monia tulkintoja. Se puolustaa yksilöllistä arviointia. Se hylkää perittyjen rakenteiden auktoriteetin. Se kannustaa puhumaan asioista tavoilla, jotka kyseenalaistavat vallitsevan tilanteen. Se tunnustaa, että historialliset sosiaaliset rakenteet tukevat tapaa nähdä ja olla vuorovaikutuksessa maailman kanssa, joka sopii olemassa oleviin narratiiveihin vallanpitäjien kanssa. Post-strukturalistit uskovat, että haastamalla nämä tavat nähdä ja olla vuorovaikutuksessa maailman kanssa, voi syntyä monimuotoisempi, oikeudenmukaisempi, kokeellisempi ja mielenkiintoisempi maailma: yksi, joka lopulta on myös todenmukaisempi.

Rosalind Krauss - Bachelors, book cover

Verkossa

Kymmenen vuoden kirjoittamisen jälkeen Artforumille Rosalind Krauss lähti perustamaan uutta taidelehteä Annette Michelsonin kanssa, nimeltään October. Octoberin idea oli edistää uusia ajattelutapoja taiteesta. Lehti sai nimensä kuukaudesta, joka merkitsi bolševikkivallankumouksen alkua. Octoberin sivuilla Krauss on julkaissut vaikutusvaltaisinta taidekirjoitustaan. Vihkossa 8 hän julkaisi esseensä Sculpture in the Expanded Field, joka selitti valtavasti laajentunutta näkökulmaa veistokseen. Essee ei kuvannut tiettyä tapaa määritellä veistosta, vaan aloitti keskustelun muovitaiteen suuntauksista puhumisesta ilman, että niitä tarvitsee tiukasti määritellä. Tämä essee on edelleen elinehto kokeellisille, monialaisille taiteilijoille tänään.

Ja lokakuun 9. osassa Krauss julkaisi esseen nimeltä Grids, jota monet pitävät tänä päivänä yhtenä tärkeimmistä 1900-luvun esseistä, jotka selittävät abstraktiota. Essee tutkii ruutujen käyttöä taiteessa ja pohtii erilaisia tapoja, joilla taiteilijat ovat vähentäneet teoksiaan ruutujen tutkimiseksi. Mielestäni esseen huomionarvoista on se, että vaikka se on akateemisesti informoitu ja erittäin kuvaileva, se on avoin ja päätyy vain harvoihin johtopäätöksiin. Yksi yleistys, johon Krauss päätyy, on ajatus siitä, että ruudut ovat lopulta symbolisia. Mutta mitä ne symboloivat, jää avoimeksi. Krauss esittää monia esimerkkejä, avaten monia mahdollisuuksia, ja tukee niitä koulutetuilla esimerkeillä. Mutta lopulta hän kuvaa paljon enemmän kuin tuomitsee. Ja se, mielestäni, on hänen suurin perintönsä. Hän avaa oven sille, mitä seuraavaksi voisi tapahtua, ja antaa taiteen tulevaisuuden kehittyä haluamallaan tavalla.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, book cover

Esittelykuva: Rosalind Krauss, kuva: Judy Olausen, n. 1978

Kirjailija: Phillip Park