Miksi taidekriitikko Rosalind Krauss on edelleen ratkaiseva abstraktiolle

Rosalind Krauss on monien taiteilijoiden, taidekasvattajien ja taidemaailman ammattilaisten mielestä merkittävin elossa oleva taidekriitikko. Vaikka on kiistatonta, että hänen kirjoitustensa kautta on levitetty joitakin viimeisen viidenkymmenen vuoden vaikutusvaltaisimmista taideteorioista, en millään ymmärrä, miksi häntä kutsutaan sillä sanalla: kriitikko. Ymmärrykseni mukaan Krauss ei ole kriitikko. Hän on vastakriitikko. Hän on henkilö, joka ajattelee taidetta syvällisesti ja kirjoittaa siitä, mutta ei määrittele, miten meidän muiden tulisi sitä arvostaa. Hän on taidekirjoittaja. Hän on taiteen puolestapuhuja. Hän on taiteen puolustaja. Mutta kritiikki? Kuka sitä tarvitsee? Taiteilijat eivät todellakaan tarvitse kritiikkiä. Ainoa asia, jonka taiteilija tarvitsee kuulla, on ylistys. Kritiikki on markkinoille. Se on tapa ylläpitää makustandardeja. Mutta ei ole olemassa ”hyvää” tai ”huonoa” taidetta. Ainoa asia, mitä taidekriitikot todella tekevät, on riitojen aloittaminen, hauskuuden pilkkaaminen ja mahdollisuuksien rajoittaminen. He levittävät kansan keskuuteen subjektiivisia ja usein perusteettomia arvostelmia. He vaikuttavat yleiseen mielipiteeseen yhden vähemmistön mielipiteiden perusteella. Mutta mitä Krauss on mielestäni tehnyt koko elämänsä ajan, on aivan päinvastaista. Hän on laajentanut taiteilijoiden mahdollisuuksia. Hän on haastanut vallitsevan tilan, ja yli viiden vuosikymmenen ajan jatkuvasti kasvattanut ihmisten rohkeutta katsoa, puhua ja kirjoittaa taiteesta. Itse opin Kraussilta kirjoitustensa kautta, että tärkein asia, jonka voin tehdä taideteoksen hyväksi, on kuvailla sitä. Hän näytti minulle, että harkittu, tarkka kuvaus on korkein kohteliaisuus, jonka voin antaa taiteilijalle tai teokselle, paljon korkeampi kuin tuomion antaminen: sanoa, että jokin on ”hyvää” tai että ”pidän” jostakin. Maku on subjektiivinen. Tuomio on manipuloiva. Tarkka kuvaus osoittaa, että on kunnioittanut teosta tarpeeksi katsoakseen sitä tarkasti ja kääntääkseen sen rehellisesti selkokielelle, jonka kaikki ymmärtävät.

Nuori Rosalind Krauss

Rosalind Krauss syntyi vuonna 1941 Washingtonissa, D.C.:ssä. Hänen isänsä oli asianajaja Yhdysvaltain oikeusministeriössä. Hän vei usein Rosalindin Kansalliseen taidegalleriaan. Siellä hän alkoi kehittää halua ja kykyä puhua älyllisesti modernin taiteen arvosta. Vuoden 2016 haastattelussa Dylan Kerrin kanssa Artspacelle Krauss muisti, että hänen isänsä oli kriittinen modernia taidetta kohtaan. Mutta jo nuorena naisena hän tunsi tarvetta puolustaa teoksia. Hän ajatteli niiden olevan elintärkeitä ja puolusti niitä säännöllisesti isälleen museokierroksilla. ”Otin omakseni tietyn taistelutahtoisuuden,” hän sanoo, ”koska minun piti yrittää vakuuttaa isäni siitä, että nämä modernit taideteokset eivät olleet väärennettyjä, vaan todella tärkeitä. Tämä terävöitti haluani selittää.”

Aloittaessaan opinnot Wellesley Collegessa vuonna 1958 hän aloitti elinikäisen tutkijanuran, joka omistautui taiteen merkityksen selittämiselle. Hän opiskeli taidehistoriaa ja alkoi vakavasti lukea, mitä muut taidekirjoittajat sanoivat ajan vallitsevista suuntauksista. Se oli jännittävä aika amerikkalaiselle taiteelle. Abstrakti ekspressionismi oli huipussaan, ja sitä vastaan tai siitä inspiroituneet taiteilijat liikuttivat amerikkalaista taidekenttää moniin kiehtoviin suuntiin: konseptuaalinen taide, installaatiotaide, maataide ja ympäristötaide, performanssitaide, valo- ja avaruustaide sekä minimalismi, mainitakseni muutaman. Krauss oli terävä ja havainnoiva. Vaikka hän oppi historian nopeasti, hän kehitti myös omia ajatuksiaan opiskelemastaan. Prosessin aikana hän kohtasi aikakauden karun todellisuuden: kapean näkökulman siihen, miten taiteesta oli hyväksyttävää puhua, ja pienen määrän vaikutusvaltaisia ääniä, jotka määrittelivät sen.

Rosalind Krauss - Avantgarden omaperäisyys ja muita modernistisia myyttejä (MIT Press), kirjan kansi

Bergit

Kaksi vaikutusvaltaisinta taidekriitikkoa 1900-luvun puolivälissä olivat Harold Rosenberg ja Clement Greenberg. Clement Greenberg oli vastuussa joidenkin sodanjälkeisen ajan kuuluisimpien taiteilijoiden urien tekemisestä. Hänet tunnetaan parhaiten valkoisten, miesten abstraktin ekspressionismin puolestapuhujana, kuten Jackson Pollock ja Willem de Kooning, ja naisten sekä värillisten taiteilijoiden sivuuttajana. Yksinkertaisin tapa kuvata Greenbergin taidekirjoitustyyliä on sanoa, että hän oli formalisti. Hän puhui maalauksista ei niiden sisällön, kertomuksen tai kulttuurisen merkityksen kautta, vaan värin, viivan, muodon, pinnan ominaisuuksien ja materiaalin erityispiirteiden kautta.

Harold Rosenberg puhui taiteesta eri kielellä kuin Clement Greenberg. Rosenbergia voisi yksinkertaisesti kuvata kriitikoksi, joka keskittyi taiteen runollisiin elementteihin. Hän kirjoitti tiettyjen taiteilijoiden kyvystä tehdä pohdiskelevaa taidetta ja heidän teostensa ylevistä ominaisuuksista. Sekä Greenberg että Rosenberg olivat laajalti arvostettuja ja heihin suhtaudutaan vakavasti edelleen. Suurelta osin he ovat sankareita, koska he pitkälti legitimisoivat abstraktion amerikkalaisessa tietoisuudessa. Molemmat omalla tavallaan opettivat sodanjälkeisille amerikkalaisille, että abstrakti taide oli suurempaa, syvempää ja monimutkaisempaa kuin useimmat tuohon aikaan ajattelivat. He nostivat abstraktion samaan arvostukseen kuin museot ja historiankirjat täyttävän realistisen taiteen. Mutta toisaalta molemmat edustivat vanhaa tapaa puhua taiteesta. He lähestyivät sitä rakenteellisella tavalla, joka juontui menneisyyden perinteistä. He arvioivat ja tekivät arvostelmia agendojen pohjalta, jotka tukivat yhteiskunnan olemassa olevaa valtarakennetta, ja siten rajoittivat taiteen mahdollisuuksia.

Rosalind Krauss - Ikuinen inventaario (October Books), kirjan kansi

Poststrukturalistinen taidekirjoittaminen

Valmistuttuaan Wellesleystä Rosalind Krauss meni Harvardin yliopistoon, josta hän sai tohtorintutkintonsa vuonna 1969. Opiskelijana hän alkoi kirjoittaa taiteesta Artforum-lehteen. Aluksi hänellä oli myötämielinen suhtautuminen Clement Greenbergin työhön. Ajan myötä hän kuitenkin omaksui poststrukturalistisen näkökulman. Periaatteessa strukturalismi on ajatus, että maailma voidaan ymmärtää tunnistettavien, kuvailtavien rakenteiden kautta, jotka puolestaan tekevät kaikesta muusta järkevää. Historiaa puhutaan usein rakenteellisena tapahtumasarjana, joka johti väistämättä nykymaailmaan. Strukturalistinen taidekriitikko uskoo, että jokainen taideteoksen osa voidaan ymmärtää sen suhteen, miten se liittyy olemassa olevaan, rakenteelliseen ajattelujärjestelmään. Poststrukturalismi puolestaan haastaa tämän ajatuksen.

Poststrukturalistinen taidekirjoittaminen ei ole kritiikkiä siinä mielessä, että se ei tavoittele lopullista tuomiota taideteoksesta. Poststrukturalismi kutsuu moniin tulkintoihin. Se kannattaa yksilöllistä arviointia. Se hylkää perittyjen rakenteiden auktoriteetin. Se puolustaa asioista puhumista tavoilla, jotka kyseenalaistavat vallitsevan tilan. Se tunnustaa, että historialliset yhteiskunnalliset rakenteet tukevat maailmankuvan ja vuorovaikutuksen tapaa, joka sopii vallanpitäjien olemassa oleviin kertomuksiin. Poststrukturalistit uskovat, että haastamalla nämä tavat nähdä ja olla vuorovaikutuksessa maailman kanssa voi syntyä monipuolisempi, oikeudenmukaisempi, kokeilevampi ja kiinnostavampi maailma: sellainen, joka lopulta on myös totuudenmukaisempi.

Rosalind Krauss - Miehet, kirjan kansi

Ruudukosta

Kymmenen vuotta kirjoitettuaan Artforum-lehdelle Rosalind Krauss lähti perustamaan uutta taidelehteä yhdessä Annette Michelsonin kanssa, nimeltään October. Octoberin tarkoituksena oli edistää uusia tapoja ajatella taidetta. Lehti nimettiin kuukauden mukaan, joka merkitsi bolshevikkivallankumouksen alkua. Octoberin sivuilla Krauss on julkaissut vaikutusvaltaisimmat taidekirjoituksensa. Numerossa 8 hän julkaisi esseen "Veistos laajennetussa kentässä", joka selitti huomattavasti laajennetun näkökulman veistokseen. Esseessä ei määritelty veistosta yksiselitteisesti, vaan aloitettiin keskustelu siitä, miten muovitaiteen suuntauksista voidaan puhua ilman jäykkää määrittelyä. Tämä essee on edelleen elintärkeä kokeellisille, monialaisille taiteilijoille.

Ja numerossa 9 Krauss julkaisi esseen nimeltä "Ruudukot", jota monet pitävät yhtenä tärkeimmistä 1900-luvun esseistä abstraktiosta. Esseessä tutkitaan ruutujen käyttöä taiteessa ja pohditaan erilaisia tapoja, joilla taiteilijat ovat supistaneet työnsä ruudukon tutkimiseen. Mielestäni esseen merkittävää on se, että vaikka se on akateemisesti perusteltu ja hyvin kuvaileva, se on avoin eikä tee monia johtopäätöksiä. Yksi yleistävä ajatus, johon Krauss päätyy, on se, että ruudukot ovat lopulta symbolisia. Mutta mitä ne symboloivat, jätetään avoimeksi. Krauss esittää monia esimerkkejä, avaa monia mahdollisuuksia ja tukee niitä koulutetuilla esimerkeillä. Mutta lopulta hän kuvailee enemmän kuin arvostelee. Ja se on mielestäni hänen suurin perintönsä. Hän avaa oven sille, mitä seuraavaksi voisi tulla, ja antaa taiteen tulevaisuuden kehittyä omalla tavallaan.

Rosalind Krauss - Optinen alitajuinen, kirjan kansi

Kuvassa: Rosalind Krauss, kuvaaja Judy Olausen, n. 1978

Kirjoittanut Phillip Barcio