Derrière la pratique transcendante de Joan Snyder

Joan Snyder a accompli quelque chose que peu d'artistes font : elle est devenue une icône. Habituellement, pour être considéré comme iconique, un artiste doit se concentrer sur un seul style, une seule technique ou une seule méthode de signature. Jackson Pollock est une icône en raison de ses peintures éclaboussées ; Georgia O'Keeffe est une icône en raison de ses peintures de fleurs ; Mark Rothko est une icône en raison de ses peintures Color Field ; Yves Klein est une icône en raison de son utilisation emblématique du « IKB Blue ». La liste pourrait s’allonger encore et encore. Ce qui fait de Snyder une icône parfaite pour notre époque, cependant, c'est qu'elle n'est pas connue pour une chose en particulier. Elle a fait tout son possible pour ne pas effectuer un type de travail particulier ni employer une méthode ou une technique particulière. Depuis que son travail a été reconnu pour la première fois à la fin des années 1960, elle n’a cessé de faire évoluer sa pratique. Chaque tableau qu'elle réalise adopte une logique qui lui est propre, définie par le passé uniquement dans la mesure où elle en est informée. Snyder possède une sorte d'intuition intrinsèquement sympathique, qui peut passer dans certains cercles pour de la sagesse ou de l'illumination, mais qui ressemble en réalité davantage à de l'humilité. Elle embrasse ce qui était, accepte son influence sur ce qui est et ne prétend pas savoir ce qui sera. Cette attitude la maintient prudemment optimiste malgré les souffrances qu’elle a endurées, et elle garde ses peintures infiniment fraîches. Les téléspectateurs ne pourront jamais anticiper ce que Snyder va faire ensuite dans son studio, car elle-même ne le sait pas vraiment. Même si elle planifie, dessine et note furieusement ses idées, elle dit que ses peintures ressemblent davantage à du jazz : « elles surviennent simplement ». Snyder transcende toute tentative d’étiqueter son travail en refusant de le limiter. Elle reste ouverte, honnête et libre. Contrairement à la plupart des autres artistes emblématiques, qui se laissent prendre au piège d’une vérité adoptée que leur impose l’histoire ou le marché, Snyder est un exemple emblématique d’une artiste qui sait qu’elle n’a qu’à être fidèle à elle-même.

Le premier maximaliste

Si un mot pouvait risquer d'être associé à Snyder, ce serait le terme « Maximaliste ». Née en 1940, elle a obtenu son Master en Beaux-Arts en 1966 à l'Université Rutgers, à quelques kilomètres de son enfance à Highland Park, dans le New Jersey. Le monde de l'art à cette époque flirtaient avec un petit nombre de mouvements distinctifs : Pop Art, Op Art, la deuxième vague de l'Expressionnisme Abstrait, l'Art Conceptuel, l'Art de Performance. Mais sans aucun doute, la tendance émergente la plus dominante était le Minimalisme. Des artistes comme Donald Judd, Sol Le Witt et Frank Stella éblouissaient les yeux et les esprits des passionnés d'art avec leurs compositions épurées et désinvoltes. Pour de nombreux spectateurs, conservateurs et marchands, leur travail semblait être l'antidote parfait à deux décennies d'œuvres chargées d'émotion par des artistes déterminés à exprimer chacun de leurs sentiments subconscients les plus profonds.

Joan Snyder - Pouvons-nous transformer notre rage en poésie, 1985. Lithographie en couleurs sur papier Rives BFK. 30 1/4 × 44 1/4 po ; 76,8 × 112,4 cm. Édition Imprimable/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Beaux-Arts, New York. © Joan Snyder

Snyder a vu ces minimalistes et a apprécié la structure et la confiance de leur travail. Mais elle a également réalisé que leur travail n’avait rien à voir avec elle personnellement. D’ailleurs, elle ne pensait pas non plus qu’aucun de ces autres mouvements avait quelque chose à voir avec elle. Elle considérait que tous ces mouvements artistiques étaient issus d’un marché de l’art patriarcal et d’une vision biaisée, incomplète et centrée sur les hommes de l’histoire de l’art. Elle ne savait pas exactement quel type de peintures elle voulait faire, mais elle savait que quoi qu'elle peignait, ce serait fidèle à elle-même. Les premières peintures qu’elle a réalisées après l’école étaient des explorations picturales du langage de la grille. Vint ensuite une série de peintures dites « Stroke », qui représentaient le langage visuel des coups de pinceau. Les deux étaient des tentatives de construction d’une syntaxe personnelle avec laquelle elle pourrait communiquer des récits personnels complexes et à plusieurs niveaux. Pendant ce temps, la seule chose sur laquelle elle se concentrait par-dessus tout était de s'investir de plus en plus dans le travail jusqu'à ce qu'il dise ce qu'elle voulait qu'il dise. Elle dit : « Mon idée était d’avoir plus, pas moins dans un tableau. » Son approche a été surnommée « maximalisme ».

Joan Snyder - Autumn Song, 2002. Huile et techniques mixtes sur toile. 50 × 96 pouces ; 127 × 243,8 cm. Galerie Alexandre, New York. © Joan Snyder

Un héritage de lutte

Snyder a parfois comparé ses œuvres à des symphonies. Sans aucun doute, le mélange de couches d’empâtement, de détritus, de gouttes et de formes globulaires dans des peintures comme « Amor Matris » (2015) ou « Symphony VII » (2014) pourrait être lu comme une musique visuelle attendant d’être traduite par l’instrument angoissé de nos esprits. Pourtant, ces peintures partagent aussi quelque chose en commun avec la littérature épique. Les récits se déroulent, propulsés par l’obscurité et la lumière intenses des couleurs et des tons. Les formes brutes et primitives se déclarent avoir du caractère et de la fierté ; leur combat pour devenir quelque chose de plus représente un formidable défi pour nos yeux et notre esprit. Les mots que Snyder introduit dans des peintures comme « Powdered Pearls » (2017) – parfois en les écrivant et parfois en les grattant sur le support – guident nos pensées et notre humeur. En fin de compte, cependant, les chansons que nous entendons ou les histoires que nous lisons dans ces images ont plus à voir avec notre propre récit interne que ce qui a poussé Snyder à faire surface.

Joan Snyder - Perles en poudre, 2017. Techniques mixtes. Huile, acrylique, tissu, crayon de couleur, pastel, perles et paillettes sur toile. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 po. Galerie Franklin Parrasch. © Joan Snyder

Quelle que soit la façon dont nous choisissons de regarder les peintures réalisées par Snyder, la seule chose indéniable qu’elles ont toutes en commun est leur héritage de lutte. Snyder a lutté avec elle-même pour les faire exister, comme en témoigne leur immense complexité visuelle et leur profondeur matérielle. Et pourtant, ils ne témoignent pas du type de lutte que nous préférerions éviter. Au contraire, ils témoignent d’une lutte presque joyeuse. Ils brillent du genre de fierté juvénile que nous portons avec nous à tout âge chaque fois que nous surmontons notre angoisse humaine naturelle. C'est comme si, dans leur narration ambitieuse, ils essayaient de nous proposer des solutions difficiles à expliquer mais indéniables à des problèmes que nous avons toujours su avoir, mais grâce à Snyder et à ses efforts pour être fidèles à elle-même, nous savons maintenant que nous avons en commun.

Image en vedette : Joan Snyder - Small Seascape, 2011. Huile et acrylique sur lin. 18 × 24 pouces ; 45,7 × 61 cm. Galerie Alexandre, New York. © Joan Snyder
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio