Les reliefs spatiaux d'Hélio Oiticica

Une exposition des premières œuvres de Hélio Oiticica à la Galerie Lelong & Co. à New York mérite le déplacement, car elle offre un aperçu de l’esthétisme plastique pur qui a formé la base de l’œuvre de cet artiste fascinant. Au fil de sa carrière, Oiticica s’est inspiré moins du formalisme et davantage de la sensualité et des interactions sociales avec le public. L’artiste est finalement devenu mondialement célèbre pour des œuvres telles que ses « Penetrables », des structures que les spectateurs traversent en marchant à l’intérieur ; ses « parangolés », œuvres portables que les spectateurs pouvaient enfiler en dansant ; et ses environnements, comme le grand « Tropicália », une île de sable et de pierre au sein de la galerie sur laquelle plusieurs « Penetrables » sont construits pour ressembler aux favelas familières à quiconque a visité les bidonvilles de Rio de Janeiro. Toutes ces œuvres ultérieures reposent sur le concept que les expériences que le public vit avec l’art sont plus mémorables et plus vivantes si elles sont participatives. Pourtant, le langage visuel qui informe ces œuvres participatives est néanmoins enraciné dans quelque chose de purement plastique. Il est né de plusieurs années de recherches précoces menées par Oiticica alors qu’il s’efforçait de découvrir l’essentiel de son médium choisi. Ces recherches sont le fondement de « Hélio Oiticica : Relief spatial et dessins, 1955–59 » à la Galerie Lelong. L’exposition présente trois ensembles distincts d’œuvres. D’abord, des exemples de la série « Grupo Frente » ou « Groupe de Front », des compositions à la gouache sur carton issues des vestiges du mouvement Art Concret, comme si elles examinaient ce qui pourrait être les structures visuelles fondamentales de l’art abstrait géométrique. Ensuite, plusieurs exemples de la série « Metaesquemas » ou « Méta Schémas ». Dans ces peintures à la gouache sur carton, Oiticica réduit son langage visuel à ses éléments les plus simples et les plus autoréférentiels — des boîtes colorées disposées en grilles non conventionnelles. Enfin, l’exposition offre aux spectateurs une œuvre de la série « Relevo Espacial » ou Relief Spatial. Cette série marque un moment charnière où les formes et les couleurs qu’Oiticica avait développées dans ses peintures ont jailli dans l’espace dimensionnel, devenant des objets qui cohabitent avec les spectateurs dans une zone de participation égale.

L’essor du non-objet

Hélio Oiticica est né à Rio de Janeiro, au Brésil, en 1937. Pendant toute sa jeunesse, un optimisme ardent se répandait dans l’avant-garde sud-américaine. En Argentine, l’Arte Concreto Invención fut fondé en 1945 par des artistes qui croyaient que les idées utopiques et universalistes de l’Art Abstrait Géométrique pouvaient aider à transformer le système politique corrompu de leur pays. Pendant ce temps, au Brésil, des artistes revenant d’Europe après leurs études apportaient avec eux beaucoup des mêmes pensées idéalistes. Ils croyaient fermement pouvoir mobiliser les philosophies formelles de l’art abstrait géométrique pour transformer d’une manière ou d’une autre la société brésilienne traditionnelle, menant à une culture plus équitable et progressiste. Leur ferveur optimiste trouva sa pleine expression dans la création de la ville de Brasilia, la nouvelle capitale moderne du Brésil — une métropole futuriste d’architecture moderniste blanche et éclatante, conçue par l’architecte brésilien Oscar Niemeyer.

Hélio Oiticica : Relief spatial et dessins, 1955–59 à la Galerie Lelong, 2018. Photo avec l’aimable autorisation de la Galerie Lelong

Brasilia fut officiellement fondée en 1960, mais la dure réalité de son échec fut immédiatement évidente pour les jeunes artistes comme Oiticica. Bien que les bâtiments coûteux et magnifiques fussent splendides à voir, des personnes appauvries et leurs enfants mendiaient encore dans les rues. Le mouvement Art Concret qui avait inspiré cette vision utopique au Brésil s’est avéré n’être rien d’autre que le dernier privilège culturel des élites. La déception de cette époque conduisit Oiticica, avec Lygia Clark et Lygia Pape, à fonder le Mouvement Néo-Concret. Leur nouveau mouvement visait à améliorer la vie des citoyens ordinaires du Brésil. Il s’inspirait des idées exprimées dans un essai de Ferreira Gullar intitulé « Théorie du non-objet ». L’essai postulait que les objets matériels tels que les œuvres d’art ne sont pas en eux-mêmes précieux pour les êtres humains en quête de sens. Ils ne sont précieux que dans la mesure où leur statut de non-objets — objets matériels permettant que des « expériences sensorielles et mentales... aient lieu » — peut être compris.

Hélio Oiticica : Relief spatial et dessins, 1955–59 à la Galerie Lelong, 2018. Photo avec l’aimable autorisation de la Galerie Lelong

Un espoir mesuré

En se concentrant sur la création de « non-objets » plutôt que d’œuvres traditionnelles, Oiticica et d’autres artistes néo-concrets espéraient inspirer un nouvel espoir, quoique mesuré, quant aux manières dont l’art pouvait s’entrelacer avec les besoins et les valeurs des gens ordinaires. Oiticica faisait tout pour exposer ses œuvres en dehors des musées. De son vivant, il n’eut qu’une seule exposition dans un musée traditionnel. Les autres eurent lieu dans des espaces de galerie plus décontractés et moins intimidants pour les spectateurs. Il encourageait les gens à toucher ses œuvres. Les spectateurs dansaient et riaient en portant ses « parangolés ». Ils se rassemblaient dans ses « Penetrables », mangeant, buvant et même faisant l’amour. Mais même cette période optimiste prit bientôt fin pour Oiticica. Il s’installa à New York et transforma à nouveau son travail, créant des environnements privés dans son propre appartement où de petits groupes de personnes étaient invités à vivre des expériences intimes, durant lesquelles ils consommaient de la cocaïne et regardaient des projections vidéo réalisées par Oiticica.

Hélio Oiticica : Relief spatial et dessins, 1955–59 à la Galerie Lelong, 2018. Photo avec l’aimable autorisation de la Galerie Lelong

Lorsque Oiticica quitta New York pour retourner au Brésil, il était désabusé par les limites extrêmes auxquelles il avait poussé son concept. Il arrêta la drogue et retrouva le formalisme, comme en témoignent des projets tardifs tels que « Carré magique n° 3 » (1979). Pourtant, comme cette œuvre particulière le montre aussi, Oiticica restait déterminé à créer des œuvres avec lesquelles les gens pouvaient interagir et participer. Il est tentant d’imaginer quelles œuvres encore plus grandes Oiticica aurait pu réaliser s’il n’était pas mort en 1980 à l’âge de 42 ans, d’un AVC dû à une hypertension artérielle. L’autre grande tragédie de son héritage est qu’en 2009, de nombreuses œuvres et effets personnels qu’Oiticica avait laissés furent détruits dans un incendie au domicile de son frère. Il est donc d’autant plus précieux de profiter de toute occasion de voir des exemples authentiques de son travail lorsqu’ils sont exposés. Ils offrent un aperçu d’un esprit brillant qui a véritablement saisi l’importance de l’intersection entre l’art et la vie quotidienne. « Hélio Oiticica : Relief spatial et dessins, 1955–59 » à la Galerie Lelong & Co. à New York est visible jusqu’au 26 janvier 2019.

Image en vedette : Hélio Oiticica : Relief spatial et dessins, 1955–59 à la Galerie Lelong, 2018. Photo avec l’aimable autorisation de la Galerie Lelong
Par Phillip Barcio