Carmen Herrera - Une florissante attendue depuis longtemps

Carmen Herrera (30 mai 1915 - 12 février 2022) était une artiste cubano-américaine, reconnue pour ses compositions abstraites minimalistes et son application géométrique de la couleur. Son décès récent a suscité beaucoup de réflexions sur son œuvre et son parcours professionnel. Bien qu’aujourd’hui elle soit une peintre abstractionniste respectée et célèbre, Herrera n’a reçu de reconnaissance que dans les toutes dernières années de sa vie. C’est donc un moment opportun pour se souvenir et honorer l’héritage de cette pionnière créative.

Premières influences et sources de renommée

Carmen Herrera a vécu une longue et riche vie de 106 ans. Mais imaginez que la première vente d’art majeure documentée de l’artiste n’a eu lieu qu’à l’âge de 89 ans. Néanmoins, ces circonstances reflètent moins une histoire de découverte tardive d’un talent artistique caché — au contraire, Herrera a montré un engagement à vie envers l’art et a accumulé des décennies d’expérience et de technique, dès son enfance. Née à La Havane, Cuba, Herrera a appris les bases du dessin très jeune, prenant des cours particuliers d’art dès l’âge de huit ans. Elle était l’une de sept frères et sœurs, et ses parents étaient tous deux journalistes ; Herrera a donc souvent été entourée, durant sa jeunesse, de membres des cercles intellectuels de La Havane. Elle a noté que ses parents étaient toujours plutôt anti-establishment, et elle a même été témoin de l’emprisonnement de nombreux proches pour leur dissidence. Rejetant les opinions politiques extrêmes, Herrera a poursuivi ses études artistiques durant sa jeunesse à Cuba, se formant au dessin académique et abordant son travail avec une discipline rigoureuse. Souhaitant approfondir sa pratique créative, elle s’est rendue à Paris pour terminer sa scolarité, puis est retournée à La Havane pour entrer à l’université et étudier l’architecture.

Son choix d’entrer sans hésitation dans un domaine dominé par les hommes fut l’un des nombreux signes précoces de sa détermination et de son rejet du statu quo. Cependant, elle a simultanément eu du mal à se concentrer sur son travail, principalement à cause de l’environnement politique instable qui l’entourait. Révolutions et grèves forçaient souvent son université à fermer ses portes pendant des périodes, renforçant sa position contre les excès du radicalisme politique. C’est aussi à cette époque que Herrera s’est passionnée pour la ligne, comme si elle simplifiait ses études d’architecture à leur essence la plus basique et pure. Elle a compris que les lignes étaient la base de toutes les formes et figures existantes, et Herrera est tombée amoureuse de la beauté inhérente à leur pouvoir de construire, relier et définir.

Carmen Herrera - Mercredi, 1978. Mardi, 1978. Dimanche, 1978. Vendredi, 1978. Jeudi, 1975. Acrylique sur toile (de gauche à droite). Exposition Lines of Sight au Whitney Museum à New York, 2016. Vue de l’installation.

Migrations conceptuelles

L’artiste n’a jamais terminé son diplôme d’architecture. En 1939, elle a déménagé à New York après avoir rencontré Jesse Lowenthal, un jeune instituteur américain. Pour sans doute plusieurs raisons (tensions politiques, désir de continuer à nourrir sa passion pour les arts visuels, et l’éveil d’un jeune amour, pour n’en nommer que quelques-unes), elle a décidé qu’il valait mieux déplacer sa vie et sa carrière. À New York, Herrera a profité de tous les espaces où elle pouvait exposer son travail : vitrines de magasins, trottoirs, galeries improvisées. Elle n’était pas du tout un succès commercial mais est restée inflexible. À ce stade, elle savait que sa mission de vie serait d’être artiste et elle était consciente que c’était une vie difficile, mais elle ne pouvait nier ce qu’elle sentait être sa vocation.

Cette détermination l’a conduite à Paris dans les années 1940. Sa scolarité d’enfance en France lui a facilité l’intégration, et elle s’est liée d’amitié avec des écrivains et artistes de la ville. Là, elle a exposé avec le Salon des Réalités Nouvelles, un collectif tournant d’artistes abstraits. C’est durant cette période à Paris que Herrera a nourri son style pictural géométrique épuré et essentiel. À ce moment, elle utilisait moins de trois couleurs pures par composition. Imaginez une application plate et parfaitement uniforme des couleurs, des juxtapositions nettes de teintes, des formes tranchantes séparées uniquement par des différences précises de tons. Elle appliquait cette approche novatrice en même temps que le pionnier du champ chromatique Ellsworth Kelly et le célèbre abstractionniste post-peintre Frank Stella. Son esprit avant-gardiste et son instinct pour l’ultra-moderne sont aujourd’hui indéniables, même si cela a été ignoré durant ses années d’artiste émergente.

Carmen Herrera - Rouge et blanc, 1976. Épiphanie, 1971. Carré rouge, 1974. Acrylique sur toile (de gauche à droite). Exposition Lines of Sight au Whitney Museum à New York, 2016. Vue de l’installation.

La quête d’une tribune

Herrera est finalement retournée à New York, et ses peintures ont continué à tendre vers une esthétique de plus en plus minimaliste. Elle qualifiait son processus créatif de purification, et la simplicité est devenue une vertu de son œuvre. Son travail n’a pas reçu d’éloges enthousiastes, mais ce n’était pas simplement parce que son art était « trop stérile ». Au contraire, le rejet de son point de vue avant-gardiste témoigne des injustices sociales plus larges qui l’ont affectée jusqu’à la fin de sa vie, mettant en lumière des inégalités qui existent encore aujourd’hui dans le monde de l’art. Herrera était une femme artiste et une immigrée, elle a donc été constamment négligée ou considérée comme une étrangère indigne de la lumière réservée aux œuvres abstraites expressionnistes en vogue créées par des artistes occidentaux masculins.

Herrera a finalement commencé à attirer l’attention lorsqu’en 2004, un collectionneur latino-américain de renom l’a inscrite dans une exposition collective médiatisée à New York. Son talent évident et sa clairvoyance ont enfin été reconnus par un public plus large, et elle a connu les débuts du succès commercial durant la dernière décennie de sa vie. La découverte tardive de Herrera a mis en lumière les failles du monde de l’art et l’artiste est devenue une source d’inspiration et une briseuse de codes pour les femmes artistes latinas confrontées au sexisme, à la xénophobie et aux préjugés raciaux, tant externes qu’intériorisés.

Carmen Hererra - Tous sans titre, 1966, sauf celui jaune : Sans titre, 1962. Exposition Lines of Sight au Whitney Museum à New York, 2016. Vue de l’installation.

Percée et réflexion

Carmen Herrera a depuis été honorée par de grandes expositions rétrospectives au Musée d’Art Moderne et au Whitney Museum. Elle figure également dans des collections permanentes prestigieuses telles que le Tate Museum. Son succès tardif offre une fin optimiste, mais ne doit pas effacer les obstacles qu’elle a affrontés toute sa vie, que beaucoup d’autres n’ont jamais connus. L’œuvre de toute une vie de Herrera témoigne de son talent et de son dévouement. Elle nous a laissé un ensemble de toiles saisissantes, de formes et contours intrigants, et une philosophie unique sur la relation entre la ligne et la vie. Sa pratique créative sert également d’occasion pour réfléchir à la manière dont nous pouvons créer un monde de l’art plus inclusif et enrichissant à venir.

Image en vedette : Carmen Hererra - Sans titre, 1952. Noir et blanc, 1952. (De gauche à droite). Exposition Lines of Sight au Whitney Museum à New York, 2016. Vue de l’installation.
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