Carmen Herrera - Une florissante attendue depuis longtemps

Carmen Herrera (30 mai 1915-12 février 2022) était une artiste cubano-américaine, réputée pour ses compositions abstraites minimalistes et son application géométrique de la couleur. Son décès récent a suscité de nombreuses rétrospections sur son œuvre et son parcours professionnel. Bien qu’elle soit aujourd’hui une peintre abstractionniste respectée et célèbre, Herrera n’a été reconnue qu’au cours des toutes dernières années de sa vie. C’est donc un moment opportun pour se souvenir et honorer l’héritage du pionnier créatif.

Premières influences et dérivations d'éminence

Carmen Herrera a vécu 106 années longues et abondantes. Mais imaginez que la première grande vente d'art documentée de l'artiste n'ait eu lieu qu'à l'âge de 89 ans. Néanmoins, ces circonstances reflètent moins l'histoire de la découverte tardive d'un talent artistique caché. Herrera a plutôt fait preuve d'un dévouement de toute une vie à l'art et a affiché des décennies de valeur. d'expérience et de technique, dès son enfance. Née à La Havane, Cuba, Herrera a appris les bases du dessin dès son plus jeune âge, en suivant des cours d'art privés à partir de huit ans. Elle était l'une d'une famille de sept frères et sœurs et ses parents étaient tous deux journalistes ; Herrera était donc souvent entouré de membres des groupes sociaux intellectuels de La Havane qui grandissaient. Elle a noté que ses parents ont toujours été plutôt contestataires et a même été témoin de l'emprisonnement de nombreux proches pour dissidence. Découragée par des opinions politiques extrêmes, Herrera a continué à étudier l'art pendant sa jeunesse à Cuba, se formant au dessin académique et abordant son travail avec une discipline dédiée. Souhaitant poursuivre sa pratique créative, elle s'est rendue à Paris pour terminer ses études, puis est revenue à La Havane pour entrer à l'université et étudier l'architecture.

Son choix d’entrer sans hésitation dans un domaine dominé par les hommes n’était que l’un des nombreux premiers signes de sa détermination et de son rejet du statu quo. Cependant, elle a simultanément eu du mal à se concentrer sur son travail, principalement en raison de l'environnement politique instable qui l'entourait. Les révolutions et les grèves ont souvent forcé son université à fermer ses portes pendant plusieurs périodes, renforçant ainsi sa position sur les ravages de l'extrémisme politique. C’est également à cette époque que Herrera devient fascinée par la ligne, presque comme si elle simplifiait ses études d’architecture à son essence la plus fondamentale et la plus primitive. Elle a réalisé que les lignes constituaient le fondement de toutes les formes existantes, et Herrera est tombée amoureuse de la beauté inhérente de leur pouvoir de construire, de connecter et de définir.

Carmen Herrera - Mercredi 1978. Mardi 1978. Dimanche 1978. Vendredi 1978. Jeudi 1975. Acrylique sur toile (de gauche à droite). Exposition Lines of Sight au Whitney Museum de New York, 2016. Vue de l'installation.

Migrations conceptuelles

L'artiste n'a jamais obtenu son diplôme d'architecture. En 1939, elle s'installe à New York après avoir rencontré Jesse Lowenthal, un jeune professeur américain. Pour peut-être une multitude de raisons (tensions politiques, envie de continuer à nourrir sa passion pour les arts visuels et l'éclosion d'un jeune amour, pour n'en nommer que quelques-unes), elle a décidé qu'il était préférable de déménager sa vie et sa carrière. À New York, Herrera a profité de tous les espaces de la ville où elle pouvait exposer son travail : vitrines, trottoirs, galeries de fortune. Elle était loin d’être un succès commercial mais ne se laissa pas décourager. À ce stade, elle savait qu’être artiste serait la mission de sa vie et qu’elle était consciente que c’était une vie intrinsèquement difficile, mais elle ne pouvait pas nier ce qu’elle considérait comme son but.

Cette détermination l'a conduite à Paris dans les années 1940. Son éducation d'enfance en France a facilité son intégration, et elle s'est liée d'amitié avec des écrivains et des artistes de la ville. Ici, elle a exposé avec le Salon de Réalités Nouvelles, un collectif tournant d'artistes abstraits. C'est durant cette période à Paris que Herrera a cultivé son style de peinture géométrique austère et emblématique. À ce moment-là, elle utilisait moins de trois couleurs pures dans chaque composition. Imaginez une application plate et parfaitement uniforme des couleurs, des juxtapositions de teintes aux contours nets, des formes nettes séparées uniquement par des différences de tons précises. Elle a appliqué cette approche innovante en même temps que le pionnier du champ de couleur Ellsworth Kelly et le célèbre abstractionniste post-peinturliste Frank Stella. Son esprit avant-gardiste et son instinct pour l'ultra-moderne sont désormais indéniables, même s'ils ont été ignorés durant ses années en tant qu'artiste émergente.

Carmen Herrera - Rouge et Blanc, 1976. Epiphanie, 1971. Place Rouge, 1974. Acrylique sur toile (De gauche à droite). Exposition Lines of Sight au Whitney Museum de New York, 2016. Vue de l'installation.

La construction d'une plateforme

Herrera est finalement retournée à New York, et ses peintures ont continué à se tourner vers une esthétique de plus en plus minimaliste. Elle qualifiait son processus créatif de purification, et la simplicité est devenue une vertu de son œuvre. Son travail n'a pas reçu d'éloges, mais ce n'était pas simplement le fait que son art était "trop stérile". Au contraire, le rejet de son point de vue tourné vers l'avenir témoigne des plus grandes injustices sociétales qui l'ont affectée jusqu'à la fin de sa vie, mettant en lumière des inégalités qui existent encore aujourd'hui dans le monde de l'art. Herrera était une artiste femme et une immigrante, elle était donc constamment négligée ou considérée comme une étrangère ne méritant pas la lumière des projecteurs réservée aux œuvres expressionnistes abstraites créées par des artistes masculins occidentaux.

Herrera a finalement commencé à attirer l'attention lorsqu'en 2004, un éminent collectionneur latin l'a inscrite à une exposition collective très médiatisée à New York. Son talent et sa clairvoyance évidents étaient enfin reconnus par un public plus large, et elle connut enfin les débuts du succès commercial au cours de la dernière décennie de sa vie. La découverte tardive de Herreras a révélé les lacunes du monde de l’art et l’artiste est devenue une source d’inspiration et une briseuse de codes pour les artistes latines confrontées au sexisme, à la xénophobie et aux préjugés raciaux à la fois externes et intériorisés.

Carmen Hererra - All Untitled, 1966, sauf la jaune : Untitled, 1962. Exposition Lines of Sight au Whitney Museum de New York, 2016. Vue de l'installation.

Percée et réflexion

Carmen Herrera a depuis été honorée par de grandes expositions rétrospectives au Musée d'Art Moderne et au Musée Whitney. Elle est également présente dans des collections permanentes de premier plan telles que le Musée Tate. Son succès tardif offre une fin optimiste, mais cela ne devrait pas effacer les obstacles qu'elle a rencontrés tout au long de sa vie, que beaucoup d'autres n'ont jamais eu à affronter. L'œuvre de Herrera est un témoignage de son talent et de son dévouement. Elle nous a laissé un corpus de toiles saisissantes, de formes et de contours intrigants, et une philosophie unique sur la relation entre la ligne et la vie. Sa pratique créative sert également d'opportunité de réflexion sur la manière dont nous pouvons créer un monde de l'art plus inclusif et enrichissant à venir.

Image en vedette : Carmen Hererra - Sans titre, 1952. Noir et blanc, 1952. (De gauche à droite). Exposition Lines of Sight au Whitney Museum de New York, 2016. Vue de l'installation.
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