Comment Wolfgang Tillmans a utilisé la technique pour atteindre l'abstraction en photographie

Rien ne peut être pleinement apprécié sans comprendre son contraire. Nous apprécions la chaleur quand nous grelottons. Nous aimons la lumière quand nous sommes enfermés dans l’obscurité. Il n’est donc pas surprenant que Wolfgang Tillmans, qui s’est d’abord fait connaître comme photographe réaliste, ait évolué pour apprécier la puissance et le potentiel de l’abstraction photographique. Au cours de la dernière décennie, Tillmans a mêlé dans ses expositions ses photographies saisissantes de personnes et d’objets à des tirages purement abstraits réalisés uniquement avec des produits chimiques et la lumière. Cette combinaison montre que, comme la chaleur et le froid ou la lumière et l’obscurité, l’abstraction et la figuration font partie du même spectre. L’un se cache à la vue de tous dans l’autre. Ensemble, ils composent ce qui est réel.

Le fait est fiction

Wolfgang Tillmans s’est d’abord fait un nom en tant qu’artiste en photographiant les membres de la culture rave et festive au milieu des années 1990, dont il faisait partie. Parfois, il capturait ses sujets dans des environnements naturels, comme en train de danser. D’autres fois, il les posait, soit en studio, soit quelque part à l’extérieur. Dans les deux cas, qu’il photographie un sujet posé ou un sujet inconscient de sa présence, Tillmans a montré un don intuitif pour saisir les réalités sous-jacentes de ses sujets et de leur environnement, de sorte que même ses images fictives semblent vraies.

L’exemple par excellence de ses premières capacités se trouve dans l’une des premières images qui ont fait remarquer Tillmans, intitulée Lutz & Alex assis dans les arbres (1992). Elle montre deux de ses amis posés à moitié nus, assis sur différentes branches d’un arbre. À ce sujet, Tillmans a déclaré : « Deux personnes assises nues dans un arbre ne sont guère une photo documentaire, mais elle a été instantanément perçue comme une image de l’esprit du temps, de la réalité. » Bien que la photo soit posée, elle transmet la réalité profonde de ces jeunes et de leur culture. C’est une vision à la fois de ce qui est authentique et de ce qui est imaginé, et cela suggère que les deux font fondamentalement partie de la même expérience de la vie.

Wolfgang Tillmans - Lutz et Alex assis dans les arbres, 1992, tirage jet d’encre sur papier, pinces, © 2019 Wolfgang Tillmans

Photocopie-réalisme

Dans son adolescence, avant de rejoindre la scène rave et festive, Tillmans réalisait des images avec une photocopieuse. En fait, il ne qualifie pas spécifiquement les œuvres qu’il crée de photographies, ni lui-même de photographe au sens strict. Il dit plutôt : « Je considère ma pratique comme la création d’images. Tout ce qui est disponible, je l’utilise. » Sur sa photocopieuse, il commençait par une image tirée des médias, puis l’agrandissait plusieurs fois, obtenant quelque chose de de plus en plus abstrait. Ces images pouvaient être appréciées comme des versions modifiées de la réalité, ou pour leurs seules qualités esthétiques formelles, libérées du poids du contenu.

Après avoir commencé à travailler à plein temps avec un appareil photo, il a gardé un œil sur les images abstraites qu’il avait d’abord expérimentées avec cette photocopieuse. Bien qu’il prenne principalement des photographies figuratives, il développait ses propres images et réalisait ses propres tirages dans la chambre noire. En travaillant, il remarquait souvent des accidents photochimiques sur ses tirages. Il les mettait de côté et étudiait ce qui les causait afin de pouvoir reproduire les effets. Au fil du temps, il a développé des techniques telles que le développement des tirages dans de l’eau sale, le grattage de la surface des tirages, ou l’exposition directe du papier photo à la lumière pour créer des compositions abstraites colorées, transformant les erreurs en procédés intentionnels.

Wolfgang Tillmans - Studio, Galerie Buchholz, Berlin, 2016, vue d’installation, © 2019 Wolfgang Tillmans

Les Allumeurs

L’une des techniques abstraites avec lesquelles Tillmans a expérimenté s’est manifestée dans une série d’œuvres qu’il appelle Les Allumeurs. Pour ces images, il commence par réaliser une photographie sans appareil, c’est-à-dire qu’il expose directement le papier photosensible à la lumière et utilise des produits chimiques pour fixer l’image. Pendant le processus, il plie le papier, un geste sculptural qui donne un objet en trois dimensions. La combinaison du procédé chimique et du pliage aboutit à une position esthétique unique. Les Allumeurs posent des questions esthétiques formelles, telles que ce qu’est cet objet, tout en soulevant des questions sur ce qui constitue une photographie.

Mais loin de se concentrer uniquement sur leurs qualités formelles, Tillmans décrit aussi ses Allumeurs comme métaphysiques. Une façon pour les spectateurs de les voir ainsi serait de les comparer aux peintures de champs colorés de Mark Rothko, ou aux monochromes d’Yves Klein, en les considérant comme des moyens esthétiques nous aidant à vivre une expérience transcendante personnelle. Mais il y a aussi autre chose de métaphysique en eux. Ce sont des produits de l’esprit. Ce sont des révélations du potentiel de quelque chose de beau qui peut se produire lorsqu’un humain interagit avec les matériaux et les procédés du monde physique de manière ouverte mais intentionnelle, sans résultat prédéterminé en tête.

Wolfgang Tillmans - Regen Projects, Los Angeles, 2016, vue d’installation, © 2019 Wolfgang Tillmans

Authenticité photographique

Comme mentionné plus tôt, Wolfgang Tillmans expose souvent ses photographies abstraites mêlées à ses œuvres figuratives. Ses sujets figuratifs ont largement dépassé la scène des clubs. Il rassemble des images de l’humanité, de la nature et des environnements bâtis du monde entier. Côtoyant ces images se trouvent des tirages monochromes, des Allumeurs, et toute une gamme d’autres images abstraites, grandes et petites. C’est un mélange de textures, de couleurs, de formes, de lignes, de figures et de compositions formelles, côte à côte avec des récits sociaux, des histoires imaginées, et des images multinationales, multiculturelles, à la fois authentiques et mises en scène.

Certains pourraient remarquer les contradictions et se demander pourquoi des images si différentes sont accrochées dans la même pièce. D’autres pourraient comprendre intuitivement, reconnaissant les couleurs, les textures, les lignes et les formes dans ce que l’on appelle le monde réel, et les dures réalités de la couleur pure et de la forme concrète dans ce qui est supposé être abstrait. Les deux interprétations sont valides. Les deux disent quelque chose sur Tillmans, sur l’art, et sur nous en tant que spectateurs. Comme le dit Tillmans : « Je veux que les images fonctionnent dans les deux sens. J’accepte qu’elles parlent de moi, et pourtant en même temps, je veux et j’attends qu’elles fonctionnent en fonction du spectateur et de son expérience. » Et c’est là l’essentiel ; que nous soyons présents dans l’espace avec les images ; que nous représentions la réalité tout en nous mêlant à ce qui est toujours fondamentalement abstrait.

Wolfgang Tillmans - Paper drop (fenêtre), 2006, © 2019 Wolfgang Tillmans et Galerie Buchholz, Cologne, Berlin

Image en vedette : Wolfgang Tillmans - Galeria Juana de Aizpuru à ARCO, Madrid, 2011, vue d’installation, © 2019 Wolfgang Tillmans
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio