Les peintures abstraites de femmes les plus célèbres

Il y a potentiellement tellement plus dans une peinture que ce qu'elle révèle à nos yeux. Par exemple, que révèle-t-elle à nos esprits ? Certaines des œuvres d'art réalistes les plus célèbres sont des peintures de femmes. Mais que communiquent ces célèbres peintures de femmes aux spectateurs, en dehors de ce qui est à la surface ? Elles peuvent communiquer la maîtrise de leurs créateurs, mais communiquent-elles aussi l'essence intérieure de leurs sujets féminins ? Elles peuvent visuellement dépeindre leur époque, mais extrapolent-elles aussi une compréhension culturelle ou historique du genre ? Ne nous montrent-elles que des images de femmes dans diverses situations, ou explorent-elles les significations globales contenues dans les réalités féminines situationnelles ? Les peintures abstraites ont parfois un avantage en ce qui concerne de telles questions, car elles encouragent intrinsèquement les spectateurs à chercher au-delà de ce qui est à la surface. Voici dix célèbres peintures abstraites de femmes qui nous ont aidés à accroître notre compréhension de la féminité sous les divers angles du genre, de l'histoire, de la culture et de l'esthétique.

Lee Krasner - Gaea

Vous êtes-vous déjà demandé d'où vient le terme Mère Nature ? Les anciens Grecs croyaient que le créateur de l'univers était une entité féminine nommée Gaea. Elle a donné naissance à toutes les choses existantes, y compris tous les autres dieux et déesses ainsi qu'à la race humaine. Lee Krasner a peint sa monumentale peinture abstraite Gaea en 1966. La peinture marque une évolution importante dans son travail, alors qu'elle émergeait d'une période particulièrement troublante de sa vie personnelle. Ses couleurs explosives et ses gestes expressifs incarnent un mélange complexe de puissance, de beauté, d'énergie et d'harmonie. En tant qu'expression abstraite de l'essence féminine originale et éternelle dans l'univers, elle se classe parmi les premières peintures abstraites de femmes.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Huile sur toile. 69" x 10' 5 1/2" (175,3 x 318,8 cm). Fonds Kay Sage Tanguy. 212.1977. Collection MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Pablo Picasso - Ma Jolie

Ma Jolie se traduit par Ma Belle Fille, une chanson française populaire lorsque Picasso a peint sa toile cubiste du même nom. Cette phrase était également son surnom pour sa maîtresse, Marcelle Humbert. En tant qu'une des premières et des plus mémorables expressions du cubisme analytique, cette peinture est célèbre pour des raisons qui ont peu à voir avec son sujet. Mais en tant que peinture d'une femme, elle est aussi énormément expressive. L'expression digne de nonchalance sur la tête en haut à droite ; la sensualité charnelle des orteils ; les notes de musique et la main grattant la guitare ; l'éblouissante variété de perspectives et de sources de lumière ; tout cela évoque le mélange de fantaisie, de sérieux, de respect et de mystère qui définit les sentiments que Picasso a exprimés tout au long de sa vie pour l'âme féminine.

Pablo Picasso - Ma Jolie, 1911. Huile sur toile. 39 3/8 x 25 3/4" (100 x 64,5 cm). Acquis grâce au legs Lillie P. Bliss (par échange). 176.1945. © 2019 Succession de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Georgia O'Keeffe - Abstraction (femme endormie)

Georgia O’Keeffe a supprimé tout ce qu’elle considérait comme superflu. Elle cherchait à plonger les spectateurs dans une émotion. Pour ce faire, elle créait souvent des images en gros plan à grande échelle, enveloppant les spectateurs dans l’espace pictural. Ce tableau est l’une des nombreuses compositions abstraites similaires réalisées par O’Keeffe représentant une femme endormie. Elle l'a dessiné au fusain puis l'a passé au pinceau humide, créant une éthérée onirique dans le cadre. C’est une image de grâce stoïque et digne, qui parle de quelque chose de transitoire et de délicat, terrestre et pourtant éternel.

Georgia O Keeffe - Abstraction (femme endormie), 1916. Lavis au fusain et aquarelle sur papier

Kazimir Malevitch - Femme aux seaux : arrangement dynamique

Kazimir Malevich était un véritable croyant en l'abstraction. Un an après avoir peint cette œuvre, il inventa son style iconique, le Suprématisme, qui était consacré à un rejet du sujet au profit des universalités. Cette peinture d'une femme n'est pas tant une représentation d'une femme qu'une exploration des qualités formelles de la composition. Ce qu'elle communique sur la féminité est subjectif. Mais dans l'intention de l'artiste, nous trouvons quelque chose de démocratique et, en effet, d'universel. Le titre, Femme avec seau, fait référence aux rôles de genre féminins traditionnels dans la Russie ouvrière lorsque Malevich a réalisé cette œuvre. Qu'il ait choisi ce sujet communique qu'il cherchait une manière utopique de voir le monde non pas en termes divisifs tels que les genres et les classes sociales, mais en termes de points communs.

Kazimir Malevitch - Femme aux seaux : arrangement dynamique. 1912-13 (daté au revers 1912). Huile sur toile. 31 5/8 x 31 5/8" (80,3 x 80,3 cm). 1935 Acquisition confirmée en 1999 par entente avec la succession de Kazimir Malevich et rendue possible grâce aux fonds du legs de Mme John Hay Whitney (par échange). 815.1935. Collection du MoMA

Joan Miró - Femme aux trois cheveux entourée d'oiseaux dans la nuit

Joan Miró n'a jamais complètement plongé dans l'abstraction totale. Au lieu de cela, il a cultivé une voix esthétique unique incorporant une iconographie primitive, des formes réduites et une palette de couleurs vibrante et limitée. À travers ce style idiosyncratique, il a pu communiquer des profondeurs de manière directe, simple et souvent fantaisiste. Il a souvent exploré le thème de la femme et des enfants dans son travail. Cette image abstraite d'une femme solitaire exprime une force tranquille et un équilibre. Elle est méditative et suggère une figure en contemplation des plaisirs quotidiens. C'est une image de sécurité, de solitude et d'harmonie. Malgré son étrangeté troublante, elle évoque la joie.

Joan Miro - Femme aux trois cheveux entourée d'oiseaux dans la nuit Palma/ 2 septembre 1972. Huile sur toile. 7' 11 7/8" x 66 1/2" (243,5 x 168,9 cm). Don de l'artiste en l'honneur de James Thrall Soby. 116.1973. Collection du MoMA. © 2019 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Willem de Kooning - Femme I

Willem de Kooning, un expressionniste abstrait de premier plan, s'est spécialisé dans les toiles émotives et énergiques. Sa technique était à la fois spontanée et épuisante. Il a peint des couches agressives et immédiates, puis les a grattées, ajoutant et éliminant au fil du temps. Ses nombreuses peintures de femmes ont été interprétées comme grotesques ou colériques, voire misogynes. Mais il a nié de telles associations, préférant réfléchir à leur nature primitive et à la provenance qu’elles partagent avec les représentations classiques de la féminité. La plus célèbre de ses peintures Femme semble appropriée comme exemple de cette dualité entre l'intention de l'artiste masculin lorsqu'il peint une femme et la façon dont le résultat final de son expression peut être interprété par les spectateurs. Il nous offre une image abstraite emblématique d’une femme, ainsi qu’un point de départ pour une conversation plus large sur l’objectivation et l’intention dans l’art.

Willem de Kooning - Femme I, 1950-1952. Peinture à l'huile et métallisée sur toile. 6' 3 7/8" x 58" (192,7 x 147,3 cm). 478.1953. Collection du MoMA. © 2019 Fondation Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), New York

MariaLasnig - Petit-déjeuner avec une oreille

Aucune conversation sur le portrait féminin abstrait contemporain ne serait complète sans mentionner l’influence de l’artiste autrichienne Maria Lassnig. Sa pratique oscillait entre la figuration et l'abstraction, mais tournait toujours autour d'une conversation plus large sur ce qu'elle décrivait en 1948 comme la conscience du corps. Sa peinture Petit-déjeuner avec une oreille est un représentant emblématique des centaines d'autoportraits peints par Lassnig, ne contenant souvent qu'une partie de son corps, se rapportant à la partie du corps dont elle était la plus consciente à l'époque. Cette image aborde la conversation sociale plus large sur les rôles de genre traditionnels, dans la mesure où la fonction d’auditeur/nourrisseur est mise en évidence parmi les images de gadgets électroniques de cuisine.

Maria Lassnig - Petit-déjeuner avec une oreille, 1967. © Maria Lassnig

Yves Klein - Anthropométrie de l'époque bleue

Comme pour de nombreuses œuvres d'art de Yves Klein, il y a une couche conceptuelle à cette peinture qui mérite d'être discutée. Il ne l'a pas peinte seul, mais a plutôt participé à sa création en tant que directeur. L'anthropométrie est l'étude des dimensions physiques du corps humain. Pour sa série Anthropométrie, Klein a dirigé des assistantes pour se déshabiller et se couvrir de Yves Klein Blue, sa teinte éponyme. Les assistantes ont ensuite imprimé physiquement leurs corps peints sur des surfaces, soit étendues sur le sol, soit montées sur le mur. Cette peinture est en quelque sorte une peinture d'action. Dans un autre sens, c'est un reportage, car elle crée un enregistrement physique d'un événement réel. En tant qu'image abstraite, elle offre une suggestion convaincante de sensualité. Elle suggère également le chromosome X, un symbole de féminité génétique. D'un point de vue conceptuel, elle est potentiellement répugnante dans son utilisation du travail féminin objectifié pour compléter une vision esthétique dominée par les hommes et pruriente.

Yves Klein - Anthropométrie de lépoquebleue, 1960. International Klein Blue sur papier sur bois. © 2019 Société de Droits des Artistes (ARS), New York / ADAGP, Paris

Carrie Moyer - Tableau

Le travail de Carrie Moyer est souvent politiquement chargé, comme dans ses Agitprop, des affiches graphiques engagées dans un activisme social direct et un commentaire. D’autres fois, comme dans ses estampes abstraites, elle semble enveloppée d’universalités métaphysiques. Dans ses peintures, ces deux pôles convergent souvent dans des compositions graphiquement contenues combinant ce qu'elle appelle « à la fois l'illusionnisme et la planéité. ». Formellement, Tableau possède une gravité compositionnelle et montre une maîtrise de la sensualité. du médium acrylique. Son sens de la féminité est résolument contemporain, évoquant simultanément quelque chose de primitif et d'humain et quelque chose de futuriste et d'extraterrestre, l'ancrant dans un présent à la fois étrange et réconfortant.

Carrie Moyer - Tableau, 2008. Acrylique, paillettes sur toile. © Carrie Moyer

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien

Il serait simpliste de dire que les peintures de l’artiste kenyan Wangechi Mutu représentent des femmes ou parlent de femmes. Mais ils sont remplis d’un langage de formes communicatives de féminité physique. À travers ses images obsédantes, Mutu exprime l’expérience vaste et variée de la façon dont le corps féminin est rencontré dans la culture mondiale. Ce tableau, intitulé d'après la chanson d'Edith Piaf Non je ne regrette rien (Je ne regrette rien), célèbre et objective simultanément le corps féminin tout en évoquant des universalités subconscientes à travers une imagerie féminine totémique.

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien, 2007. Encre, peinture, techniques mixtes, matières végétales et perles de plastique sur Mylar. 137 x 221 cm. 54 x 87 1/8 po Victoria Miro

Image de couverture : Georgia O Keeffe - Abstraction - Femme endormie (détail), 1916, fusain et lavis d'aquarelle sur papier
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio