L'influence subtile de la Washington Color School

L’histoire de la École de Couleur de Washington est un récit édifiant. En surface (pour ainsi dire), il s’agit simplement de l’histoire de six peintres : Kenneth Noland, Morris Louis, Gene Davis, Howard Mehring, Thomas Downing et Paul Reed. Chacun a vécu à Washington, D.C., et chacun a pratiqué un type similaire de peinture abstraite définie par des zones plates et unies de couleurs vives, généralement réalisées à la peinture acrylique Magna sur des toiles non apprêtées. Plus important encore, chacun a vu son travail inclus dans Les Peintres de Couleur de Washington, une exposition inaugurée en 1965 à la Washington Gallery of Modern Art (WGMA), galerie éphémère mais influente. Mais sous ce récit relativement inoffensif se cache un monde d’imitateurs, de manipulateurs et de faiseurs de mythes culturels qui, une fois compris pour ce qu’il est, offre une occasion d’examiner de manière critique comment les tendances s’enracinent dans l’art, et comment galeristes, conservateurs et critiques exercent une influence sur les récits acceptés de l’histoire de l’art.

Le Contexte

Date : 1952. Une jeune peintre abstraite nommée Helen Frankenthaler expérimente dans son atelier à New York. Elle utilise des peintures à l’huile et, comme la plupart des peintres à l’huile, elle apprête normalement ses toiles avant d’appliquer ses huiles, et dilue ses peintures juste assez pour pouvoir travailler avec. Mais ce jour-là, elle a une révélation. Elle décide de diluer fortement ses peintures à l’huile et, au lieu de les appliquer au pinceau sur une toile apprêtée, elle pose une toile non apprêtée sur le sol et verse directement ses peintures diluées dessus. La peinture imprègne la toile, teinte les fibres et se répand sur la surface de manière imprévue. Elle intitule le résultat de cette première expérience Mountains and Sea. Sa légèreté éthérée résulte des interactions des couleurs avec la surface et entre elles grâce à la nouvelle technique qu’elle vient d’inventer.

L’un des critiques d’art les plus influents d’Amérique en 1952 était un homme nommé Clement Greenberg. Il rend visite à Helen Frankenthaler peu après qu’elle ait peint son œuvre révolutionnaire Mountains and Sea. Greenberg reconnaît immédiatement le génie de son innovation. Mais au lieu de simplement saluer Frankenthaler comme la peintre d’avant-garde qu’elle était manifestement, Greenberg invite deux peintres masculins qu’il respecte, Morris Louis et Kenneth Noland, à venir de Washington, D.C. pour voir ce que Frankenthaler a fait. Greenberg les encourage alors à utiliser cette nouvelle technique passionnante dans leurs œuvres, ce qu’ils font. Puis, à mesure qu’ils développent la technique dans leurs propres expériences, Greenberg fait la promotion de Louis et Noland comme étant à l’avant-garde d’un mouvement artistique qu’il a inventé, appelé Abstraction Post-Peintre, défini par des surfaces plates, et qui faisait partie d’un mouvement encore plus vaste qu’il a également inventé, appelé l’École de Couleur, qui prônait la primauté de la couleur sur les autres éléments esthétiques.

Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952, Huile et fusain sur toile non apprêtée, 219,4 × 297,8 cm, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

L’École de Couleur de Washington

Avançons jusqu’en 1962. John F. Kennedy est président des États-Unis. Les arts et la culture sont au premier plan des préoccupations des mondains de Washington, D.C., et Alice Denney, grande dame de l’avant-garde artistique de Washington, D.C., vient d’ouvrir une nouvelle galerie : la Washington Gallery of Modern Art. Sa première directrice, Adelyn Breeskin, auparavant au Baltimore Museum of Art, organise une exposition inaugurale consacrée au travail de Franz Kline. Parmi les invités de la soirée d’ouverture se trouve nul autre qu’Helen Frankenthaler, ainsi que de nombreux autres artistes respectés. L’exposition est un succès. Deux ans plus tard, lorsque Adelyn Breeskin part, la WGMA est devenue l’épicentre du monde artistique de Washington, D.C.

Engagé pour remplacer Breeskin à la direction, le critique d’art Gerald Nordland organise en une seule année une exposition influente : Les Peintres de Couleur de Washington. L’exposition avance l’argument qu’à Washington, D.C., loin de l’influence de la scène artistique de New York, un groupe complètement unique de peintres de l’École de Couleur a émergé indépendamment et devrait être reconnu internationalement pour ses réalisations singulières. Le succès de l’exposition est immense, et l’idée d’une École de Couleur de Washington gagne rapidement du terrain auprès des collectionneurs, conservateurs, galeristes et autres artistes basés à Washington, D.C., en plus des six originaux, qui sont désireux de s’associer à un mouvement célèbre.

Kenneth Noland - Bridge, 1964, Acrylique sur toile, 226,2 x 248,8 cm

Imitateurs, Manipulateurs et Faiseurs de Mythes

La controverse la plus évidente qui a émergé depuis à propos des Peintres de Couleur de Washington est que les deux membres les plus célèbres du soi-disant mouvement localisé, Kenneth Noland et Morris Louis, ont tous deux copié Helen Frankenthaler, une peintre de New York. Si Clement Greenberg avait rendu à chacun ce qui lui revenait, il aurait été clair que le travail des soi-disant Peintres de Couleur de Washington était influencé par des peintres d’autres lieux. Mais le mérite n’a pas été reconnu, ce qui nous mène à la deuxième controverse la plus évidente concernant les Peintres de Couleur de Washington : tous les peintres de l’exposition étaient des hommes blancs, le seul type d’artiste que Greenberg ait jamais soutenu. Plus étrange encore, l’un d’eux (Morris Louis) était décédé trois ans avant l’exposition, et un autre (Kenneth Noland) avait déménagé dans le Vermont un an auparavant.

Pour la plupart, plutôt que de briser la fragile coquille protégeant le mythe d’une École de Couleur de Washington, les auteurs d’histoire de l’art contemporaine ont simplement adopté cette histoire, utilisant son récit simple et direct comme point de départ commode pour des expositions, conférences et essais. La sous-catégorie qui en résulte de l’art abstrait des années 1960 permet ainsi à certaines œuvres d’atteindre des prix nominalement plus élevés aux enchères, et aux carrières d’un petit nombre d’artistes qui n’avaient guère d’original à apporter à la conversation de gagner en crédibilité. Ce qui ne vise pas à dénigrer ces artistes ou leurs œuvres. Il s’agit seulement de souligner que lorsque nous laissons des mouvements et des étiquettes fabriqués dominer notre compréhension de quelque chose d’aussi complexe que l’art, nous cédons à l’influence des puissants du passé, souvent plus motivés par la race, le genre et leur propre ego que par l’esthétique.

Morris Louis - Gamma Epsilon, 1960-196, Acrylique sur toile, 260,4 × 492,8 cm

Image en vedette : Gene Davis - Tarzan (détail), de la série Portfolio 1, 1969, Sérigraphie sur toile montée sur panneau, 61,6 × 76,8 cm, crédits photo Art Resource Group, Irvine

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement

Par Phillip Barcio