Pourquoi la critique d'art Rosalind Krauss est toujours cruciale pour l'abstraction

Rosalind Krauss est considérée par de nombreux artistes, professeurs d'art et professionnels du monde de l'art comme la critique d'art la plus importante du monde. Et s’il est indéniable qu’à travers ses écrits, elle a diffusé certaines des théories de l’art les plus influentes des cinquante dernières années, je n’arrive jamais à comprendre pourquoi elle est étiquetée avec ce mot : critique. D’après ce que je comprends de ce qu’elle fait, Krauss n’est pas une critique. Elle est anti-critique. C'est quelqu'un qui réfléchit profondément à l'art et écrit à ce sujet, mais qui ne définit pas la manière dont nous devrions l'apprécier. Elle est écrivaine d'art. Elle est une défenseure de l'art. Elle est une défenseure de l'art. Mais des critiques ? Qui en a besoin ? Les artistes n’ont certainement pas besoin de critiques. La seule chose qu’un artiste a besoin d’entendre, ce sont des éloges. La critique s'adresse au marché. C'est une façon de maintenir des normes de goût. Mais il n’existe pas de « bon » art ou de « mauvais » art. La seule chose que les critiques d’art finissent par faire, c’est de susciter des disputes, de gâcher le plaisir et de limiter les possibilités. Ils répandent parmi les masses des jugements de valeur subjectifs et souvent infondés. Ils influencent l’opinion publique sur la base des opinions d’une minorité. Mais ce que Krauss a passé sa vie à faire, à mon avis, est tout le contraire. Elle a élargi les possibilités des artistes. Elle a remis en question le statu quo et, depuis plus de cinq décennies, elle n’a cessé d’élargir la façon dont les gens se sentent habilités à regarder, à parler et à écrire sur l’art. Quant à moi, Krauss m'a appris à travers ses écrits que la chose la plus importante que je puisse faire au service d'une œuvre d'art est de la décrire. Elle m'a montré qu'une description réfléchie et précise est le plus grand compliment que je puisse faire à un artiste ou à une œuvre d'art, bien plus élevé que d'arriver à la phase de jugement : dire que quelque chose est « bien » ou que j'« aime » quelque chose. Le goût est subjectif. Le jugement est manipulateur. Une description précise démontre qu'on a suffisamment respecté l'œuvre pour l'examiner de près et la traduire honnêtement dans un langage simple et compréhensible par tous.

La jeune Rosalind Krauss

Rosalind Krauss est née en 1941 à Washington, D.C. Son père était avocat au ministère de la Justice des États-Unis. Il emmenait souvent Rosalind visiter la National Gallery of Art. C’est là qu’elle a commencé à développer le désir et la capacité de parler intellectuellement de la valeur de l’art moderne. Dans une interview avec Dylan Kerr pour Artspace en 2016, Krauss a rappelé que son père critiquait l'art moderne. Mais même en tant que jeune femme, elle se sentait poussée à défendre son œuvre. Elle avait l’idée que c’était vital et la défendait régulièrement auprès de son père lors de la visite du musée. «J'ai adopté un certain militantisme», dit-elle, «car je devais essayer de convaincre mon père que ces œuvres d'art modernes n'étaient pas fausses, qu'elles étaient vraiment importantes. Cela a aiguisé mon envie d’expliquer.

S'inscrivant au Wellesley College en 1958, elle a commencé ce qui est devenu une carrière académique à vie consacrée à l'idée d'expliquer l'importance de l'art. Elle a étudié l'histoire de l'art et a commencé à lire sérieusement ce que d'autres écrivains d'art avaient à dire sur les tendances dominantes du moment. C'était une période passionnante pour l'art américain. L'Expressionnisme Abstrait était à son apogée, et les artistes qui s'y opposaient ou qui en étaient inspirés faisaient évoluer le paysage artistique américain dans une multitude de directions fascinantes : l'Art Conceptuel, l'Art d'Installation, les Earth Works et l'Art de la Terre, l'Art de Performance, l'Art de la Lumière et de l'Espace, et le Minimalisme, pour n'en nommer que quelques-uns. Krauss était astucieuse et perspicace. Bien qu'elle ait rapidement étudié l'histoire, elle a également développé ses propres idées sur ce qu'elle étudiait. Et dans ce processus, elle a dû faire face à une dure réalité de l'époque : le point de vue étroit sur la manière dont il était acceptable de parler de l'art, et le petit nombre de voix influentes qui le définissaient.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), book cover

Les Bergs

Les deux critiques d'art les plus influents du milieu du 20ème siècle étaient Harold Rosenberg et Clement Greenberg. Clement Greenberg a été responsable de la carrière de certains des artistes les plus célèbres de la période d'après-guerre. Il est surtout connu pour avoir défendu des Expressionnistes abstraits blancs et masculins comme Jackson Pollock et Willem de Kooning, et pour avoir ignoré les femmes et les artistes de couleur. La manière la plus simple de décrire la façon dont Greenberg écrivait sur l'art est de dire qu'il était formaliste. Il parlait des peintures non pas en termes de leur contenu, de leur narration ou de leur signification culturelle. Il en parlait en termes de couleur, de ligne, de forme, de qualités de surface et de spécificité des médiums.

Harold Rosenberg a parlé de l'art en utilisant un langage différent de celui utilisé par Clement Greenberg. Rosenberg pourrait tout simplement être décrit comme un critique axé sur les éléments poétiques de l’art. Il a écrit sur la capacité de certains artistes à réaliser des œuvres contemplatives et sur les qualités transcendantes de leur art. Greenberg et Rosenberg étaient tous deux largement respectés et continuent d’être pris au sérieux aujourd’hui. Dans une large mesure, ils sont des héros parce qu’ils ont largement légitimé l’abstraction dans la conscience américaine. Chacun à leur manière, ces deux critiques ont enseigné aux Américains d’après-guerre que l’art abstrait était plus vaste, plus profond et plus compliqué qu’il ne le paraissait à la plupart des gens à l’époque. Ils ont élevé l’abstraction au même prestige que l’art réaliste qui remplissait les musées et les livres d’histoire. Mais d’une autre manière, ces deux critiques représentaient une vieille façon de parler de l’art. Ils s’y engageaient d’une manière structurée, ancrée dans les traditions du passé. Ils l’ont jugé et ont porté des jugements de valeur basés sur des agendas qui ont joué dans la structure de pouvoir existante de la société, et de cette manière ils ont limité ce qu’ils pourraient devenir.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), book cover

Écriture artistique post-structuraliste

Après avoir obtenu son diplôme de Wellesley, Rosalind Krauss est allée à Harvard, où elle a obtenu son doctorat. en 1969. Alors qu'elle était encore étudiante, elle a commencé à écrire sur l'art dans Artforum. Au départ, elle avait une affinité pour le travail de Clement Greenberg. Mais au fil du temps, elle en est venue à adopter un point de vue post-structuraliste. Fondamentalement, le structuralisme est l’idée selon laquelle le monde peut être compris en termes de structures identifiables et descriptibles qui, à leur tour, donnent un sens à tout le reste. L’histoire est souvent présentée comme une série structurée d’événements qui ont inévitablement conduit au monde d’aujourd’hui. Un critique d’art structuraliste estime que chaque élément d’une œuvre d’art peut être compris en fonction de sa relation avec un système de pensée structuré et existant. Et inversement, le post-structuralisme remet essentiellement en question cette idée.

L’écriture artistique post-structuraliste n’est pas une critique dans la mesure où elle ne relève pas d’un jugement final sur une œuvre d’art. Le post-structuralisme invite à de multiples interprétations. Il prône une évaluation individuelle. Il rejette l’autorité des structures héritées. Il préconise de parler des choses d’une manière qui remet en question le statu quo. Il reconnaît que les structures sociales historiques soutiennent une manière de voir et d’interagir avec le monde qui correspond aux récits existants des détenteurs du pouvoir. Les poststructuralistes croient qu’en remettant en question ces façons de voir et d’interagir avec le monde, un monde plus diversifié, plus équitable, expérimental et intéressant peut émerger : un monde qui, en fin de compte, sera également plus vrai.

Rosalind Krauss - Bachelors, book cover

Sur la grille

Après dix ans d'écriture pour Artforum, Rosalind Krauss a cofondé une nouvelle revue d'art avec Annette Michelson, intitulée October. L’idée d’octobre était de proposer de nouvelles façons de penser l’art. Le journal doit son nom au mois qui a marqué le début de la révolution bolchevique. Dans les pages d’octobre, Krauss a publié ses écrits artistiques les plus influents. Dans le volume 8, elle a publié son essai Sculpture in the Expanded Field, qui explique un point de vue considérablement élargi de la sculpture. L’essai ne décrivait pas une manière spécifique de définir la sculpture, mais entamait plutôt une conversation sur la recherche d’une manière de parler des tendances en art plastique sans avoir à définir de manière rigide ce qu’elles sont. Cet essai demeure aujourd’hui une bouée de sauvetage pour les artistes expérimentaux et multidisciplinaires.

Et dans le volume 9 d'octobre, Krauss a publié un essai intitulé Grids, qui est aujourd'hui considéré par beaucoup de gens comme l'un des essais les plus importants du 20e siècle expliquant l'abstraction. L'essai explore l'histoire de l'utilisation des grilles dans l'art et envisage les différentes façons dont les artistes ont réduit leur travail à l'exploration de la grille. Ce qui est remarquable dans cet essai, à mon avis, c’est que bien qu’il soit académiquement informé et hautement descriptif, il est ouvert et aboutit à peu de conclusions. Krauss parvient à une généralisation selon laquelle les grilles sont en fin de compte symboliques. Mais quant à ce qu’ils symbolisent, cela reste ouvert. Krauss présente de nombreux exemples, ouvrant de nombreuses possibilités, et les étaye par des exemples éclairés. Mais au final, elle décrit bien plus qu’elle ne juge. Et c’est, pour moi, son plus grand héritage. Elle ouvre la porte à ce qui pourrait être la suite et permet à l’avenir de l’art de se dérouler comme il le souhaite.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, book cover

Image à la une : Rosalind Krauss, photo de Judy Olausen, vers 1978

Par Phillip Barcio