De jeunes artistes abstraits à surveiller

En guise d'introduction à ces profils de dix artistes abstraits émergents qui, selon nous, méritent votre attention, mon éditeur m'a demandé de commenter un peu l'état de l'art abstrait contemporain. Cette demande apparemment simple m’a fait tourner la tête pendant plusieurs jours. J'écris sur l'art contemporain depuis neuf ans, et plus particulièrement sur l'art abstrait depuis plus d'un an et demi. Pourtant, lorsqu’on me demande d’en évaluer l’état, je ne sais pas exactement quoi dire. Nous vivons une époque d’extrême anxiété pour quiconque s’intéresse aux événements mondiaux. Et les artistes vivent dans le même monde que tout le monde, il n’est donc pas surprenant qu’ils soient aussi touchés par cette anxiété que n’importe qui. Une multitude de forces travaillent dur pour tenter d’écrire l’avenir de cette planète, et il semble souvent que peu de ceux qui ont le pouvoir d’influencer réellement les choses s’accordent sur la direction que devrait prendre la civilisation. Mais j’estime que les artistes abstraits sont particulièrement bien placés pour influencer notre chemin. Ce sont nos poètes visuels. Leur œuvre peut transcender les barrières de langue, de culture, de nationalité, de sexe, de race et d’économie. Je suis d'accord avec des artistes comme Marcel Duchamp, qui croient que le spectateur complète les œuvres d'art en les expérimentant. Les artistes sont responsables de la création de propositions esthétiques, mais c’est nous qui sommes responsables de déterminer ce qui se passera ensuite. Nous pouvons choisir de nous ouvrir à de nouvelles façons de voir. Nous pouvons choisir ce qui a un sens et quel sera ce sens. Pour nous guider sur cette voie, les artistes abstraits contemporains disposent des mêmes outils que les scientifiques, les soldats, les magnats et les politiciens contemporains. Ce qu’ils feront avec ces outils est la question à laquelle ils sont confrontés chaque jour. J'espère continuellement qu'ils me surprendront. Les dix artistes abstraits sur lesquels nous avons choisi de nous concentrer aujourd'hui travaillent dans une gamme de médiums et de formats et créent des œuvres pour de nombreuses raisons différentes. Leur diversité reflète les innombrables chemins différents que chacun d’entre nous est libre de suivre dans ce monde contemporain. À mon humble avis, ils sont la preuve que l’état actuel de l’art abstrait est aussi vivant qu’il ne l’a jamais été, et plus que jamais capable de produire des œuvres significatives, importantes, influentes et inattendues.

Iva Gueorguieva

Née à Sofia, en Bulgarie, en 1974, Iva Gueorguieva a obtenu son MFA à la Tyler School of Art de Philadelphie et vit et travaille actuellement à Los Angeles, en Californie. Sa vision esthétique est particulièrement adaptée au milieu urbain. Il s’agit de pièces disparates qui s’assemblent pour participer à la création d’un nouvel ensemble. Gueorguieva travaille sur une gamme de médias différents, mais se concentre principalement sur la peinture et la sculpture. Ses peintures combinent des éléments de collage avec une intervention picturale directe pour créer des images qui transmettent la complexité, le mouvement et une bonne part de chaos. Bien qu’essentiellement plats, ils semblent dimensionnels et encouragent le spectateur à se laisser envelopper par l’espace pictural. Comme ses peintures, ses sculptures sont également assemblées à partir de nombreux médiums différents. Pour les créer, Gueorguieva rassemble des morceaux de son environnement physique, tels que le béton, le métal, le papier, le plastique et la peinture, de sorte que l'œuvre possède un sens du lieu de sa propre origine. Les formes abstraites qui sont ensuite assemblées résonnent puissamment auprès de quiconque est familier avec le lexique visuel d'un lieu urbain contemporain.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, Oil Stick on Canvas, © Sofia Contemporary et Iva Gueorguieva (à gauche) et Vanished Animal 5, 2015, Lithographie, savon, softground, hardground, pointe sèche, aquatinte à la broche, aquatinte à l'eau, morsure ouverte sur tissu à la main peinture, peinture en aérosol et bâton d'huile sur un cadre en acier soudé avec des panneaux en acier, des barres d'armature, du béton et de l'argile époxy, photo avec l'aimable autorisation de l'ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (à droite)

Rameur Holton

Les œuvres de Holton Rower, né à New York, prennent forme à travers un processus d'accumulation progressive. Comme les couches de roche sédimentaire déposées par le temps, Rower verse méthodiquement des couches de peinture monochromatique sur une surface, permettant à chaque couche de se coalescer avant de verser une autre couche par-dessus. Finalement, comme pour les montagnes, les couches s'accumulent en masses substantielles. Puis, avec une lame, Rower accomplit la tâche des éléments naturels, sculptant une forme finale. Qu'elles soient présentées sur le mur ou sur le sol, ces objets sont intrinsèquement sculpturaux et indéniablement des peintures. Ils sont à la fois industriels par nature et également le résultat d'un travail physique acharné. Ce sont des objets formels de couleur, de forme, de texture et aussi des déclarations poétiques sur l'humanité et son intervention continue avec la nature. (Oh, et bien que cela ne soit pas pertinent par rapport à la puissance et à la présence de son art extraordinaire, Rower est également le petit-fils d'Alexander Calder.)

Holton Rower - Vue de l'installation à VENUS LA : The Idea is More Erotic Than the Act, 2016, peinture sur panneau de particules (à gauche), Victimless Crime Wave Reference, 2016, peinture sur panneau de particules (au centre), I Pray It Gives You Hope, 2016, peinture sur panneau de particules (à droite), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Comme les cubistes du début du XXe siècle, la photographe née à Washington, D.C. Hannah Whitaker a découvert des voies esthétiques passionnantes vers la quatrième dimension. Cela semble incroyable, mais ses photographies sont réalisées de la manière traditionnelle : avec rien d'autre qu'un appareil photo. En contrôlant stratégiquement quelle partie du négatif devient exposée, elle construit des images pièce par pièce, prenant parfois plusieurs jours pour exposer complètement un seul négatif. Les images résultantes capturent la réalité telle qu'elle s'est déroulée au fil du temps tout en se déplaçant dans l'espace. En combinant ce dynamisme à quatre dimensions avec une imagerie abstraite formelle, Whitaker a abouti à une proposition esthétique unique, qui fait avancer la photographie tout en déclarant également la valeur intemporelle de ses fondamentaux.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, impression pigmentaire d'archives (à gauche) et Broadside 1, 2014, impression pigmentaire d'archives (à droite), © Hannah Whitaker

Ben Parker

L'artiste d'origami abstrait Ben Parker se concentre sur les actes de découverte et d'expérimentation. Pour certains, le frisson de l’art ancien de l’origami est de pouvoir voir la figure d’un animal, d’une plante ou d’un bâtiment émerger des plis complexes d’une seule feuille de papier. Pour d’autres, l’attrait de l’origami réside dans son potentiel de découverte scientifique, car il semble exprimer les fondements mêmes de l’univers physique. Mais pour Parker, le plus passionnant est de découvrir comment utiliser les techniques de pliage géométrique de l'origami pour provoquer des formes abstraites. Ses compositions complexes créent l'espace tout en l'occupant. Ils sont à la fois substantiels et éthérés. Ils semblent provenir de rien et leur signification est incertaine. Qu’ils soient beaux est indéniable ; et pour de nombreux téléspectateurs, ils sont aussi indéniablement profonds.

Ben Parker - Breached Containment, 2016, feuille de papier unique, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

Le travail de l'artiste Ashleigh Bartlett, née à Calgary, est fondé sur des actes de détachement et de construction. Ses peintures-collages explorent des compositions abstraites de couleurs et de formes construites à partir de couches de toile, de papier et de peinture. Ses œuvres découpées réalisent des présences sculpturales, assemblées à partir des mêmes matériaux que ses peintures-collages mais dépourvues de support de surface. Tel que présenté par Bartlett dans ces œuvres, démonter les choses et les réassembler peut être lu à la fois comme des actions qui révèlent et comme des actions qui dissimulent.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, toile, papier et acrylique sur toile (à gauche) et Snaggle, huile sur panneau, 2011 (à droite), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

L'artiste multidisciplinaire Pello Artist est né en 1963 sur le territoire basque d'Andoain, Gipuzkoa. Son travail est à l'avant-garde de l'investigation esthétique contemporaine sur la manière dont les objets négocient avec l'espace. Ses installations comprennent fréquemment des peintures murales peintes directement sur les murs de l'espace d'exposition. Ces peintures murales parlent d'une conversation formelle avec ses objets construits, démontrant la façon dont les couleurs, les lignes et les formes se transforment en formes. Irazu s'intéresse particulièrement à la discussion en cours sur la manière dont les spectateurs interagissent avec les objets esthétiques et sur la manière dont ils perçoivent leur relation avec les espaces habités par ces objets.

Pello Irazu - Noli me tangere (méfiance) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009, Pièces et vis en aluminium moulé et soudé (à gauche), et Room Under, 1995, Contreplaqué, peinture vinylique, ruban adhésif et sérigraphie sur miroir (à droite), tous deux issus de la collection de l'artiste, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

L'artiste iranien Ramin Shirdel s'appuie sur son expérience en architecture pour créer des œuvres d'art architectoniques et optiquement éblouissantes. Ses peintures sculpturales réagissent aux conditions de lumière changeantes, projetant des ombres qui modifient la perception de leurs formes illusoires. Cachés dans les œuvres se trouvent des mots poétiques en farsi avec des significations telles que l'amour, la vérité, l'étreinte, la vague et le chef-d'œuvre. Les qualités concrètes et formelles des pièces offrent quelque chose d'esthétiquement objectif, tandis que l'état éphémère de l'image sous-tend les significations subjectives véhiculées par les mots.

Ramin Shirdel - Aroos (Bride), 2013, Technique mixte sur planche de bois, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

À toutes fins pratiques, le médium de l’artiste Afruz Amighi, basé à Brooklyn, est le métal. Elle crée des structures élaborées et délicates qui ressemblent aux flèches des cathédrales, aux pinacles des minarets ou aux pointes du sommet d'une couronne. Mais son médium caché est la lumière. Lorsque ses créations sont frappées par la lumière, elles prennent vie, attirant le regard sur les paillettes éphémères sur leurs surfaces tout en projetant simultanément des réseaux d'ombres dramatiques et complexes sur les surfaces environnantes. L'œuvre parle poétiquement de ce qui est rendu visible et de ce qui reste caché lorsque tout est illuminé.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, vue d'installation, métal, chaîne, lumière, © Afruz Amighi

Place Artie

L'artiste new-yorkais Artie Vierkant donne une voix esthétique aux idées d'auteur et de contrôle. Sa série en cours intitulée Image Objects implique que l'artiste extrait des images d'Internet, les modifie dans Photoshop puis les utilise comme éléments de surface pour des objets abstraits qu'il construit. Il est cependant difficile de trouver des photographies en ligne de ses objets d'image finis, car Vierkant modifie également ses photos d'exposition dans Photoshop, appelant ces images de nouvelles œuvres à part entière. Qui possède les images sources originales, et pourrait donc revendiquer la propriété de ses objets d'image altérés ou des images d'exposition dépend de la manière dont on considère la propriété intellectuelle. Un point que Vierkant semble également soulever est que la seule vérité de l'œuvre réside dans sa présence physique : regarder des images d'art en ligne n'est pas la même chose que de voir l'art en personne. En plus de ses Image Objects, Vierkant a également commencé à travailler avec des graines Monsanto broyées comme moyen artistique. Mais une question que cela, et vraiment tout son travail, soulève est de savoir combien d'importance les spectateurs devraient accorder à l'histoire des matériaux sources utilisés dans une œuvre d'art. Est-ce que cela a de l'importance ? Ou la présence esthétique de l'objet d'art lui-même est-elle la seule chose importante ? Les conversations quasi-philosophiques ont-elles quelque chose à voir avec l'art ? Font-elles partie de l'art ? Vierkant fait de son mieux pour poser ces questions de manière esthétiquement intéressante.

Artie Vierkant - Vue d'installation retouchée (à gauche) et constructions d'expression végétale 2, Soybean MON89788, TO, Exploit (à droite), © Artie Vierkant

MadC

Claudia Walde, ancienne graffeuse adolescente, également connue sous le nom de MadC, transforme la façon dont le monde des beaux-arts interagit avec les artistes de rue. MadC est titulaire de deux diplômes en design graphique et est l'auteur de nombreux livres. Elle est également mondialement connue en tant que muraliste, un domaine dans lequel elle a développé une position esthétique distincte et visuellement époustouflante. Elle a récemment commencé à faire évoluer son langage visuel vers une forme qui se traduit par des espaces d'exposition intérieurs formels. Elle a créé des installations époustouflantes et a également organisé des expositions de ses toiles, créées avec des couches de peinture en aérosol transparentes qui laissent transparaître les couches sous-jacentes. Elle a même traduit son travail sur des objets de mode, comme des chaussures.

MadC - Home Sweet Home, 2016, installation, © MadC

Image présentée : Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, Acrylique, huile et collage sur papier marouflé sur toile, crédits photo Ameringer McEnery Yohe, New York
Par Phillip Barcio