De jeunes artistes abstraits à surveiller

En introduction à ces portraits de dix artistes abstraits émergents que nous pensons mériter votre attention, mon éditeur m’a demandé de commenter un peu l’état de l’art abstrait contemporain. Cette demande apparemment simple a fait tourner mon esprit pendant plusieurs jours. J’écris sur l’art contemporain depuis neuf ans, et me concentre spécifiquement sur l’art abstrait depuis plus d’un an et demi. Pourtant, lorsqu’on me demande d’évaluer son état, je ne sais pas exactement quoi dire. Nous vivons une époque d’anxiété extrême pour quiconque suit les événements mondiaux. Et les artistes vivent dans le même monde que tout le monde, il n’est donc pas surprenant qu’ils soient aussi affectés par cette anxiété. Une multitude de forces s’activent pour écrire l’avenir de cette planète, et il semble souvent que peu de ceux qui ont le pouvoir d’agir s’accordent sur la direction que doit prendre la civilisation. Mais à mon avis, les artistes abstraits sont particulièrement bien placés pour influencer notre chemin. Ce sont nos poètes visuels. Leur œuvre peut transcender les barrières de la langue, de la culture, de la nationalité, du genre, de la race et de l’économie. Je partage l’avis d’artistes comme Marcel Duchamp, qui croient que les spectateurs complètent les œuvres d’art en les expérimentant. Les artistes sont responsables de créer des propositions esthétiques, mais c’est à nous de décider ce qui se passe ensuite. Nous pouvons choisir d’être ouverts à de nouvelles façons de voir. Nous pouvons choisir ce qui a du sens, et ce que ce sens sera. Pour nous guider sur ce chemin, les artistes abstraits contemporains disposent de tous les mêmes outils que les scientifiques, soldats, magnats et politiciens contemporains. Ce qu’ils feront de ces outils est la question qu’ils affrontent chaque jour. J’espère continuellement qu’ils me surprendront. Les dix artistes abstraits que nous avons choisis de mettre en lumière aujourd’hui travaillent dans une variété de médiums et de formats, et créent des œuvres pour de nombreuses raisons différentes. Leur diversité reflète les innombrables chemins différents que chacun de nous est libre de prendre dans ce monde contemporain. À mon humble avis, ils prouvent que l’état de l’art abstrait aujourd’hui est aussi vivant qu’il ne l’a jamais été, et aussi capable que jamais de produire des œuvres qui sont significatives, importantes, influentes et inattendues.

Iva Gueorguieva

Née à Sofia, en Bulgarie, en 1974, Iva Gueorguieva a obtenu son diplôme de maîtrise en beaux-arts à la Tyler School of Art de Philadelphie, et vit et travaille actuellement à Los Angeles, Californie. Sa vision esthétique est particulièrement adaptée à l’environnement urbain. Elle implique des pièces disparates qui se rassemblent pour participer à la création d’un tout nouveau. Gueorguieva travaille dans divers médias, mais se concentre surtout sur la peinture et la sculpture. Ses peintures combinent des éléments de collage avec une intervention picturale directe pour créer des images qui transmettent complexité, mouvement et un certain chaos. Bien qu’essentiellement plates, elles paraissent dimensionnelles et encouragent le spectateur à être enveloppé par l’espace pictural. Comme ses peintures, ses sculptures sont également assemblées à partir d’une multitude de matériaux différents. Pour les créer, Gueorguieva rassemble des éléments de son environnement physique, tels que béton, métal, papier, plastique et peinture, de sorte que l’œuvre possède un sens du lieu de sa propre origine. Les formes abstraites ainsi assemblées résonnent puissamment avec quiconque connaît le lexique visuel d’un lieu urbain contemporain.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, bâton à l’huile sur toile, © Sofia Contemporary et Iva Gueorguieva (gauche) et Vanished Animal 5, 2015, lithographie, soapground, softground, hardground, pointe sèche, aquatinte spitbite, aquatinte waterbite, open bite sur tissu avec peinture à la main, peinture en spray et bâton à l’huile sur cadre en acier soudé avec panneaux en acier, armature, béton et argile époxy, photo gracieuseté ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (droite)

Holton Rower

Les œuvres de Holton Rower, né à New York, prennent forme par un processus d’accumulation progressive. Comme des couches de roche sédimentaire déposées par le temps, Rower verse méthodiquement des couches monochromes de peinture sur une surface, laissant chaque couche se solidifier avant d’en verser une autre par-dessus. Finalement, comme pour les montagnes, les couches s’accumulent en masses importantes. Puis, avec une lame, Rower accomplit la tâche des éléments naturels, sculptant une forme finale. Qu’elles soient présentées au mur ou au sol, ces pièces sont intrinsèquement sculpturales et indéniablement des peintures. Elles sont à la fois industrielles par nature et le fruit d’un travail physique ardu. Ce sont des objets formels de couleur, forme, volume et texture, mais aussi des déclarations poétiques sur l’humanité et son intervention continue avec la nature. (Oh, et ce n’est pas que cela ait un rapport avec la puissance et la présence de son art extraordinaire, mais Rower est aussi le petit-fils d’Alexander Calder.)

Holton Rower - Vue d’installation à VENUS LA : L’idée est plus érotique que l’acte, 2016, peinture sur panneau de particules (gauche), Victimless Crime Wave Reference, 2016, peinture sur panneau de particules (centre), I Pray It Gives You Hope, 2016, peinture sur panneau de particules (droite), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Comme les cubistes du début du XXe siècle, la photographe née à Washington, D.C., Hannah Whitaker a découvert des voies esthétiques passionnantes vers la quatrième dimension. Cela semble incroyable, mais ses photographies sont réalisées à l’ancienne : avec rien d’autre qu’un appareil photo. En contrôlant stratégiquement quelle partie du négatif est exposée, elle construit les images morceau par morceau, prenant parfois plusieurs jours pour exposer complètement un seul négatif. Les images résultantes capturent la réalité telle qu’elle s’est déroulée dans le temps tout en se déplaçant dans l’espace. En combinant ce dynamisme quadridimensionnel avec des images abstraites formelles, Whitaker a abouti à une proposition esthétique unique, qui fait avancer la photographie tout en affirmant la valeur intemporelle de ses fondamentaux.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, tirage pigmentaire d’archive (gauche), et Broadside 1, 2014, tirage pigmentaire d’archive (droite), © Hannah Whitaker

Ben Parker

L’artiste abstrait en origami Ben Parker se concentre sur les actes de découverte et d’expérimentation. Pour certains, le plaisir de l’art ancien de l’origami est de pouvoir voir la figure d’un animal, d’une plante ou d’un bâtiment émerger des plis complexes d’une seule feuille de papier. Pour d’autres, le plaisir de l’origami réside dans son potentiel de découverte scientifique, car il semble exprimer les fondements mêmes de l’univers physique. Mais pour Parker, le plaisir est de découvrir comment utiliser les techniques géométriques de pliage de l’origami pour provoquer des formes abstraites. Ses compositions complexes créent de l’espace tout en l’occupant. Elles sont à la fois substantielles et éthérées. Elles semblent surgir de rien, et leur signification est incertaine. Qu’elles soient belles est indéniable ; et pour beaucoup de spectateurs, elles sont aussi indéniablement profondes.

Ben Parker - Breached Containment, 2016, feuille de papier unique, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

Le travail de l’artiste née à Calgary Ashleigh Bartlett repose sur les actes de détachement et de construction. Ses peintures en collage explorent des compositions abstraites de couleur et de forme construites à partir de couches de toile, de papier et de peinture. Ses œuvres découpées atteignent une présence sculpturale, assemblées à partir des mêmes matériaux que ses peintures en collage mais sans support de surface. Présentées par Bartlett dans ces œuvres, démonter et réassembler peut être lu à la fois comme des actions qui révèlent et comme des actions qui dissimulent.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, toile, papier et acrylique sur toile (gauche) et Snaggle, huile sur panneau, 2011 (droite), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

L’artiste pluridisciplinaire Pello Irazu est né en 1963 dans le territoire basque d’Andoain, Gipuzkoa. Son travail est à la pointe de l’investigation esthétique contemporaine sur la manière dont les objets négocient avec l’espace. Ses installations incluent fréquemment des fresques peintes directement sur les murs de l’espace d’exposition. Ces fresques dialoguent formellement avec ses objets construits, démontrant comment les couleurs, lignes et formes se transforment en volumes. Ce qui intéresse particulièrement Irazu est la discussion continue sur la manière dont les spectateurs interagissent avec les objets esthétiques, et comment ils perçoivent leur relation avec les espaces que ces objets occupent.

Pello Irazu - Noli me tangere (méfiance) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009, pièces en aluminium moulé et soudé et vis (gauche), et Room Under, 1995, contreplaqué, peinture vinyle, ruban adhésif et sérigraphie sur miroir (droite), tous deux issus de la collection de l’artiste, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

L’artiste iranien Ramin Shirdel s’appuie sur sa formation en architecture pour créer des œuvres architectoniques et optiquement éblouissantes. Ses peintures sculpturales réagissent aux changements de lumière, projetant des ombres qui modifient la perception de leurs formes illusoires. Cachés dans les œuvres se trouvent des mots poétiques en farsi avec des significations telles que amour, vérité, étreinte, vague et chef-d’œuvre. Les qualités concrètes et formelles des pièces offrent quelque chose d’esthétiquement objectif, tandis que l’état éphémère de l’image sous-tend les significations subjectives véhiculées par les mots.

Ramin Shirdel - Aroos (Mariée), 2013, techniques mixtes sur planche de bois, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

Pour toutes fins pratiques, le médium de l’artiste basée à Brooklyn Afruz Amighi est le métal. Elle crée des structures élaborées et délicates qui ressemblent aux flèches des cathédrales, aux pinacles des minarets ou aux pointes d’une couronne. Mais son médium caché est la lumière. Lorsque ses créations sont frappées par la lumière, elles prennent vie, attirant le regard sur les scintillements éphémères de leurs surfaces tout en projetant simultanément des réseaux d’ombres dramatiques et complexes sur les surfaces environnantes. L’œuvre parle poétiquement de ce qui est rendu visible et de ce qui reste caché lorsque tout est illuminé.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, vue d’installation, métal, chaîne, lumière, © Afruz Amighi

Artie Vierkant

L’artiste new-yorkais Artie Vierkant donne une voix esthétique aux idées d’auteur et de contrôle. Sa série en cours intitulée Image Objects consiste à extraire des images d’Internet, à les modifier dans Photoshop puis à les utiliser comme éléments de surface pour des objets abstraits qu’il construit. Il est cependant difficile de trouver des photographies en ligne de ses objets image finis, car Vierkant modifie aussi ses photos d’exposition dans Photoshop, appelant ces images de nouvelles œuvres à part entière. La question de savoir qui possède les images sources originales, et donc pourrait revendiquer la propriété de ses objets image modifiés ou des images d’exposition, dépend de la manière dont on considère la propriété intellectuelle. Un point que Vierkant semble aussi soulever est que la seule vérité de l’œuvre réside dans sa présence physique : regarder des images d’art en ligne n’est pas la même chose que voir l’art en personne. En plus de ses Image Objects, Vierkant a aussi commencé à travailler avec des graines Monsanto broyées comme médium artistique. Mais une question que soulève cette œuvre, et en fait toute son œuvre, est de savoir quelle importance les spectateurs doivent accorder à l’histoire des matériaux sources utilisés dans une œuvre d’art. Est-ce que cela importe ? Ou la présence esthétique de l’objet d’art lui-même est-elle la seule chose importante ? Les conversations quasi-philosophiques ont-elles un rapport avec l’art ? En font-elles partie ? Vierkant fait de son mieux pour poser ces questions de manière esthétiquement intéressante.

Artie Vierkant - Vue d’installation retouchée (gauche), et Plant expression constructs 2, Soja MON89788, TO, Exploit (droite), © Artie Vierkant

MadC

L’ancienne graffeuse adolescente Claudia Walde, connue sous le nom de MadC, transforme la manière dont le monde des beaux-arts interagit avec les artistes de rue. MadC détient deux diplômes en graphisme et a écrit de nombreux livres. Elle est aussi mondialement reconnue comme muraliste, un domaine dans lequel elle a développé une position esthétique distincte et visuellement saisissante. Elle a récemment commencé à faire évoluer son langage visuel vers une forme qui se traduit dans des espaces d’exposition formels et intérieurs. Elle a créé des installations impressionnantes et a aussi tenu des expositions de ses toiles, réalisées avec des couches de peinture en spray transparentes laissant transparaître les couches sous-jacentes. Elle a même transposé son travail sur des objets de mode, comme des chaussures.

MadC - Home Sweet Home, 2016, installation, © MadC

Image en vedette : Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, acrylique, huile et collage sur papier monté sur toile, crédits photo Ameringer McEnery Yohe, New York
Par Phillip Barcio