जीन ले मोआल की कला पर एक नज़र

जीन ले मोआल 1930 के दशक के अंत में पेरिस में एक चित्रकार के रूप में परिपक्व हुए, ठीक उसी समय जब यूरोप अपनी सांस्कृतिक ऊंचाई पर था और साथ ही अराजकता में गिर रहा था। उनके पूरे करियर ने इस द्वंद्व के प्रतिध्वनियों को व्यक्त किया। उनकी कला संरचना का एक प्रमाण है, और अव्यवस्था की स्वीकृति भी। यहां तक कि उनकी सबसे प्रारंभिक पेंटिंग्स ने ले मोआल को एक मास्टर रंगकर्मी और एक विशेषज्ञ चित्रकार के रूप में परिभाषित किया। लेकिन हालांकि उनका प्रारंभिक काम जीवंत और ऊर्जावान था, यह बहुत मूल नहीं था। उन्होंने अपने अधिकांश विचार लूव्र में आधुनिक मास्टरों की नकल करके प्राप्त किए, और इसलिए उनकी अपरिपक्व शैली मूल रूप से फॉविस्ट रंग, क्यूबिस्ट संरचना, और स्यूरेलिस्ट विषय वस्तु का मिश्रण थी। हालांकि, ले मोआल उत्साही और साहसी थे, और उन्होंने निश्चय किया कि एक दिन वह अपनी अनूठी आवाज़ खोज लेंगे। उन्होंने विश्वास किया कि यह आवाज़ उन्हें आधुनिकता और अमूर्तता के मार्गों के माध्यम से आएगी। नई चीज़ों और प्रयोग के प्रति उनकी उत्सुकता ने उन्हें फ्रांसीसी अवांट-गार्डे के साथ लाकर खड़ा कर दिया, ठीक उसी समय जब नाज़ी यूरोप पर कब्जा कर रहे थे और जिसे वे "Degenerate Art" कहते थे, उसकी निंदा कर रहे थे। ले मोआल उन कई फ्रांसीसी कलाकारों में से एक थे जिन्होंने इस सेंसरशिप के खिलाफ खड़े हुए। नाज़ी कब्जे के दौरान, वह एक समूह के संस्थापक सदस्य भी बने जिसे सैलोन डे मई (The May Salon) कहा जाता था। ले मोआल के अलावा, इस प्रभावशाली सामूहिक में कला आलोचक गैस्टन डिएल, साथ ही कलाकार जैसे हेनरी-जॉर्ज एडम, रॉबर्ट काउटूरियर, जैक्स डेस्पियरे, फ्रांसिस ग्रुबर, अल्फ्रेड मानेसियर, और गुस्ताव सिंगियर, अन्य शामिल थे। सैलोन डे मई एक कैफे में बना, और कैफे की सीटों से समूह ने कई वर्षों के दौरान एक श्रृंखला की प्रदर्शनी का आयोजन किया जो उनके कब्जाधारियों को सीधे चुनौती देती थी। सैलोन डे मई एक अंधेरे समय के दौरान प्रकाश की एक किरण बन गया, और यह सुनिश्चित करने में मदद की कि फ्रांसीसी कला युद्ध के बाद भी जीवित रहेगी। यह शायद कहना बहुत है कि ले मोआल और उनके साथियों ने कला में अपने विश्वास को एक धर्म के स्तर तक ले लिया। हालाँकि, जब युद्ध समाप्त हुआ, तो ले मोआल वास्तव में इस विचार के प्रति काफी समर्पित हो गए कि कला एक विशिष्ट आध्यात्मिक क्षेत्र में निवास करती है। एक पारलौकिक दृश्य आवाज़ बनाने के प्रयास में, उन्होंने पूरी तरह से अमूर्तता को समर्पित कर दिया, और अंततः रंग और प्रकाश की रहस्यमय शक्ति को चैनल करने में सफल रहे।

आर्किटेक्चरल इन्फ्लुएंसेस

ले मोआल का जन्म 1909 में ऑथन-डे-परचे में हुआ था। उनके पिता एक सिविल इंजीनियर थे जिन्होंने युवा अवस्था में ले मोआल को इंजीनियरिंग और आर्किटेक्चर के क्षेत्रों को अपनाने के लिए प्रोत्साहित किया। ले मोआल ने स्कूल में एक मूर्तिकार बनने के लिए अध्ययन किया और निम्न राहतों में विशेषज्ञता हासिल की। 17 वर्ष की आयु में, उन्होंने ल्यों में आर्किटेक्चर के छात्र के रूप में ब्यूक्स-आर्ट्स स्कूल में दाखिला लिया। उन्हें अंततः अपने पहले कैनवस पेंट करने में दो और वर्ष लग गए। वे पहले के चित्र प्रकृति से प्रेरित चित्रात्मक कार्य थे। और यहां तक कि 1930 के दशक के मध्य में, जब ले मोआल ने स्यूरेलिज़्म और क्यूबिज़्म जैसे आधुनिकतावादी शैलियों का अन्वेषण करना शुरू किया, उनके चित्रों में आर्किटेक्टोनिक प्रभाव दिखाई देते थे। "बैठा हुआ चरित्र" (1936) और "फ्लोरा" (1938) जैसे कार्य संरचना और पारंपरिक गणनात्मक सामंजस्य के प्रति एक मजबूत आकर्षण प्रकट करते हैं। अपने कला में स्थान को संभालने की उनकी समझ ने उन्हें एक कलाकार के रूप में उनके पहले सफलताओं में से एक की ओर भी ले जाया, जब 1939 में ले मोआल को न्यूयॉर्क में अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनी में फ्रेंच पवेलियन की छत पर भित्तिचित्र बनाने के लिए चुना गया।

जीन ले मोआल - बार्क 1947। कैनवास पर तेल। 81 x 117 सेमी। निजी संग्रह, स्विट्ज़रलैंड। © सभी अधिकार सुरक्षित / ADAGP, पेरिस, 2018।

1940 के दशक तक, ले मोआल ने चित्रण से अलग होने का साहस पाया, लेकिन वह अभी भी रेखीय संरचना के प्रति जुनूनी रहे। अपने पहले के अमूर्त कार्यों में, उन्होंने रंग और रेखा के तत्वों को इस तरह अलग किया कि काम उन कलाकारों की तरह लगने लगा जैसे पीट मॉंड्रियन और थियो वान डॉस्बर्ग। 1950 के दशक तक ले मोआल ने अंततः अपनी एक विधि खोजी, पूरी तरह से संरचना से मुक्त होकर और एक अधिक गीतात्मक शैली को अपनाकर। "स्प्रिंग" (1957) और "फ्लोरा" (1960) जैसे चित्र टैचिज़्म के शानदार उदाहरण हैं, और यहां तक कि यह भी संकेत देते हैं कि ले मोआल आध्यात्मिक क्षेत्र में प्रगति कर रहे थे। इन चित्रों को बनाने के लिए, उन्होंने कहा कि उन्होंने चीजों को बंद करने की आवश्यकता से मुक्त हो गए। विडंबना यह है कि 1956 में, जब वह इन क्रांतिकारी कार्यों को बना रहे थे, वह चर्चों के लिए रंगीन कांच की खिड़कियां बनाने के लिए एक नए करियर की शुरुआत करके वास्तुकला में रुचि की ओर वापस लौट रहे थे।

जीन ले मोआल - परिदृश्य, फार्म, 1943। कैनवास पर तेल। 24 x 35 सेमी। क्विंपर कला संग्रहालय। © ADAGP पेरिस 2018

प्रार्थना के रूप में कला

ले मोआन के लिए यह कहना मुश्किल है कि पहले क्या आया - रंगीन कांच की खिड़कियाँ या ऐसी पेंटिंग जो रंगीन कांच की तरह दिखती हैं। किसी भी तरह से, उनकी रंगीन कांच की पेंटिंग्स में रंगीन किरणों का प्रभाव है जो अंतरिक्ष में तैरते हुए चटकते रूपों के माध्यम से चमकती हैं। उनकी रंगीन कांच की पेंटिंग्स के सबसे प्रतिष्ठित उदाहरणों में से एक है "लेस आर्बेस" (1954)। इसका अनुवाद "पेड़" है, और वास्तव में यह पेंटिंग एक पेड़ की शाखाओं के दृश्य का संकेत देती है जिसने अपने पत्ते खो दिए हैं। शानदार, रंगीन प्रकाश रेखाओं के बीच के स्थानों को भरता है, जीवंत, चमकदार, नारंगी और पीले रूपों का एक समुद्र बनाता है। एग्नेस मार्टिन की तरह, ले मोआल ने भी त्रिकोणों में एक अंतर्निहित पवित्रता देखी होगी, और उन्होंने "लेस आर्बेस" जैसी पेंटिंग्स में रेखाओं और रंगों के माध्यम से इसे पकड़ने का प्रयास किया।

जीन ले मोआल - ल'ओशान, 1958-1959। कैनवास पर तेल। 1.62 x 1.14 मी। क्वींपर कला संग्रहालय में आधुनिक कला के राष्ट्रीय संग्रहालय का डिपो। © ADAGP पेरिस 2018

हालांकि, मार्टिन के विपरीत, जो स्पष्ट रूप से धार्मिक नहीं थे, ले मोआल अपने विश्वासों के बारे में काफी खुले थे। वह एक ईसाई थे, और उनकी रंगीन कांच की खिड़कियाँ ईसाई चर्चों में स्थापित की गई थीं। वह यह भी आशा करते थे कि ये केवल धार्मिक लोगों को ही नहीं, बल्कि अन्य लोगों को भी आकर्षित करेंगी। उन्होंने ऐसे स्थान बनाने की इच्छा व्यक्त की जहाँ लोग प्रार्थना कर सकें, लेकिन जहाँ वे लोग भी शांति और मौन पा सकें जो प्रार्थना नहीं करते। उनके रंगीन कांच की खिड़कियों का अभ्यास ले मोआल को एक कलाकार के रूप में असाधारण रूप से प्रभावित करता था। उनकी खिड़कियों के फ्रेम चर्चों की वास्तुकला के अनुसार अत्यधिक संरचित हैं जहाँ उन्हें स्थापित किया गया है। लेकिन संरचनाओं के भीतर की रचनाएँ गीतात्मक और इशारों में हैं, और अत्यधिक अमूर्त हैं। एक ही समय में, "समर लाइट" (1984-1986) जैसे चित्र दिखाते हैं कि कैसे उनका परिपक्व शैली 1970 और 80 के दशक में इतनी ढीली और अमूर्त हो गई कि उनके चित्र टाई-डाई शर्टों के समान हो गए, जिसमें रंगों के घूमते, मनोवैज्ञानिक क्षेत्रों का प्रवाह एक-दूसरे में मिल रहा था और भ्रांतिपूर्ण, पारलौकिक क्षेत्रों के साथ मिश्रित हो रहा था। अपने जीवन के अंत तक, ले मोआल एक ऐसे कलाकार के रूप में पूर्ण चक्र में आ गए थे जो संरचना और स्वतंत्रता के बीच के सूक्ष्म संतुलन को एक साथ और पूरी तरह से व्यक्त कर सकते थे, और प्रकाश की अदृश्य वास्तुकला को पकड़ सकते थे।

विशेष छवि: जीन ले मोआल- मछली, 1952। लिथोग्राफ। रचना: 11 3/4 x 19 11/16" (29.9 x 50 सेमी); शीट: 14 15/16 x 22 7/16" (38 x 57 सेमी)। गिल्डे डे ला ग्रेव्यूर। लैरी आल्ड्रिच फंड। मोमा संग्रह।
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
द्वारा फिलिप Barcio