सोनीया डेलौने का क्यूबिज़्म और रंगों की खोज
सोनिया डेलौने की पेशेवर उपलब्धियों के बारे में बहुत कुछ लिखा जा सकता है, और लिखा गया है। वह 20वीं सदी की सबसे प्रभावशाली कलाकारों में से एक थीं। अपने 20 के दशक में, उनके दृष्टिकोण ने उन्हें आधुनिकतावादियों में से एक बना दिया। अपने 30 के दशक में, उन्होंने अपने स्टूडियो के काम को Gesamtkunstwerk या कुल कलाकृति के रूप में बदल दिया, जो बौहॉस के आदर्श को दो साल पहले प्रदर्शित करता है जब बौहॉस अस्तित्व में आया था। उन्होंने अपने जीवन के दौरान एक अनूठा और प्रभावशाली चित्रों का संग्रह बनाया, लगातार काम करते रहे जब तक कि उनकी 94 वर्ष की आयु में मृत्यु से ठीक पहले तक। और चित्रकला के अलावा, उन्होंने फैशन, थिएटर, फिल्म, प्रकाशन में भी काम किया और सभी प्रकार की डिज़ाइन गतिविधियों में संलग्न रहीं। 79 वर्ष की आयु में, वह लूव्र में एक रेट्रोस्पेक्टिव प्रदर्शनी करने वाली केवल दूसरी जीवित कलाकार बनीं, और इस मील के पत्थर को हासिल करने वाली पहली महिला कलाकार। यह भी आसानी से कहा जा सकता है कि सोनिया डेलौने पहली कलाकार थीं जिन्होंने प्रभावी रूप से अपनी पहचान को एक ब्रांड में बदल दिया, इस शब्द के समकालीन संदर्भ में। लेकिन केवल इन बाहरी उपलब्धियों पर ध्यान केंद्रित करना यह संकेत देगा कि यह उनकी लक्ष्य हमेशा से ऐसा करना था। लेकिन वास्तव में, डेलौने का ऐसा कोई इरादा नहीं था। उनके केवल लक्ष्य ईमानदारी से रंग, रूप और संरचना का अन्वेषण करना और अपनी कला के माध्यम से दुनिया के बाकी हिस्सों को उस अज्ञात सार का खुलासा करना था जो वह अपने भीतर खोज रही थीं।
सोनीया डेलौने बनना
सोनीया डेलौने के प्रारंभिक जीवन की कहानी किसी भी माता-पिता के साथ गूंज सकती है। अवसर को बनाना या उसे पकड़ने में असफल होना कितना आसान है, और परिस्थितियों में सबसे छोटे बदलाव से एक बच्चे की सफलता के अवसरों पर कितना गहरा प्रभाव पड़ सकता है। सोनीया डेलौने का जन्म सारा इलिनिचना स्टर्न के नाम से एक श्रमिक वर्ग के परिवार में हुआ, जो अब यूक्रेन है। उसके गृहनगर में उसके अवसर गंभीर रूप से सीमित थे, लेकिन उसके पास सेंट पीटर्सबर्ग में एक अमीर चाचा और चाची थे, जिनका नाम हेनरी और अन्ना टर्क था। टर्क के अपने बच्चे नहीं थे, और उन्होंने सारा को उसके संघर्षरत माता-पिता से गोद लेने का अनुरोध किया। उसकी माँ ने शुरू में इसका विरोध किया। लेकिन जब सारा पांच साल की थी, तो उसकी माँ अंततः मान गई, और उसे अपने चाचा और चाची के साथ स्थायी रूप से सेंट पीटर्सबर्ग जाने की अनुमति दी।
जब वह सेंट पीटर्सबर्ग पहुँची, तो सारा ने अपना नाम सोनिया टर्क रख लिया। उसके नए नाम के साथ नए अनुभवों और अधिक विविध संभावनाओं का एक नया सेट आया। अपने चाचा-चाची के साथ जीवन में विश्व यात्रा, बेहतरीन शिक्षा, और नियमित रूप से संग्रहालयों और पुस्तकालयों की यात्राएँ शामिल थीं। वह घर पर कला की किताबें पढ़ने में सक्षम थी और विभिन्न विषयों पर बौद्धिक चर्चाओं में भाग लेती थी। 16 वर्ष की आयु तक उसने एक कलाकार बनने में रुचि विकसित कर ली थी। टर्क्स ने उसकी रुचि को प्रोत्साहित किया, और 18 वर्ष की आयु में उसे कला अध्ययन के लिए जर्मनी भेजा। दो साल बाद, 1905 में, वह फिर से चली गई, इस बार पेरिस, जो यूरोप में अवांट-गार्ड कला का केंद्र था।
1913 में सोफिया डेलौने द्वारा बंधी और चित्रित आधुनिकतावादी कवि ब्लेज़ सेंड्रार्स की एक किताब
रंग की खोज
पेरिस में, सोनिया डेलौने ने स्कूल में कला का अध्ययन जारी रखा, लेकिन उनके शिक्षकों के साथ का अनुभव उनके स्वभाव के लिए बहुत अकादमिक और औपचारिक था। उन्होंने पाया कि उन्हें गैलरियों में, जो प्रयोगात्मक यूरोपीय कलाकारों जैसे कि पोस्ट-इम्प्रेशनिस्टों का काम दिखाती थीं, बहुत अधिक प्रेरणा मिलती थी। वह पेरिस में एकदम सही समय पर आई थीं। वह क्यूबिज़्म के उदय के समय, जब ज्यामितीय सतहों को चार-आयामी वास्तविकता को व्यक्त करने के प्रयास में पहली बार अपनाया गया था, अग्रणी समुदाय के दिल में थीं। और वह तब थीं जब फ्यूचरिस्ट घोषणापत्र पहली बार फ्रांसीसी समाचार पत्रों में प्रकाशित हुआ, जिसने कलात्मक बातचीत में गति के विचार को प्रमुखता दी। और फॉविस्ट, जो जब वह शहर में आईं तब अपने प्रभाव के चरम पर थे, ने उन्हें गहराई से प्रेरित किया। वह इस बात से गहराई से प्रभावित हुईं कि उनकी आँखें कैसे देखती थीं, और उनके भावनाएँ उनके शानदार और चमकीले रंगों के बीच के संबंधों का अनुभव करती थीं।
"पेरिस आने के बाद सोनिया डेलौने द्वारा बनाई गई प्रारंभिक पेंटिंग्स ने इन अन्य आंदोलनों के कई विचारों की चित्रात्मक रूप में खोज की। लेकिन वह कुछ और की तलाश में थीं। विशेष रूप से, वह रंग के तत्व की खोज एक स्वतंत्र मूल्य के रूप में करना चाहती थीं। लेकिन वह सहज और स्वतंत्र भी होना चाहती थीं। उन्हें अपने समकालीनों द्वारा आदान-प्रदान की जा रही शैक्षणिक सिद्धांतों में बहुत रुचि नहीं थी, जिन्हें उन्होंने एक बार कहा, "बहुत जटिल। मैं प्रकृति और जीवन के करीब हूं।" उन्होंने एक बार, अपने जीवन के अंत के करीब कहा। "मैं अपने भीतर कुछ खोज रही थी और धीरे-धीरे यह अमूर्त पेंटिंग बन गई।"
सोनीया डेलौने - पीला नग्न, 1908। नांट्स का म्यूज़े डेस ब्यू-आर्ट्स, नांट्स। © प्राकुसा 2014083
अमूर्तता की खोज
सोनिया डेलौने को अंततः गैर-वस्तुवादी चित्रकला को पूरी तरह से अपनाने के लिए जो महत्वपूर्ण मोड़ मिला, वह एक सबसे अप्रत्याशित तरीके से आया। जैसे उसने अपने गृहनगर से सेंट पीटर्सबर्ग के लिए प्रस्थान किया, यह एक साहसी विकल्प से उत्पन्न हुआ जिसे उसने अपनी किस्मत बनाने के लिए चुना। जब वह पहली बार पेरिस पहुंची, तो उसने एक गैलरी के मालिक और लेखक विल्हेम उहडे से दोस्ती की, जो प्रमुख अग्रणी कलाकारों को प्रदर्शित करते थे। वह और वह आत्मीय आत्मा थे, जैसा कि उसने कहा, "दोनों कुछ अमूर्त की खोज में थे।" उन्होंने शादी की, न कि रोमांटिक आकर्षण के कारण, बल्कि इसलिए कि यह व्यवस्था दोनों के लिए व्यावहारिक लाभ प्रदान करती थी। सोनिया के लिए, यह उसे अपनी जन्म मां से मिल रही उस दबाव से मुक्त कर दिया कि वह एक कलाकार के रूप में अपने करियर को छोड़ दे।
फिर एक रात गैलरी में, एक साल से भी कम समय बाद, सोनिया ने एक विचारशील, जुनूनी युवा कलाकार रॉबर्ट डेलौने से मुलाकात की। दोनों के बीच तुरंत एक संबंध बन गया और वे प्यार में पड़ गए। सोनिया ने उहडे से तलाक की मांग की, जिसे उन्होंने मित्रवत रूप से मंजूर कर दिया, और अगले वर्ष रॉबर्ट से शादी कर ली। जब उनके पहले बच्चे का जन्म हुआ, सोनिया ने अपने घर की रूसी लोक कला परंपराओं के आधार पर तकनीकों का उपयोग करके बच्चे के लिए एक कंबल हाथ से बनाया। जब कंबल पूरा हुआ, तो उसने उसमें वह प्रेरणा देखी जिसे वह खोज रही थी। आकृतियाँ उसे क्यूबिस्ट सतहों की याद दिलाती थीं, लेकिन रूपों के बीच के रंग संबंधों ने पूरी रचना को जीवंत कर दिया। वह कंबल जो सोनिया डेलौने ने अपने बच्चे के लिए अपनी प्रवृत्ति से बनाया, उसके सभी भविष्य के अवास्तविक काम का आधार बन गया।
सोनीया डेलौने द्वारा 1911 में अपने बच्चे के लिए बनाई गई रजाई, जो अब पेरिस, फ्रांस में नेशनल म्यूजियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट के संग्रह का हिस्सा है।
ऑर्फ़िक क्यूबिज़्म
पेरिस में शाम को, सोनिया डेलौने और उनके पति रॉबर्ट डेलौने शहर में एक साथ चलते और कला के बारे में बात करते। अपनी सैर के दौरान वे उन इलेक्ट्रिक लाइट्स पर आश्चर्य करते जो तब स्थापित की जा रही थीं। वे इस बारे में चर्चा करते कि कैसे शहर के रंगों पर सिंथेटिक लाइट का प्रभाव पड़ता है, और लाइट द्वारा बनाए गए रूपों और पैटर्नों का आनंद लेते। जब वे अपनी सैर से घर लौटते, तो प्रत्येक अपने अनुभव को कैनवास पर उतारने का प्रयास करता, सोनिया द्वारा बनाए गए क्विल्ट से प्रेरित अमूर्त रंग और रूप की भाषा का उपयोग करते।
उन्होंने अपनी अनूठी दृश्य दृष्टिकोण को simultanéisme कहा। यह शब्द रंगों और रूपों के बीच के संबंध और उनकी रचनाओं में कई वास्तविकताओं के समवर्ती अस्तित्व का संदर्भ था। जब सोनिया और रॉबर्ट ने इन चित्रों का प्रदर्शन किया, तो उनके मित्र, कला आलोचक गिलौम अपोलिनायर ने उनके नए शैली को Orphic Cubism, या Orphism नाम दिया। हालांकि संदर्भ कभी पूरी तरह से स्पष्ट नहीं किया गया, यह शब्द पौराणिक ग्रीक संगीतकार और कवि ओर्फियस से संबंधित है, जिसकी प्रसिद्ध संगीत को सभी जीवों और वस्तुओं को आकर्षित करने की क्षमता रखी जाती थी।
सोनीया डेलौने - रिदम, 1938। कैनवास पर तेल। 182 x 149 सेमी। राष्ट्रीय आधुनिक कला संग्रहालय, पेरिस, फ्रांस
रंगों की कविता
हालांकि ओर्फियस का संदर्भ सोनिया डेलौने के काम के लिए उपयुक्त लगता है, क्यूबिज़्म की तुलना गलत है। क्यूबिज़्म उतना ही शैक्षणिक था जितना कि यह सौंदर्यात्मक था। जबकि रॉबर्ट डेलौने एक उत्साही सिद्धांतकार और विश्लेषक थे, सोनिया ने सहजता से काम करना पसंद किया और अन्वेषण और प्रयोग पर जोर दिया। इस द्वंद्व के बारे में, उन्होंने एक बार कहा, "वह बात करते थे, लेकिन मैंने महसूस किया।" हालांकि सोनिया ने क्यूबिस्टों की तरह रूपों की एक भाषा का उपयोग किया, उनके साथ कोई बौद्धिक लक्ष्य साझा नहीं थे। उनके रूप केवल रंगों के लिए पात्र थे। "यदि वहाँ ज्यामितीय रूप हैं," उन्होंने एक बार सोरबोन में बोलते हुए समझाया, "तो इसका कारण यह है कि ये सरल और प्रबंधनीय तत्व रंगों के वितरण के लिए उपयुक्त प्रतीत हुए हैं जिनके संबंध हमारे खोज का वास्तविक उद्देश्य बनाते हैं।"
सोनीया अक्सर चित्रकला की तुलना कविता से करती थीं। सोनीया डेलौने ने खुद को रंगों के संयोजनों की खोज में देखा जो संभावित व्याख्याओं की एक बहुलता को उजागर कर सकें, और समकालिक अर्थों का निर्माण कर सकें। उनके लिए अपने कलात्मक कार्यों को डिज़ाइन की दुनिया में विस्तारित करना स्वाभाविक था क्योंकि, जैसा कि उन्होंने अनुभव किया, कला और जीवन के बीच कोई विभाजन नहीं था। चाहे उनकी रचनाएँ एक कार के किनारे, एक फर कोट पर, एक नाटक के लिए वेशभूषा पर या एक कैनवास की सतह पर हों, उन्होंने कोई अंतर नहीं देखा। उन्होंने विश्वास किया कि, "रंग शब्द हैं, उनके संबंध लय हैं," और कि जिस भी क्षमता में उन्होंने उन्हें एक साथ लाने का निर्णय लिया, वे उनके प्रयास के माध्यम से "एक पूर्ण कविता" बन गए।
सोनिया डेलौने - ग्रांडे हेलिसे रूज, लगभग 1970। लिथोग्राफ। 72.5 x 88.5 सेमी। (28.5 x 34.8 इंच)
विशेष छवि: सोनिया डेलौने - सिंकोपेटेड रिदम, जिसे द ब्लैक स्नेक (विवरण), 1967 कहा जाता है
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
