लेख: कैसे एड राइनहार्ट ने हमें आधुनिक कला को देखने के लिए सिखाया

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How Ad Reinhardt Taught Us to Look at Modern Art - Ideelart

21 सित॰ 2016

कैसे एड राइनहार्ट ने हमें आधुनिक कला को देखने के लिए सिखाया

शुद्धतावादी होना क्या मतलब है? क्या यह संकीर्ण सोच वाला होना है? या क्या शुद्धता की खोज स्वाभाविक रूप से महान होती है, जैसे पूर्णता की खोज? अमेरिकी अमूर्त कलाकार Ad Reinhardt के लिए, शुद्धता उत्कृष्ट कला के लिए आवश्यक थी। अपने 1953 के निबंध, “Twelve Rules for a New Academy,” में, Reinhardt ने उत्कृष्ट कला को “कला जो सभी अन्य-कलात्मक अर्थों से खाली और शुद्ध हो।” के रूप में परिभाषित किया। उन्होंने आगे समझाया, “जितने अधिक उपयोग, संबंध और “जोड़” एक चित्र में होंगे, वह उतना ही कम शुद्ध होगा। जितना अधिक सामान उसमें होगा, उतना ही व्यस्त कला का कार्य होगा, उतना ही खराब होगा। ‘अधिक का मतलब कम है’।” यह एक ऐसे चित्रकार से एक अजीब कथन लग सकता है जो अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों से जुड़ा था, वे कलाकार जो निश्चित रूप से अपने कैनवास पर अधिक डालते थे, कम नहीं। लेकिन यद्यपि Reinhardt ने अपने करियर की शुरुआत अभिव्यक्तिपूर्ण, गतिशील कैनवास पेंटिंग से की, उनकी शुद्धता की खोज ने समय के साथ उनके दृष्टिकोण को पूरी तरह बदल दिया। उन्होंने अपने करियर के दौरान अपनी पेंटिंग्स में सामग्री को इतना कम कर दिया कि अपने जीवन के अंतिम वर्षों में उन्होंने केवल काले रंग से ही चित्र बनाए। जब वे 1967 में मरे, तो वे अपनी कोशिशों की शुद्धता के प्रति इतने आश्वस्त थे कि उन्होंने घोषणा की कि उन्होंने आखिरी पेंटिंग्स बनाई हैं जो कभी भी आवश्यक थीं।

कला को उत्कृष्ट बनाना

शुद्धता की खोज शायद एक मठ के लिए अधिक उपयुक्त लगती है बजाय कला स्टूडियो के। लेकिन Ad Reinhardt उतने ही दार्शनिक थे जितने कलाकार। और उनके एक सबसे अच्छे मित्र वास्तव में एक मठ में साधु थे। Reinhardt नियमित रूप से उनसे पत्राचार करते थे, जीवन और कला की प्रकृति पर मनमोहक दृष्टिकोणों का आदान-प्रदान करते थे। स्नातक विद्यालय में Reinhardt ने कला इतिहास का अध्ययन किया, एक ऐसा विषय जिसमें वे अपनी पीढ़ी के शायद सबसे अधिक जानकार थे। शायद कला में शुद्धता के अंतिम रूप की खोज में उनकी रुचि बौद्धिक और आध्यात्मिक जिज्ञासा के साथ-साथ कला इतिहास की निरंतरता में अपनी प्रासंगिकता को परिभाषित करने की इच्छा से भी जुड़ी थी।

जब उन्होंने 1940 के दशक में न्यूयॉर्क में अपनी पेंटिंग्स पहली बार प्रदर्शित कीं, वे उस समय के प्रमुख उभरते हुए शैली, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के अनुरूप थीं। वे चित्रकारीपूर्ण, भावपूर्ण, जीवंत रंगों से भरी और अमूर्त चिह्नों से जीवंत थीं। एक दशक से भी कम समय बाद उन्होंने उन सभी चीजों से पूरी तरह इनकार कर दिया, एक कट्टर, लगभग हास्यास्पद रूप से विशिष्ट, अक्सर विरोधाभासी घोषणापत्र प्रकाशित किया जिसमें शुद्ध, आधुनिक पेंटिंग बनाने की सटीक विधि बताई गई: ऐसी पेंटिंग्स जो उनकी अपनी शुरुआती कृतियों से बिल्कुल अलग थीं। यदि यह विरोधाभास लगता है, तो Reinhardt के अपने प्रसिद्ध शब्द याद रखना मदद करता है: “कला बहुत गंभीर है जिसे गंभीरता से लिया जाए।”

Ad Reinhardt संग्रहालय प्रदर्शन

अग्रगामी कला का विघटन

Reinhardt के काम करने वाले सांस्कृतिक माहौल को समझने के लिए, आधुनिकता के इतिहास पर नजर डालना सहायक होता है। विश्व युद्ध II से पहले, लगभग सभी अग्रगामी कला आंदोलनों की उत्पत्ति अमेरिका के बाहर हुई थी। विश्व युद्ध II के बाद, अमेरिका ने सदी के कुछ सबसे प्रभावशाली आधुनिकतावादी आंदोलनों को जन्म दिया, जिनमें अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, न्यूनतावाद और पश्च अभिव्यक्तिवाद शामिल हैं। इस बदलाव के पीछे क्या कारण था कि अमेरिकी कला का प्रभाव बढ़ा? इसका संबंध कला से अधिक राजनीति से था।

विश्व युद्ध I के बाद जर्मन क्रांति के बाद, जर्मनी में एक प्रतिनिधि सरकार आई जिसे वाइमर गणराज्य कहा गया। इस लोकतांत्रिक रूप से चुनी गई सरकार ने व्यापक सामाजिक, राजनीतिक और आर्थिक सुधार लागू किए, जिससे जर्मनी में व्यापक सांस्कृतिक परिवर्तन हुए। इस परिवर्तनकारी माहौल में जर्मन आधुनिकता फल-फूल उठी। बाउहाउस की स्थापना उसी वर्ष वाइमर गणराज्य के साथ और उसी शहर में हुई, और अगले 14 वर्षों में जर्मनी कला में एक अग्रणी प्रगतिशील शक्ति बन गया।

Ad Reinhardt कोलाज

Ad Reinhardt - समाचारपत्र कोलाज, 1940। बोर्ड पर छपे कागज और काला कागज काटकर चिपकाया गया। 15 7/8 x 20 इंच (40.6 x 50.8 सेमी)। MoMA संग्रह। © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), न्यूयॉर्क

शुद्धतावाद का अंधकार पक्ष

1929 में शेयर बाजार के गिरने पर, जर्मनी सहित अधिकांश पश्चिमी देशों की अर्थव्यवस्था ध्वस्त हो गई। इसके बाद आई वैश्विक मंदी ने आम कामकाजी लोगों के जीवन में बहुत निराशा पैदा की। जब 1933 में नाजी शासन जर्मनी में सत्ता में आया, तो यह जर्मनी को उसकी ऐतिहासिक महानता की ओर पुनर्स्थापित करने और हाल के अतीत के रुझानों को उलटने के बहाने था। नाजी पार्टी ने सबसे पहले जर्मन संस्कृति पर प्रभाव डालना शुरू किया। आधुनिक कला इसका मुख्य लक्ष्य थी।

अडोल्फ हिटलर के नेतृत्व में, नाजियों ने शुद्ध जर्मन कला की एक अवधारणा विकसित की। इसमें केवल पारंपरिक, शास्त्रीय कला शामिल थी जो उनकी नस्लीय और राष्ट्रीय पहचान की परिभाषा के अनुरूप थी। उस परिभाषा के बाहर की कोई भी कला अपवित्र (degenerate) कहलाती थी। इस प्रकार जर्मनी से अग्रगामी कलाकारों का पलायन शुरू हुआ। और जैसे-जैसे नाजी प्रभाव जर्मनी से बाहर बढ़ा, यूरोप के आधुनिक कलाकार भी इसी उत्पीड़न के अधीन आ गए।

कागज पर गुआश संग्रहालय प्रदर्शन

अग्रगामी कला का पुनः संयोजन

1930 के दशक के अंत और 1940 के दशक की शुरुआत में, किसी भी यूरोपीय आधुनिक कलाकार के पास साधन होने पर विदेश जाने का रास्ता खोज लिया। फासीवादी शक्तियों के घेरे में न आने वाले कुछ वैश्विक केंद्रों में से एक न्यूयॉर्क शहर था, जो दुनिया भर के अग्रगामी कलाकारों के लिए एक प्रकाशस्तंभ बन गया। वहां आने वाले नए कलाकार पहले से जीवंत न्यूयॉर्क अमूर्त कला दृश्य के साथ घुलमिल गए, जिसमें जैक्सन पोलक जैसे अमेरिकी मूल के कलाकार और विलेम डी कूनिंग और अर्शिले गोरकी जैसे कलाकार शामिल थे, जो विश्व युद्ध I के बाद वहां आ बसे थे। इस संस्कृति से पहले अमेरिकी आधुनिकतावादी कला आंदोलन उभरे।

Ad Reinhardt इस पीढ़ी के पोस्ट-विश्व युद्ध II अग्रगामी न्यूयॉर्क कलाकारों के सदस्य के रूप में कलात्मक परिपक्वता तक पहुंचे। वे इस विविध, अंतरराष्ट्रीय समुदाय में हो रहे राजनीतिक, दार्शनिक, सामाजिक और सांस्कृतिक संवादों के जीवंत मिश्रण में पूरी तरह संलग्न थे। उन्होंने विरोध प्रदर्शनों में भाग लिया और हर संभव तरीके से इस दृश्य का हिस्सा बने। लेकिन वे अपने समकालीनों से एक मौलिक तरीके से असहमत थे। जहां वे अपने जीवन और कला को एक समग्र अनुभव के रूप में देखते थे, Reinhardt मानते थे कि यह गलत रास्ता है। जैसा कि उन्होंने कहा: “कला कला है। जीवन जीवन है।”

संग्रहालय प्रदर्शन में प्रदर्शित कृतियाँ

अपरिवर्तनीय की खोज

अपने कला कार्य को अपने समकालीनों से अलग विकसित करने के लिए, Reinhardt ने “प्रबुद्ध वस्तु” की अवधारणा बनाई, एक ऐसी कला कृति जो किसी बाहरी वस्तु, किसी बाहरी विचार का संदर्भ न देती हो, बल्कि केवल अपने शुद्ध स्वरूप के एक अद्वितीय उदाहरण के रूप में मौजूद हो। प्रबुद्ध वस्तु उस चीज़ का रूप थी जिसे एक आध्यात्मिक व्यक्ति “अपरिवर्तनीय” कह सकता है, वह महान अंतिम, वह अपरिवर्तित पदार्थ जो परिवर्तन के बीच भी परिवर्तित नहीं होता। मूल रूप से वे भगवान के कला संस्करण की खोज कर रहे थे।

Reinhardt ने अपरिवर्तनीय की खोज नकारात्मकता के माध्यम से की, अर्थात् उन्होंने यह परिभाषित करने के बजाय कि शुद्ध कला क्या है, यह परिभाषित किया कि शुद्ध कला क्या नहीं है। उनका 12 Rules For a New Academy, जो 1953 में प्रकाशित हुआ, नकारात्मकताओं की सूची थी, जिसे शुद्ध कला तक पहुंचने के नियमों के रूप में प्रस्तुत किया गया। इन नियमों में शामिल थे: कोई यथार्थवाद नहीं, कोई छापवाद नहीं, कोई अभिव्यक्तिवाद नहीं, कोई मूर्तिकला नहीं, कोई प्लास्टिसिज्म नहीं, कोई कोलाज नहीं, कोई वास्तुकला नहीं, कोई सजावट नहीं, कोई बनावट नहीं, कोई ब्रशवर्क नहीं, पहले से विचारों का स्केच नहीं, कोई रूप नहीं, कोई डिज़ाइन नहीं, कोई रंग नहीं, कोई प्रकाश नहीं, कोई स्थान नहीं, कोई समय नहीं, कोई आकार नहीं, कोई गति नहीं, कोई विषय नहीं, कोई प्रतीक नहीं, कोई छवि नहीं और कोई आनंद नहीं। उन्होंने जोड़ा, “बाहरी रूप से, सभी संबंधों से दूर रहें, और आंतरिक रूप से, अपने हृदय में कोई लालसा न रखें।”

संग्रहालय प्रदर्शन में शामिल कागज कोलाज

परिवर्तन के साथ बदलना

यह ध्यान रखना आवश्यक है कि 12 Rules For a New Academy पढ़ते समय, Reinhardt कॉलेज में एक हास्य लेखक थे, और साथ ही वे एक आध्यात्मिक और दार्शनिक व्यक्ति थे। उनकी बुद्धि तीव्र थी और वे अक्सर जानबूझकर विरोधाभासी कथनों में बोलते थे। भले ही वे मानते हों कि उनके सभी नियम व्यक्तिगत रूप से पालन किए जा सकते हैं, वे यह भी जानते होंगे कि सभी नियमों का एक साथ पालन करना संभव नहीं है, क्योंकि कुछ नियमों का उल्लंघन होगा।

उदाहरण के लिए, जब बात आती है उन काली पेंटिंग्स की जिन्हें उन्होंने अपने जीवन के अंतिम 12 वर्षों में बनाया, तो वे उन्हें कहते थे, “एक स्वतंत्र, अप्रभावित, अप्रभावित करने योग्य, बेकार, अविपणनीय, अपघटनीय, अप्रतिबिंबनीय, पुनरुत्पादनीय, अस्पष्ट प्रतीक।” लेकिन वे स्वतंत्र नहीं थीं; वे एक वैचारिक, कट्टर प्रणाली का परिणाम थीं। और जहां तक अप्रतिबिंबनीय और अविपणनीय होने की बात है, वे वास्तव में जल्दी बिक गईं, और आज भी नियमित रूप से नीलामी में बिकती हैं, जिसमें कैटलॉग में अच्छी तस्वीरें शामिल होती हैं। तो क्या Reinhardt मजाक कर रहे थे? या वे अमूर्त कला के निर्माण और चर्चा की जटिलताओं के बारे में एक गहरा कथन कर रहे थे?

Ad Reinhardt कैनवास पर तेल चित्रकला

अपरिवर्तित अवस्था

Reinhardt को समझना उनके संस्कृति को समझना है। Reinhardt एक ऐसे कला दृश्य का हिस्सा थे जो भावुक, व्यक्तिगत और चित्रकारीपूर्ण कार्यों से भरा था। उनका जवाब इसके विपरीत का समर्थन करना था। जब कलाकार जोर देते थे कि कला को रोज़मर्रा के जीवन में पुनः सम्मिलित किया जाना चाहिए, Reinhardt जोर देते थे कि कला और जीवन अलग-अलग हैं। उन्होंने दावा किया कि उन्होंने आखिरी पेंटिंग्स बनाई हैं, लेकिन एक कला इतिहासकार के रूप में वे जानते थे कि चित्रकला का अंत कभी नहीं आएगा, जब तक कलाकार चित्र बनाना जारी रखेंगे।

Ad Reinhardt के बारे में कुछ समझ इस उद्धरण में मिलती है, ब्रूस ली से: “परिवर्तन के साथ बदलना ही अपरिवर्तित अवस्था है।” वर्तमान के प्रमुख रुझानों के विकल्प प्रदान करके, Reinhardt ने सुनिश्चित किया कि कला इतिहास जारी रहेगा। जैसे कि Black Square Kasimir Malevich का था, Ad Reinhardt की काली पेंटिंग्स ने चित्रकला को समाप्त नहीं किया, बल्कि निरंतरता को आगे बढ़ाया। कट्टर होकर वे यह नहीं कह रहे थे कि केवल एक ही रास्ता है, वे अगली पीढ़ी को एक उपहार दे रहे थे: एक विरोधी जिसके खिलाफ काम किया जा सके: एक शुद्धतावादी जिसे प्रतिरोध किया जा सके और एक विचारधारा जिसे चुनौती दी जा सके।

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