कैसे अंतिम मोनेट ने अमेरिकी अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों को प्रेरित किया

फ्रांसीसी छापवाद के महान सह-संस्थापक क्लॉड मोनेट द्वारा बनाए गए सबसे यादगार और प्रसिद्ध कार्यों में से एक उनके जलकुम्भी चित्र हैं। फिर भी, छापवाद के कई प्रशंसक यह नहीं जानते होंगे कि मोनेट और अमेरिकी अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के बीच एक संबंध मौजूद है। अपने जीवन के अंत के करीब, मोनेट ने अपने प्रसिद्ध जलकुम्भी चित्रों की शैली में बड़े पैमाने पर चित्रों की एक श्रृंखला बनाई जो विशेष रूप से अमूर्त थी। ये भावपूर्ण, ऊर्जावान, चित्रकारी कार्य उन तथाकथित "क्रियात्मक चित्रों" की सारी ऊर्जा, भावना और, खैर, "क्रिया" रखते हैं, जिन्हें अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों ने दशकों बाद बनाना शुरू किया। ये अंतिम मोनेट चित्र भी उस "संपूर्ण" गुण को रखते हैं जिसे बाद में अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के कार्यों से जोड़ा गया। लेकिन वास्तव में 1950 के दशक तक कला जगत के प्रभावशाली लोग मोनेट के अंतिम चित्रों और अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के कार्यों के बीच समानताओं पर ध्यान नहीं दे पाए। यह संबंध आज फिर से जलकुम्भी श्रृंखला की सौवीं वर्षगांठ के उपलक्ष्य में नोट किया जा रहा है, क्योंकि पेरिस के म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी इस संबंध की गहराई से पड़ताल कर रहे हैं प्रदर्शनी Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet. इस भव्य प्रदर्शनी में मोनेट के अंतिम कार्यों का एक शानदार चयन प्रदर्शित किया गया है, जो जैक्सन पोलक, हेलेन फ्रैंकेंथलर, मार्क रोथको, जोन मिशेल, मार्क टोबी, जॉन पॉल रियोपेल, सैम फ्रांसिस, एल्सवर्थ केली और कई अन्य प्रभावशाली अमेरिकी अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के कार्यों के साथ रखा गया है। यह अनूठा प्रदर्शन सबसे प्रतिष्ठित अमेरिकी कला आंदोलन की यूरोपीय जड़ों की झलक प्रदान करता है, और कला में सौंदर्य प्रवृत्तियों के वास्तविक विकास पर एक ताजा, वैश्विक और अधिक संतुलित दृष्टिकोण प्रस्तुत करता है।

एक पीढ़ी की दूरी

क्लॉड मोनेट ने लगभग 1914 में मोतियाबिंद के लक्षण दिखाने शुरू किए, जो उनकी मृत्यु से लगभग बारह साल पहले था। इस रोग के प्रभाव ने सीधे उनके चित्रों को प्रभावित किया, मुख्य रूप से उनके रंगों को देखने की क्षमता को बदलकर। इसी समय, उन्होंने विलापी विलो वृक्षों पर आधारित चित्रों की एक श्रृंखला शुरू की। इन कार्यों में लंबे, भावपूर्ण रेखाएं और मोटे ब्रश के निशान हैं, जो मोनेट द्वारा चुने गए जीवंत, लालिमा वाले रंगों से और भी भयानक हो जाते हैं। (जब बाद में उन्होंने मोतियाबिंद की सर्जरी करवाई, तो मोनेट ने वास्तव में इन चित्रों में से कुछ को फिर से रंगा और उनमें नीले रंग की छाया डाली।) और इसी समय मोनेट ने दो व्यक्तिगत दुख झेले—उनकी दूसरी पत्नी और सबसे बड़े पुत्र की मृत्यु। इस युग के उनके चित्रों में एक उदास, रहस्यमय गुण है। यह कहना अतिशयोक्ति होगी कि वे अपनी भावनाओं को चित्रित कर रहे थे, लेकिन जिस भौतिक संसार की छाप उन्होंने अपने कैनवास पर उतारी, वह निश्चित रूप से उनके अंदर की भावनाओं से प्रभावित हो सकती है। लेकिन उदास होकर और इसलिए उदासीन तरीके से चित्र बनाना, अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के काम से अलग है। वे भी उदास, चिंतित और भयभीत थे, लेकिन जब वे चित्र बनाते थे तो वे उन भावनाओं की अवचेतन गहराई से जुड़ने का प्रयास कर रहे थे, जिसे उन्होंने स्वतःस्फूर्तता की तकनीक से व्यक्त किया।

Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet, पेरिस के म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी में स्थापना दृश्य। © म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी। फोटो सोफी क्रेपी-बोएगली

फिर भी, दोनों विधियों ने आश्चर्यजनक रूप से समान सौंदर्य परिणाम दिए। लेकिन मोनेट की मृत्यु के लगभग 20 साल बाद ही उनके अंतिम सौंदर्य खोजें इस नई पीढ़ी के कलाकारों के कार्यों में प्रकट हुईं। यह कहना मुश्किल है कि अमूर्त अभिव्यक्तिवादी मोनेट के अंतिम कार्यों से परिचित थे या नहीं। हालांकि, हमें यह पता है कि एक बड़े पैमाने पर अंतिम जलकुम्भी चित्र 1955 में न्यूयॉर्क के आधुनिक कला संग्रहालय में प्रदर्शित किया गया था। उसी वर्ष, क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने अपना महत्वपूर्ण निबंध American-type Painting लिखा, जिसमें उन्होंने मोनेट के अंतिम कार्य और जैक्सन पोलक, क्लिफोर्ड स्टिल, और बारनेट न्यूमैन जैसे चित्रकारों के कार्यों के बीच संबंधों को उजागर किया। इन घटनाओं के बाद कला समीक्षक लुईस फिंकेलस्टीन ने 1956 में मोनेट और अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के बीच संबंध को संदर्भित करते हुए एक नया शब्द गढ़ा: अमूर्त छापवाद। उन्होंने इस शब्द का उपयोग उन चित्रकारों के लिए किया जो अमूर्त अभिव्यक्तिवाद से ढीले तौर पर जुड़े थे, लेकिन आंदोलन के किनारे पर रहते और काम करते थे, जैसे कि जोन मिशेल, जीन-पॉल रियोपेल, सैम फ्रांसिस, और फिलिप गस्टन। उनका मानना था कि इनका कार्य मोनेट से अधिक सीधे प्रेरित था, और न्यूयॉर्क स्कूल के संस्थापकों की विधियों और दर्शनशास्त्रों पर कम निर्भर था।

Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet, पेरिस के म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी में स्थापना दृश्य। © म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी। फोटो सोफी क्रेपी-बोएगली

कोई नाटक नहीं

अमेरिकी कला जगत का एक सबसे बड़ा मिथक यह है कि अमूर्त अभिव्यक्तिवाद "पहला शुद्ध रूप से अमेरिकी कला आंदोलन" था। समकालीन शोध ने इस धारणा को कमज़ोर साबित किया है। ग्रांट वुड ने 1930 में अपनी क्षेत्रीय कृति American Gothic बनाई, जो अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के पहले चित्रों से एक दशक से भी अधिक पहले थी। अमेरिकी क्षेत्रीयता एक अमेरिकी कला आंदोलन था; और इसके पहले भी कई अन्य आंदोलन थे। इसके अलावा, यह भी स्पष्ट है कि रॉबर्ट मदरवेल, जिन्होंने अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों को स्वतःस्फूर्तता सिखाई, उन्होंने इसे मेक्सिको में रहने वाले एक ऑस्ट्रियाई चित्रकार से सीखा था, जिनसे मदरवेल की मुलाकात एक चिली के चित्रकार के माध्यम से हुई थी। वास्तव में, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की एकमात्र विशिष्ट अमेरिकी बात यह है कि यह एक मिश्रण है।

Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet, पेरिस के म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी में स्थापना दृश्य। © म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी। फोटो सोफी क्रेपी-बोएगली

लेकिन यह प्रदर्शनी रिकॉर्ड सही करने का प्रयास नहीं है। यह बस एक सुंदर समय में वापस जाने का प्रयास है जब यह स्पष्ट हो गया था कि एक ही शानदार सौंदर्य परिणाम किसी तरह उन चित्रकारों द्वारा प्राप्त किए गए थे जो एक पीढ़ी दूर थे। यह तथ्य कि इन चित्रकारों ने पूरी तरह से अलग तरीकों का उपयोग करके एक ही स्थिति तक पहुँचे, यह दर्शाता है कि कला इतिहास एक वंशावली नहीं है, बल्कि यह एक संवाद है जो समय के बाहर मौजूद है। इसके भीतर हर दृश्य और वैचारिक प्रवृत्ति बस एक बहती हुई बातचीत है जिसे किसी भी क्षण फिर से उठाया जा सकता है, और प्रत्येक नए युग की आवाज़ के माध्यम से पुनः कल्पित किया जा सकता है। Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet पेरिस के म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी में 20 अगस्त 2018 तक प्रदर्शित है।

मुख्य छवि: Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet, पेरिस के म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी में स्थापना दृश्य। © म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी। फोटो सोफी क्रेपी-बोएगली

सभी चित्र म्यूज़े दे ल'ओरेंजरी की अनुमति से

फिलिप Barcio द्वारा