5 Opere d'Arte Astratta dalla Mostra 'Soul of a Nation' di Artisti Afroamericani

La monumentale mostra L’Anima di una Nazione: Arte nell’Epoca del Potere Nero è stata inaugurata questo mese al Brooklyn Museum di New York. Questa è la terza sede per questa straordinaria esposizione, che ha debuttato al Tate Modern nel 2017 per poi spostarsi al Crystal Bridges Museum of American Art di Bentonville, Arkansas. La mostra presenta più di 150 opere create da oltre 60 artisti. Copre un’enorme varietà di tecniche—dalla pittura, al disegno e scultura fino ai tessuti e agli abiti—e abbraccia numerose posizioni estetiche—dalla figurazione diretta alla Pop Art fino alla pura astrazione. Quando la mostra è stata presentata per la prima volta al Tate, ho avuto il privilegio di parlare con Gerald Williams, cofondatore di AFRICOBRA, un influente collettivo di artisti neri il cui lavoro è un elemento centrale della mostra. Williams ha detto cose affascinanti sulla scelta dei curatori di includere così tante opere astratte nella mostra. Era curioso di sapere cosa avrebbero detto i visitatori su come queste opere contribuiscono al dialogo. Molte posizioni estetiche astratte moderniste sono saldamente radicate nelle estetiche nere transnazionali storiche. Eppure, così spesso durante il periodo d’oro del Modernismo, gli artisti astratti neri venivano ignorati dalle gallerie gestite da bianchi a causa di pregiudizi evidenti o sottili, o esclusi dalle gallerie gestite da neri perché le loro opere non affrontavano figurativamente la vita nera. È un immenso piacere vedere così tanti artisti astratti presenti in L’Anima di una Nazione. Mentre la mostra si stabilisce nella sua nuova sede temporanea a Brooklyn, mettiamo in evidenza cinque opere astratte da cercare se vi capita di visitare la mostra, aperta fino al 3 febbraio 2019.

Wadsworth A. Jarrell, Rivoluzionario (Angela Davis), 1971

Uno dei cinque fondatori di AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell è stato fondamentale nella formazione della filosofia del gruppo. Questa filosofia è stata delineata nel manifesto del 1969 Dieci in Cerca di una Nazione. Secondo il manifesto, AFRICOBRA si proponeva di realizzare opere che raggiungessero: “1. definizione—immagini che trattano il passato; 2. identificazione—immagini che si riferiscono al presente; e 3. direzione—immagini che guardano al futuro”. Gli elementi visivi chiave del loro stile erano l’uso del testo, i colori luminescenti “cool-aid” e una miscela di motivi astratti e ritratti positivi di persone nere. “Rivoluzionario (Angela Davis)” trasmette in modo spettacolare ciascuno di questi aspetti. Inoltre, evoca i primi movimenti modernisti come il Futurismo e il Rayonismo con i suoi angoli dinamici e acuti, e movimenti post-impressionisti come il Divisionismo con la mobilitazione di forme complementari e relazioni cromatiche.

Wadsworth A. Jarrell (americano, nato nel 1929). Rivoluzionario (Angela Davis), 1971. Acrilico e tecnica mista su tela, 64 x 51 pollici (162,6 x 129,5 cm). Brooklyn Museum, Dono di R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris e Emma L. Hyde, per scambio, Fondo per Acquisti Designato, Fondo Mary Smith Dorward, Fondo Dick S. Ramsay e Fondo Carll H. de Silver, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Brooklyn Museum)

William T. Williams, Trane, 1969

La presenza di L’Anima di una Nazione a Brooklyn è in qualche modo un ritorno a casa per William T. Williams. Uno dei pittori astratti americani contemporanei più affermati e rispettati, Williams insegna arte al Brooklyn College dal 1971—due anni dopo aver dipinto “Trane”. Questa composizione vivace e geometrica è intitolata al compositore e musicista jazz americano John Coltrane. La natura dinamica dell’opera evoca il suono vivace, intuitivo e totalmente libero per cui Coltrane era noto. Ma quest’opera si riferisce anche a una storia personale di cui Williams ha parlato. Proviene da una famiglia di quiltmakers. Le trapunte realizzate dai suoi antenati erano dominate da motivi geometrici colorati e lineari. “Trane” è in parte un omaggio alla famiglia, in parte un cenno a una leggenda musicale e in parte un’espressione della visione astratta singolare che Williams trasmette nelle sue opere.

William T. Williams (americano, nato nel 1942). Trane, 1969. Acrilico su tela, 108 x 84 pollici (274,3 x 213,4 cm).
Studio Museum di Harlem, New York. © William T. Williams. Con il cortese permesso di Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York

Frank Bowling, Texas Louise, 1971

Sebbene Frank Bowling sia nato in Guyana e abbia la cittadinanza britannica, il suo contributo all’arte astratta americana è profondo. Bowling arrivò a New York a metà degli anni Sessanta e divenne rapidamente uno dei principali esponenti dell’astrazione lirica. La maggior parte delle sue opere occupa uno spazio visivo a metà strada tra Espressionismo Astratto e Pittura a Campo di Colore. Occasionalmente, immagini figurative, come contorni spettrali di continenti, infestano le sue immagini. “Texas Louise” è un’opera monumentale che avvolge lo spettatore nei suoi bagliori rossi e testurizzati. Fu dipinta lo stesso anno in cui Bowling pubblicò l’articolo Non Basta Dire che il Nero è Bello su ARTnews. Quel pezzo affronta le complesse opinioni che Bowling, e molti artisti, hanno avuto riguardo a etichette come “arti nere”, “artisti neri” o, per quel che riguarda, “arte astratta” e “artisti astratti”. Vale la pena rileggere quel saggio ora, soprattutto se avete intenzione di visitare questa mostra e vedere quest’opera importante.

Frank Bowling (americano, nato nel 1936). Texas Louise, 1971. Acrilico su tela, 111 x 261 3⁄4 pollici (282 x 665 cm).
Con il cortese permesso della Rennie Collection, Vancouver. © Frank Bowling. Immagine concessa dall’artista e dalla Hales Gallery.

Norman Lewis, Processionale (alias Processione), 1965

“Processionale (alias Processione)” è emblematico della capacità distintiva di Norman Lewis di fondere i metodi dell’astrazione con concetti simbolici o filosofici. Lewis iniziò come pittore figurativo. Le sue astrazioni spesso emergono da un punto di partenza realistico. Questo dipinto presenta pennellate emotive, gestuali e calligrafiche. Il titolo e l’immagine evocano una fila di persone che camminano, suggerendo forse l’idea di un funerale. Essenziale per qualsiasi lettura figurativa dell’opera è la domanda se queste pennellate vogliano suggerire persone bianche, nere o entrambe. Questa immagine potrebbe rappresentare la morte dell’idea che esista una differenza; oppure una processione verso un’epoca più illuminata.

Norman Lewis (1909-1979), Processionale (alias Processione), 1965. Olio su tela, 38 3/8 x 57 5/8 pollici (97,5 x 146,4 cm).
Collezione privata; © Patrimonio di Norman W. Lewis; Con il cortese permesso di Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Jack Whitten, Omaggio a Malcolm, 1970

Nato nella campagna dell’Alabama nel 1939, Jack Whitten diceva di essere cresciuto nell’“Apartheid Americano”. Il suo stile astratto era radicato nel simbolismo. Serviva come mezzo con cui l’artista poteva affrontare i suoi sentimenti riguardo alla cultura, alla politica e alla lotta personale. Whitten è morto nel gennaio 2018, ma non prima di aver visto il suo “Omaggio a Malcolm”, austero e potente, esposto al Tate Modern. Ricordando la sua creazione nei giorni subito dopo l’assassinio di Malcolm X, Whitten disse: “Il dipinto per Malcolm è astrazione simbolica. Malcolm X aveva una comprensione dell’aspetto universale della lotta in cui era coinvolto. È quella conversione nell’universale che gli ha dato più potere. Quel dipinto doveva essere scuro. Doveva essere cupo. Doveva essere profondo.”

Jack Whitten (1939 - 2018). Omaggio a Malcolm, 1970. Acrilico su tela, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 pollici (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Con il cortese permesso dell’eredità dell’artista e di Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)

Immagine in evidenza: L’Anima di una Nazione: Arte nell’Epoca del Potere Nero. Vista dell’installazione al Brooklyn Museum di New York

Di Phillip Barcio