5 Opere d'Arte Astratta dalla Mostra 'Soul of a Nation' di Artisti Afroamericani

La monumentale esposizione Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power è stata inaugurata questo mese al Brooklyn Museum di New York. Questa è la terza sede per questo straordinario spettacolo, che è stato aperto al Tate Modern nel 2017 e poi ha viaggiato al Crystal Bridges Museum of American Art a Bentonville, Arkansas. Lo spettacolo presenta più di 150 opere create da oltre 60 artisti. Copre un'enorme gamma di mezzi - dalla pittura, disegno e scultura a tessuti e indumenti - e abbraccia numerose posizioni estetiche - dalla figurazione semplice all'arte pop fino alla pura astrazione. Quando l'esposizione è stata presentata per la prima volta al Tate, ho avuto il privilegio di sedermi con Gerald Williams, co-fondatore di AFRICOBRA, un'influente collettivo di artisti neri il cui lavoro è un elemento principale dell'esposizione. Williams ha avuto alcune cose affascinanti da dire sulla scelta dei curatori di includere così tante opere astratte nello spettacolo. Era curioso di sapere cosa avrebbero detto gli spettatori su come queste opere contribuiscono alla conversazione. Molte posizioni estetiche astratte moderniste sono saldamente radicate in estetiche nere transnazionali storiche. Eppure, così frequentemente durante i periodi d'oro del modernismo, gli artisti astratti neri venivano ignorati da gallerie gestite da bianchi a causa di pregiudizi palesi o sottili, o esclusi da gallerie gestite da neri perché il loro lavoro non affrontava figurativamente la vita nera. È un immenso piacere vedere così tanti artisti astratti presentati in Soul of a Nation. Mentre lo spettacolo si stabilisce nella sua nuova sede temporanea a Brooklyn, evidenziamo cinque opere astratte da cercare se decidi di visitare lo spettacolo, che sarà visibile fino al 3 febbraio 2019.

Wadsworth A. Jarrell, Rivoluzionario (Angela Davis), 1971

Uno dei cinque fondatori di AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell è stato fondamentale per la formazione della filosofia del gruppo. Quella filosofia è stata delineata nel manifesto del 1969 Ten In Search of a Nation. Secondo il manifesto, AFRICOBRA si sforzava di realizzare opere che raggiungessero: “1. definizione—immagini che trattano del passato; 2. identificazione—immagini che si riferiscono al presente; e 3. direzione—immagini che guardano al futuro”. Gli elementi visivi chiave del loro stile erano l'uso del testo, colori luminescenti "cool-aid" e una miscela di schemi astratti e ritratti positivi di persone nere. “Revolutionary (Angela Davis)” trasmette in modo spettacolare ciascuno di questi aspetti. Inoltre, evoca i primi movimenti modernisti come il Futurismo e il Rayonismo con i suoi angoli acuti dinamici, e movimenti post-impressionisti come il Divisinismo con la sua mobilitazione di forme e relazioni di colore complementari.

Wadsworth A. Jarrell (Americano, nato nel 1929). Rivoluzionario (Angela Davis), 1971. Acrilico e tecnica mista su tela, 64 x 51 in. (162,6 x 129,5 cm). Museo di Brooklyn, Dono di R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris ed Emma L. Hyde, per scambio, Fondo per acquisti designati, Fondo Mary Smith Dorward, Fondo Dick S. Ramsay e Fondo Carll H. de Silver, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Museo di Brooklyn)

William T. Williams, Trane, 1969

L'apparizione di Soul of a Nation a Brooklyn è in qualche modo un ritorno a casa per William T. Williams. Uno dei pittori astratti americani contemporanei più rispettati e di successo, Williams insegna arte al Brooklyn College dal 1971, due anni dopo aver dipinto “Trane”. Questa composizione vivace e geometrica prende il nome dal compositore e musicista jazz americano John Coltrane. La natura dinamica dell'opera evoca il suono vivace, intuitivo e totalmente libero per cui Coltrane era conosciuto. Ma quest'opera si ricollega anche a una storia personale di cui Williams ha parlato. Proviene da una famiglia di quilter. I quilt realizzati dai suoi antenati erano dominati da modelli geometrici colorati e lineari. “Trane” è in parte un omaggio alla famiglia, in parte un cenno a una leggenda musicale e in parte un'espressione della singolare visione astratta che Williams trasmette nel suo lavoro.

William T. Williams (Americano, nato nel 1942). Trane, 1969. Acrilico su tela, 108 x 84 in. (274,3 x 213,4 cm).
Il Museo Studio di Harlem, New York. © William T. Williams. Cortesia di Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York

Frank Bowling, Texas Louise, 1971

Sebbene Frank Bowling sia nato in Guyana e abbia la cittadinanza britannica, il suo contributo all'arte astratta americana è profondo. Bowling arrivò per la prima volta a New York a metà degli anni '60 e divenne rapidamente uno dei principali praticanti dell'astrazione lirica. La maggior parte delle sue opere occupa uno spazio visivo da qualche parte tra l'Espressionismo Astratto e la Pittura a Campo di Colore. Occasionalmente, immagini figurative, come contorni spettrali di continenti, infestano le sue immagini. "Texas Louise" è un'opera monumentale, che inghiotte lo spettatore nei suoi toni rossi luminosi e texturizzati. È stata dipinta lo stesso anno in cui Bowling pubblicò l'articolo Non è Sufficiente Dire che il Nero è Bello su ARTnews. Quel pezzo affronta le complesse opinioni che Bowling, e molti artisti, hanno avuto riguardo a etichette come "arti nere", "artisti neri" o, per quel che riguarda, "arte astratta" e "artisti astratti". Vale la pena rileggere quel saggio ora, specialmente se intendi visitare questa esposizione e vedere quest'opera importante.

Frank BowIing (Americano, nato nel 1936). Texas Louise, 1971. Acrilico su tela, 111 x 261 3⁄4 in. (282 x 665 cm).
Cortesia della Rennie Collection, Vancouver. © Frank Bowling. Immagine cortesemente fornita dall'artista e da Hales Gallery.

Norman Lewis, Processionale (noto anche come Processione), 1965

“Processionale (noto anche come Processione)” è emblematico della capacità distintiva di Norman Lewis di mescolare i metodi dell'astrazione con concetti simbolici o filosofici. Lewis iniziò come pittore figurativo. Le sue astrazioni spesso emergevano da un punto di partenza realistico. Questo dipinto presenta pennellate emotive, gestuali e calligrafiche. Il titolo e l'immagine evocano una fila di persone che camminano, suggerendo forse l'idea di un funerale. Fondamentale per qualsiasi lettura figurativa dell'opera è la domanda se queste pennellate siano destinate a suggerire persone, se le persone siano bianche, nere o entrambe. Questa immagine potrebbe rappresentare la morte della nozione che ci sia qualche differenza; o una processione verso un'era più illuminata.

Norman Lewis (1909-1979), Processionale (noto anche come Processione), 1965. Olio su tela, 38 3/8 x 57 5/8 in. (97,5 x 146,4 cm).
Collezione Privata; © Eredità di Norman W. Lewis; Cortesia di Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Jack Whitten, Omaggio a Malcolm, 1970

Nato nella campagna dell'Alabama nel 1939, Jack Whitten era solito dire di essere cresciuto nell'"Apartheid Americano". Il suo stile astratto era radicato nel simbolismo. Serviva come un veicolo con cui l'artista poteva affrontare i suoi sentimenti riguardo alla cultura, alla politica e alla lotta personale. Whitten è morto nel gennaio del 2018, ma non prima di aver visto il suo netto e potente "Omaggio a Malcolm" appeso alla Tate Modern. Ricordando la sua creazione nei giorni subito dopo l'assassinio di Malcolm X, Whitten disse: "Il dipinto per Malcolm, quello è astrazione simbolica. Malcolm X aveva una comprensione dell'aspetto universale della lotta in cui era coinvolto. È quella conversione nell'universale che gli dava più potere. Quel dipinto doveva essere scuro. Doveva essere malinconico. Doveva essere profondo."

Jack Whitten (1939 - 2018). Omaggio a Malcolm, 1970. Acrilico su tela, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 in. (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Cortesia dell'eredità dell'artista e Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)

Immagine in evidenza: Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power. Vista dell'installazione al Brooklyn Museum di New York.

Di Phillip Park