Apprezzare i ritratti astratti e la loro particolare estetica

Artisti di ritratti astratti affrontano sfide peculiari. Quando vediamo volti in ogni cosa; questo si chiama pareidolia. Quando vediamo tutto nei volti; questo si chiama empatia. I ritratti astratti abitano uno spazio a metà strada tra i due, e i loro artisti devono confrontarsi contemporaneamente con entrambi. In qualche modo, l’abitudine naturale degli esseri umani di percepire ovunque schemi visivi familiari, indipendentemente dal fatto che siano realmente presenti, può giovare ai creatori di ritratti astratti. Essi devono appena fare riferimento al volto o alla figura umana per evocare la sua sensazione. Ma l’ossessione di cercare volti e figure in un’immagine astratta può anche distrarre gli spettatori dal considerare gli altri aspetti di un’opera d’arte. Allo stesso modo, i pittori di ritratti astratti possono beneficiare della tendenza naturale degli spettatori a provare empatia ogni volta che percepiscono, anche debolmente, l’immagine di un altro riconoscibile. Qualsiasi sensibilità un osservatore empatico attribuisca a un’immagine potrebbe favorire il concetto dell’opera. Ma l’empatia può anche interferire con la comprensione. Il riconoscimento di un volto o di una figura familiare in un’opera d’arte potrebbe far sorgere pregiudizi personali, generalizzazioni e timori nella mente di chi osserva, che potrebbero minare e complicare le idee che l’artista aveva originariamente in mente.

Definire i Ritratti Astratti

Nel XVI secolo, gli italiani svilupparono una gerarchia dei soggetti più rispettabili per un’opera d’arte. Il soggetto più rispettabile era considerato la scena storica, che di solito finiva per essere qualche episodio mitologico o religioso. Il secondo soggetto più rispettabile era il ritratto. In senso classico, un ritratto era solitamente definito come l’immagine di un essere umano, spesso raffigurato dalla testa fino a circa la metà del torso. Ma non deve essere solo così. Un ritratto può anche rappresentare l’intero corpo, o solo il volto. E non deve essere solo l’immagine di un essere umano. Può essere l’immagine di qualsiasi essere, umano, animale, immaginario, mitico, spirituale, o qualsiasi combinazione di questi.

Per essere considerato un ritratto astratto, un’opera deve incorporare due facoltà: prima, deve utilizzare in qualche modo il concetto di ritrattistica; e secondo deve essere astratta, cioè deve trattare il regno delle idee, o almeno evitare un approccio puramente oggettivo o rappresentativo della realtà. Non deve essere un mezzo o una disciplina particolare. Un ritratto astratto può essere un disegno o una pittura, oppure può esserci anche fotografia di ritratti astratti, scultura di ritratti astratti, installazione di ritratti astratti, arte performativa di ritratti astratti, ecc. Qualsiasi fenomeno estetico astratto che incorpori la figura di qualsiasi essere, reale, immaginario o una combinazione di entrambi, potrebbe essere considerato un ritratto astratto.

Joan Miró - Testa di Donna, 1938. Olio su tela. 18 x 21 5/8 pollici (45,72 x 54,93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi

Affrontare Noi Stessi

Da un punto di vista interpretativo, ciò che può essere più difficile, e talvolta più controverso, nell’apprezzare i ritratti astratti è che sono intrinsecamente personali. Il Costruttivismo Sociale postula che tutto ciò che comprendiamo della vita nasce dalle nostre esperienze, e che tutte le nostre esperienze istruttive derivano dalle interazioni sociali. In senso psicologico, una creatura che fissa l’immagine di un’altra creatura è un’interazione sociale. Un osservatore che interagisce con una stanza piena di ritratti astratti costituisce una comunità.

Ciò che è difficile nella natura personale dei ritratti astratti è che essi invitano a riflessioni molto più profonde e intense di quelle che potrebbero essere invitate da altri tipi di arte astratta. Per esempio, una scultura geometrica astratta o una composizione completamente astratta come un dipinto a campi di colore o un monocromo potrebbero essere fruiti esclusivamente secondo le loro qualità formali, o simboliche, o interpretative o contemplative. Ma oltre a tutti questi elementi, i ritratti astratti costringono anche gli spettatori a interagire con se stessi.

Frank Auerbach - Testa di JYM II, 1984-85. Olio su tela. 660 x 610 mm. Collezione privata. © Frank Auerbach

Entrare nel Personale

La sfida principale quindi nell’apprezzare i ritratti astratti è superare i pregiudizi insiti. Quando un osservatore guarda un ritratto rappresentativo, uno costruito per imitare la realtà il più fedelmente possibile, il semplice fatto del riconoscimento aiuta l’osservatore a considerare l’immagine con rispetto. Un senso di maestria artistica e pittorica richiede che l’essere rappresentato nel ritratto meriti una considerazione speciale e completa. Ma i ritratti astratti invitano a strane generalizzazioni. Un ambito in cui questo è evidente è con i ritratti astratti di popolazioni già emarginate. Consideriamo, per esempio, i ritratti astratti di donne.

Due dei pittori di ritratti astratti più famosi sono Pablo Picasso e Willem de Kooning. Insieme hanno dipinto centinaia di ritratti astratti. Molti dei ritratti astratti più famosi di Picasso erano di donne, come il suo celebre Donna che Piange. Ma il suo più controverso fu un dipinto di ritratto astratto della sua amante Marie-Thérèse Walter, chiamato Il Sogno. Il dipinto è controverso perché la gente pensa di vedere un fallo nella testa della figura. Lo interpretano quindi come un dipinto erotico. Ma è solo pareidolia? O è empatia? O è una preoccupazione voyeuristica per la relazione che Picasso aveva con la modella? Il fatto che il dipinto sia astratto apre la porta a salti interpretativi che permettono ai pregiudizi insiti di emergere. Il dipinto ci mostra davvero qualcosa su Picasso e la sua amante? O ci mostra qualcosa su noi stessi?

Le Donne di de Kooning

Un fenomeno simile si verifica quando le persone guardano i ritratti astratti che Willem de Kooning dipinse di donne. Quando si discute di altri dipinti astratti di de Kooning, le qualità più comunemente menzionate sono la loro qualità gestuale, la loro energia vibrante, i loro segni di pennello distintivi, la loro tavolozza caratteristica e la tensione e passione trasmesse attraverso le loro composizioni espressive. Le sue composizioni puramente astratte sono definite complesse, intricate e potenti. I suoi paesaggi astratti sono definiti sublimi.

Ma un vocabolario molto diverso viene usato quando si fa riferimento ai ritratti astratti che de Kooning dipinse di donne. Aggettivi comuni usati dagli spettatori, specialmente dai critici, per descrivere questi dipinti sono più sulla linea di ostile, arrabbiato, violento, folle, misogino e pazzo. De Kooning osservò che quando dipingeva i suoi ritratti di donne, sperava che fossero percepiti semplicemente come unici, e possibilmente umoristici. Cercava di trasmettere nel suo stile la forma femminile, in modo classico e allo stesso tempo moderno e astratto, come nessuno aveva fatto prima. Allora cosa c’è nella ritrattistica di questi dipinti che suscita tali commenti antropomorfi? De Kooning ha messo quei pensieri nel dipinto o li abbiamo messi noi?

Willem de Kooning - Donna I, 1950–2. Olio su tela. 192,7 x 147,3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Sinistra) / Willem de Kooning - Willem Donna, 1949. Olio, smalto e carbone su tela. 152,4 x 121,6 cm. Collezione privata. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Destra)

Vedere i Pittori di Ritratti Astratti nei Loro Dipinti

Invece di portare in gioco i nostri pregiudizi sul significato sottostante che esiste in questi dipinti, un altro modo per apprezzare i ritratti astratti è interpretare i modi in cui comunicano il pensiero dell’artista che li ha dipinti. Per esempio, i ritratti astratti di Paul Klee mostrano l’interesse di questo pittore per il colore, la forma e le composizioni armoniose. Comunicano la sua ricerca dell’essenza geometrica della natura e l’equilibrio che cercava di catturare nella sua arte.

Allo stesso modo, guardando i ritratti astratti di Robert Delaunay, possiamo vedere la sua evoluzione da pittore figurativo a astrattista. I primi ritratti come quello che dipinse nel 1906 del suo amico Jean Metzinger possono essere apprezzati per il loro uso avanzato del divisionismo. Questo dipinto cattura la fascinazione di Delaunay per il colore e i vari effetti visivi astratti resi quando colori diversi sono posti uno accanto all’altro su una superficie. Comunica anche la sua ricerca di appiattire il piano dell’immagine e dare uguale attenzione a tutte le parti dell’immagine.

Paul Klee - Senecio, 1922. Olio su tela. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basilea, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Sinistra) / Robert Delaunay - Ritratto di Jean Metzinger, 1906. Olio su tela. 55 x 43 cm (Destra)

Cosa Insegna la Fotografia di Ritratti Astratti

Il modo più diretto per apprezzare i ritratti astratti è semplicemente seguire il percorso delle idee che essi ispirano. Le idee sono centrali nella fotografia di ritratti astratti. Nella fotografia Noire et Blanche di Man Ray, vediamo il volto di una modella umana femminile posata accanto a una maschera di legno. Il volto e la maschera hanno una forma simile e condividono un’espressione comune. Pur mostrandoci la realtà oggettiva, questa immagine mette in discussione se una fotografia possa mostrarci ciò che è reale, sfidando la verità del nostro stesso volto. Chiede allo spettatore: “Quale è la maschera?”

Molto diversa, ma anch’essa fondata sulle idee, è la fotografia a doppia immagine di Marcel Duchamp scattata da Victor Obsatz nel 1953. Mostra un’immagine di Duchamp contemplativo che guarda fuori dalla finestra, e sovrapposta sopra di essa un Duchamp sorridente e gioioso che ci guarda. Ci mostra il pensatore serio e il burlone giocoso e satirico, entrambi incarnati da questo artista. Questa fotografia ci insegna come apprezzare tutti i ritratti astratti; come immagini che combinano realtà, come visioni di mondi dentro mondi. Ci mostrano un’immagine di noi stessi e suggeriscono anche che c’è più di noi di quanto sappiamo.

Immagine in evidenza: Salvador Dalí - Galatea delle Sfere, 1952. Olio su tela. Teatro e Museo Dalí, Figueres, Spagna. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio