Apprezzare i ritratti astratti e la loro particolare estetica

Astratto ritratto artisti affrontano sfide peculiari. Quando vediamo volti in tutto; questo si chiama pareidolia. Quando vediamo tutto nei volti; questo si chiama empatia. I ritratti astratti abitano uno spazio tra i due, e i loro artisti devono confrontarsi simultaneamente con entrambi. In alcuni modi, l'abitudine naturale degli esseri umani di percepire schemi visivi familiari ovunque, indipendentemente dal fatto che siano realmente presenti, può avvantaggiare i creatori di ritratti astratti. Non hanno quasi bisogno di fare riferimento al volto o alla figura umana per evocare il senso di esso. Ma l'ossessione di cercare volti e figure in un'immagine astratta può anche distrarre gli spettatori dal considerare gli altri aspetti di un'opera d'arte. Allo stesso modo, i pittori di ritratti astratti potrebbero beneficiare della tendenza naturale degli spettatori a empatizzare ogni volta che percepiscono, anche debolmente, l'immagine di un altro riconoscibile. Qualsiasi sensibilità che uno spettatore empatico conferisca a un'immagine potrebbe lavorare a favore del concetto dell'opera. Ma l'empatia può anche interferire con la comprensione. Il riconoscimento di un volto o di una figura familiare in un'opera d'arte potrebbe far sorgere pregiudizi personali, generalizzazioni e trepidazione nella mente di uno spettatore, il che potrebbe minare e complicare qualsiasi idea che l'artista avesse originariamente in mente.

Definire ritratti astratti

Nel XVI secolo, gli italiani svilupparono una gerarchia di quali soggetti fossero i più rispettabili per un'opera d'arte. Il soggetto più rispettabile era considerato la scena storica, che di solito si rivelava essere qualche tipo di episodio mitologico o religioso. Il secondo soggetto più rispettabile era il ritratto. In un senso classico, un ritratto era solitamente definito come l'immagine di un essere umano, più spesso rappresentato dalla testa fino a circa la metà del torso. Ma non deve essere solo quello. Un ritratto può anche rappresentare l'intero corpo, o solo il viso. E non deve essere solo un'immagine di un essere umano. Può essere un'immagine di qualsiasi essere, umano, animale, fittizio, mitologico, spirituale, o qualsiasi combinazione di essi.

Per essere considerato un ritratto astratto, un'opera d'arte deve incorporare due facoltà: prima di tutto, deve utilizzare il concetto di ritratto in qualche modo; e in secondo luogo deve essere astratta, il che significa che deve trattare il regno delle idee, o almeno evitare un approccio puramente oggettivo o rappresentativo alla realtà. Ciò che non deve essere è un particolare medium o disciplina. Un ritratto astratto può essere un disegno o un dipinto, oppure possono esserci anche fotografia di ritratto astratto, scultura di ritratto astratto, installazione di ritratto astratto, arte performativa di ritratto astratto, ecc. Qualsiasi fenomeno estetico astratto che incorpora la figura di qualsiasi essere, reale, immaginario, o qualsiasi combinazione di essi, potrebbe essere considerato un ritratto astratto.

Joan Miro - Head of a Woman, 1938. Oil on canvas. 18 x 21 5/8 in. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Affrontare noi stessi

Dal punto di vista interpretativo, ciò che può essere più difficile, e a volte più controverso, nell'apprezzare i ritratti astratti è che sono intrinsecamente personali. Il Costruttivismo Sociale postula che tutto ciò che comprendiamo della vita deriva dalle nostre esperienze e che tutte le nostre esperienze istruttive nascono dalle interazioni sociali. In un senso psicologico, un essere che fissa l'immagine di un altro essere è un'interazione sociale. Un osservatore che interagisce con una stanza piena di ritratti astratti costituisce una comunità.

Ciò che è difficile nella natura personale dei ritratti astratti è che invitano a contemplazioni molto più profonde e significative rispetto a quelle che potrebbero essere suscitate da altri tipi di arte astratta. Ad esempio, una scultura geometrica astratta o una composizione interamente astratta come un dipinto a campi di colore o un monocromo potrebbero essere interagite esclusivamente in base alle loro qualità formali, o alle loro qualità simboliche, o alle loro qualità interpretative o contemplative. Ma oltre a tutti questi elementi, i ritratti astratti costringono anche gli spettatori a interagire con se stessi.

Frank Auerbach - Head of JYM ll, 1984-85. Oil on canvas. 660 x 610 mm. Private collection. © Frank Auerbach

Diventare personale

La principale sfida, quindi, nell'apprezzare i ritratti astratti è superare i pregiudizi intrinseci. Quando un osservatore guarda un ritratto rappresentativo, uno che è stato costruito per imitare la realtà il più fedelmente possibile, il semplice fatto di riconoscere aiuta l'osservatore a considerare l'immagine sotto una luce rispettosa. Un senso di maestria artistica e pittorica richiede che l'essere rappresentato nel ritratto meriti una considerazione speciale e completa. Ma i ritratti astratti invitano a strane generalizzazioni. Un ambito in cui questo è ovvio è con i ritratti astratti di popolazioni già emarginate. Considera, ad esempio, i ritratti astratti di donne.

Due dei più famosi pittori di ritratti astratti sono Pablo Picasso e Willem de Kooning. Insieme hanno dipinto centinaia di ritratti astratti. Molti dei più famosi ritratti astratti che Picasso ha dipinto erano di donne, come la sua famosa Donna che piange. Ma il suo più controverso era un dipinto di ritratto astratto della sua amante Marie-Thérèse Walter, chiamato Il sogno. Il dipinto è controverso perché le persone pensano di vedere un fallo nella testa della figura. Lo interpretano quindi come un dipinto erotico. Ma è solo pareidolia? O è empatia? O è una preoccupazione voyeuristica per la relazione che Picasso aveva con il modello? Il fatto che il dipinto sia astratto apre la porta a salti interpretativi che permettono ai pregiudizi intrinseci di emergere. Il dipinto ci mostra davvero qualcosa su Picasso e la sua amante? O ci mostra qualcosa su noi stessi?

Le donne di de Kooning

Un fenomeno simile si verifica quando le persone guardano i ritratti astratti che Willem de Kooning ha dipinto di donne. Quando si discutono altre opere astratte di de Kooning, le qualità più comunemente affrontate sono la loro qualità gestuale, la loro energia vibrante, i loro segni di pennello distintivi, la loro palette distintiva e la tensione e la passione trasmesse attraverso le loro composizioni espressive. Le sue composizioni puramente astratte sono definite complesse, intricate e potenti. I suoi paesaggi astratti sono definiti sublimi.

Ma un vocabolario molto diverso viene utilizzato quando si fa riferimento ai ritratti astratti che de Kooning ha dipinto di donne. Gli aggettivi comuni usati dagli spettatori, specialmente dai critici, per descrivere questi dipinti sono più in linea con ostile, arrabbiato, violento, folle, misogino e insano. De Kooning notò che quando dipingeva i suoi ritratti di donne, sperava che venissero percepiti semplicemente come unici e possibilmente umoristici. Stava cercando di trasmettere nel suo stile la forma femminile, in modo classico eppure moderno e astratto, in un modo che nessuno aveva fatto prima. Allora, cosa c'è nei ritratti di questi dipinti che suscita tali osservazioni antropomorfe? De Kooning ha messo quei pensieri nel dipinto o li abbiamo messi noi?

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil on canvas. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Oil, enamel, and charcoal on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)

Vedere i pittori di ritratti astratti nelle loro opere

Invece di portare in gioco i nostri pregiudizi riguardo al significato sottostante che esiste in questi dipinti, un altro modo per apprezzare i ritratti astratti è interpretare i modi in cui comunicano il pensiero dell'artista che li ha dipinti. Ad esempio, i ritratti astratti di Paul Klee dimostrano l'interesse che questo pittore aveva per il colore, la forma e le composizioni armoniose. Comunicano la sua ricerca dell'essenza geometrica della natura e l'equilibrio che cercava di catturare nella sua arte.

Allo stesso modo, osservando i ritratti astratti di Robert Delaunay, possiamo vedere la sua evoluzione da pittore figurativo a astrattista. I ritratti precoci, come quello che dipinse nel 1906 del suo amico Jean Metzinger, possono essere apprezzati per il loro uso avanzato del Divisionismo. Questo dipinto cattura la fascinazione di Delaunay per il colore e i vari effetti visivi astratti resi quando diversi colori venivano posti l'uno accanto all'altro su una superficie. Comunica anche la sua ricerca di appiattire il piano dell'immagine e dare uguale attenzione a tutte le parti dell'immagine.

Paul Klee - Senecio, 1922. Oil on canvas. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Left) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Oil on canvas. 55 x 43 cm (Right)

Cosa insegna la fotografia di ritratto astratto

Il modo più diretto per apprezzare i ritratti astratti è semplicemente seguire il percorso delle idee che ispirano. Le idee sono centrali nella fotografia di ritratto astratto. Nella fotografia Noire et Blanche di Man Ray, vediamo il volto di un modello femminile posato accanto a una maschera di legno. Il volto e la maschera hanno una forma simile e condividono entrambi un'espressione comune. Nonostante ci mostri la realtà oggettiva, quest'immagine mette in discussione se una fotografia possa mostrarci ciò che è reale, sfidando la verità del nostro stesso viso. Sta chiedendo allo spettatore: “Quale dei due è la maschera?”

Molto diverso, ma anche radicato in idee, è il ritratto fotografico a doppia immagine di Marcel Duchamp scattato da Victor Obsatz nel 1953. Mostra un'immagine di un Duchamp contemplativo che guarda fuori dalla finestra, e sovrapposta ad essa un Duchamp sorridente e gioioso che ci guarda. Ci mostra il pensatore serio e il giullare giocoso e satirico, entrambi incarnati da quest'artista. Questa fotografia ci insegna come apprezzare tutti i ritratti astratti; come immagini che combinano realtà, come visioni di mondi dentro mondi. Ci mostrano un'immagine di noi stessi e suggeriscono anche che c'è di più in noi di quanto sappiamo.

Immagine in evidenza: Salvador Dalí - Galatea delle sfere, 1952. Olio su tela. Teatro-Museo Dalí, Figueres, Spagna. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park