Dietro la Pratica Trascendente di Joan Snyder

Joan Snyder ha realizzato qualcosa che pochi artisti fanno: è diventata un'icona. Di solito, per essere considerato iconico, un artista deve concentrarsi su uno stile unico, una tecnica unica o un metodo distintivo. Jackson Pollock è un'icona grazie ai suoi dipinti a spruzzo; Georgia O’Keeffe è un'icona grazie ai suoi dipinti di fiori; Mark Rothko è un'icona grazie ai suoi dipinti Color Field; Yves Klein è un'icona grazie al suo uso distintivo del “Blu IKB.” L'elenco potrebbe continuare all'infinito. Ciò che rende Snyder un'icona perfetta per il nostro tempo, tuttavia, è che non è conosciuta per una cosa specifica. Si è sforzata di non realizzare un particolare tipo di opera, né di impiegare un particolare metodo o tecnica. Dalla prima riconoscenza per il suo lavoro alla fine degli anni '60, ha continuamente evoluto la sua pratica. Ogni dipinto che crea ha una logica tutta sua, definita dal passato solo nella misura in cui ne è informata. Snyder possiede un'intuizione intrinsecamente simpatica, una che in alcuni circoli potrebbe passare per saggezza o illuminazione, ma che in realtà è più simile all'umiltà. Abbraccia ciò che è stato, accetta la sua influenza su ciò che è, e non finge di sapere cosa sarà. Questo atteggiamento la mantiene cautamente ottimista nonostante la sofferenza che ha subito, e mantiene i suoi dipinti eternamente freschi. Gli spettatori non saranno mai in grado di anticipare cosa farà Snyder nel suo studio, perché lei stessa non lo sa davvero. Anche se pianifica, schizza e annota furiosamente idee, dice che i suoi dipinti sono in realtà più simili al jazz—"succedono e basta." Snyder trascende qualsiasi tentativo di etichettare il suo lavoro rifiutando di limitarlo. Rimane aperta, onesta e libera. A differenza della maggior parte degli altri artisti iconici, che vengono intrappolati da qualche verità adottata imposta loro dalla storia o dal mercato, Snyder è un esempio iconico di un'artista che sa di dover essere solo fedele a se stessa.

Il Primo Massimalista

Se c'è una parola con cui Snyder potrebbe rischiare di essere etichettata, sarebbe il termine “Maximalista.” Nata nel 1940, ha conseguito il Master in Belle Arti nel 1966 presso la Rutgers University, a pochi chilometri da dove è cresciuta a Highland Park, nel New Jersey. Il mondo dell'arte in quel periodo flirtava con un numero ristretto di movimenti distintivi: Pop Art, Op Art, la seconda ondata di Espressionismo Astratto, Arte Concettuale, Arte Performativa. Ma senza dubbio la tendenza emergente più dominante era Minimalismo. Artisti come Donald Judd, Sol Le Witt e Frank Stella stupivano gli occhi e le menti degli appassionati d'arte con le loro composizioni ridotte, insensibili. Per molti spettatori, curatori e galleristi, il loro lavoro sembrava essere l'antidoto perfetto a due decenni di opere cariche di emozione da parte di artisti intenti a esprimere ognuno dei loro più profondi sentimenti subconscio.

Joan Snyder - Possiamo trasformare la nostra rabbia in poesia, 1985. Litografia a colori su carta Rives BFK. 30 1/4 × 44 1/4 in; 76.8 × 112.4 cm. Edizione Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder

Snyder vide questi Minimalisti e apprezzò la struttura e la sicurezza del loro lavoro. Ma si rese anche conto che il loro lavoro non aveva nulla a che fare con lei personalmente. A dire il vero, non pensava particolarmente che nessuno di quei movimenti avesse qualcosa a che fare con lei. Percepiva tutti questi movimenti artistici come evoluti da un mercato dell'arte patriarcale e da una visione distorta, incompleta e focalizzata sugli uomini della storia dell'arte. Non sapeva esattamente che tipo di dipinti voleva realizzare, ma sapeva che qualunque cosa avesse dipinto sarebbe stata vera per se stessa. I primi dipinti che realizzò dopo la scuola furono esplorazioni pittoriche del linguaggio della griglia. Successivamente arrivò una serie di cosiddetti dipinti "Stroke", che mappavano il linguaggio visivo delle pennellate. Entrambi erano tentativi di costruire una sintassi personale con cui potesse comunicare narrazioni personali stratificate e complesse. Nel frattempo, l'unica cosa su cui si concentrava più di ogni altra era mettere sempre di più nel lavoro fino a farlo dire ciò che voleva che dicesse. Dice: "La mia idea era avere di più, non di meno in un dipinto." Il suo approccio fu soprannominato "Maximalismo."

Joan Snyder - Canto d'Autunno, 2002. Olio e tecnica mista su tela. 50 × 96 in; 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder

Un Patrimonio di Lotta

Snyder ha a volte paragonato le sue opere a sinfonie. Senza dubbio, la miscela di strati di impasto, detriti, gocce e forme globulari in dipinti come “Amor Matris” (2015) o “Symphony VII” (2014) potrebbe essere letta come musica visiva in attesa di traduzione dall'agonizzato strumento dei nostri spiriti. Eppure, questi dipinti condividono anche qualcosa in comune con la letteratura epica. Le narrazioni si svolgono, spinte in avanti dall'intensa oscurità e luce dei colori e dei toni. Forme grezze e primordiali dichiarano di avere carattere e orgoglio; la loro lotta per diventare qualcosa di più presenta una sfida formidabile ai nostri occhi e alle nostre menti. Le parole che Snyder introduce in dipinti come “Powdered Pearls” (2017)—a volte scrivendole e a volte graffiandole nel medium—guidano i nostri pensieri e il nostro umore. Alla fine, tuttavia, le canzoni che sentiamo o le storie che leggiamo in queste immagini hanno più a che fare con la nostra narrativa interna che con qualsiasi cosa abbia spinto Snyder a mettere il pennello sulla superficie.

Joan Snyder - Polvere di Perle, 2017. Tecnica mista. Olio, acrilico, tessuto, matita colorata, pastello, perline e glitter su tela. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 in. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Non importa come scegliamo di guardare i dipinti che crea Snyder, l'unica cosa innegabile che hanno tutti in comune è il loro patrimonio di lotta. Snyder ha lottato con se stessa per portarli all'esistenza—un fatto testimoniato dalla loro immensa complessità visiva e profondità materiale. Eppure non sono prova del tipo di lotta che preferiremmo evitare. Invece, sono prova di una lotta quasi gioiosa. Brillano con il tipo di orgoglio giovanile che portiamo con noi a qualsiasi età ogni volta che superiamo la nostra angoscia umana naturale. È come se nella loro narrazione errante stessero cercando di offrirci soluzioni difficili da spiegare ma innegabili a problemi che abbiamo sempre saputo di avere, ma grazie a Snyder e ai suoi sforzi per essere fedele a se stessa ora sappiamo di avere in comune.

Immagine in evidenza: Joan Snyder - Piccolo paesaggio marino, 2011. Olio e acrilico su lino. 18 × 24 in; 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park