Dietro la Pratica Trascendente di Joan Snyder

Joan Snyder ha realizzato qualcosa che pochi artisti riescono a fare: è diventata un’icona. Di solito, per essere considerato iconico, un artista deve concentrarsi su un unico stile, una sola tecnica o un metodo distintivo. Jackson Pollock è un’icona per i suoi dipinti a schizzi; Georgia O’Keeffe è un’icona per i suoi dipinti di fiori; Mark Rothko è un’icona per i suoi dipinti del Campo di Colore; Yves Klein è un’icona per il suo uso caratteristico del “Blu IKB.” La lista potrebbe continuare all’infinito. Ciò che rende Snyder un’icona perfetta per il nostro tempo, tuttavia, è che non è conosciuta per una cosa specifica. Ha fatto di tutto per non realizzare un solo tipo particolare di opera, né per adottare un unico metodo o tecnica. Fin dal primo riconoscimento del suo lavoro alla fine degli anni Sessanta, ha continuamente evoluto la sua pratica. Ogni dipinto che realizza segue una logica propria, definita dal passato solo nella misura in cui ne è informata. Snyder possiede un’intuizione intrinsecamente piacevole, che in certi ambienti potrebbe essere scambiata per saggezza o illuminazione, ma che in realtà è più simile all’umiltà. Accoglie ciò che è stato, accetta la sua influenza su ciò che è, e non finge di sapere cosa sarà. Questo atteggiamento la mantiene cautamente ottimista nonostante le sofferenze vissute, e mantiene i suoi dipinti sempre freschi. Gli spettatori non potranno mai prevedere cosa Snyder farà dopo nel suo studio, perché lei stessa non lo sa davvero. Anche se pianifica, schizza e annota furiosamente idee, dice che i suoi dipinti sono più simili al jazz—“succedono semplicemente.” Snyder trascende ogni tentativo di etichettare il suo lavoro rifiutandosi di limitarlo. Rimane aperta, onesta e libera. A differenza della maggior parte degli altri artisti iconici, che rimangono intrappolati da qualche verità adottata imposta loro dalla storia o dal mercato, Snyder è un esempio iconico di un’artista che sa di dover essere solo fedele a se stessa.

La Prima Massimalista

Se c’è una parola con cui Snyder rischierebbe di essere etichettata, sarebbe il termine “Massimalista.” Nata nel 1940, ha conseguito il Master in Belle Arti nel 1966 presso la Rutgers University, a pochi chilometri da dove è cresciuta a Highland Park, New Jersey. Il mondo dell’arte in quel periodo flirtava con un piccolo numero di movimenti distintivi: Pop Art, Op Art, la seconda ondata di Espressionismo Astratto, Arte Concettuale, Arte Performativa. Ma senza dubbio la tendenza emergente più dominante era il Minimalismo. Artisti come Donald Judd, Sol Le Witt e Frank Stella stupivano gli occhi e le menti degli appassionati d’arte con le loro composizioni essenziali e disincantate. Per molti spettatori, curatori e mercanti, il loro lavoro sembrava l’antidoto perfetto a due decenni di opere cariche di emozioni da parte di artisti intenti a esprimere ogni singolo sentimento subconscio più profondo.

Joan Snyder - Possiamo trasformare la nostra rabbia in poesia, 1985. Litografia a colori su carta Rives BFK. 30 1/4 × 44 1/4 pollici; 76,8 × 112,4 cm. Edizione Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder

Snyder osservava questi Minimalisti e apprezzava la struttura e la sicurezza del loro lavoro. Ma capiva anche che il loro lavoro non aveva nulla a che fare con lei personalmente. Peraltro, non pensava che nessuno di quegli altri movimenti avesse a che fare con lei. Percepiva tutti questi movimenti artistici come evoluti da un mercato dell’arte patriarcale e da una visione distorta, incompleta e maschile della storia dell’arte. Non sapeva esattamente che tipo di dipinti voleva realizzare, ma sapeva che qualunque cosa dipingesse sarebbe stata fedele a se stessa. I primi dipinti che realizzò dopo la scuola erano esplorazioni pittoriche del linguaggio della griglia. Seguì una serie di cosiddetti dipinti “Stroke,” che mappavano il linguaggio visivo delle pennellate. Entrambi erano tentativi di costruire una sintassi personale con cui comunicare narrazioni personali stratificate e complesse. Nel frattempo, la cosa su cui si concentrava più di ogni altra era mettere sempre più elementi nell’opera fino a farle dire ciò che voleva esprimere. Dice: “La mia idea era di avere di più, non di meno in un dipinto.” Il suo approccio fu definito “Massimalismo.”

Joan Snyder - Autumn Song, 2002. Olio e tecniche miste su tela. 50 × 96 pollici; 127 × 243,8 cm. Galleria Alexandre, New York. © Joan Snyder

Un’eredità di lotta

Snyder ha talvolta paragonato le sue opere a sinfonie. Senza dubbio la mescolanza di strati di impasto, detriti, gocce e forme globulari in dipinti come “Amor Matris” (2015) o “Sinfonia VII” (2014) potrebbe essere letta come musica visiva in attesa di traduzione dallo strumento angosciato dei nostri spiriti. Eppure questi dipinti condividono anche qualcosa con la letteratura epica. Le narrazioni si svolgono, spinte avanti dall’intensa oscurità e luce dei colori e delle tonalità. Forme grezze e primordiali si dichiarano dotate di carattere e orgoglio; la loro lotta per diventare qualcosa di più presenta una sfida formidabile ai nostri occhi e alle nostre menti. Le parole che Snyder introduce in dipinti come “Powdered Pearls” (2017)—talvolta scrivendole e talvolta incidendole nel medium—guidano i nostri pensieri e il nostro stato d’animo. Alla fine, però, le canzoni che ascoltiamo o le storie che leggiamo in queste immagini hanno più a che fare con la nostra narrazione interna che con qualunque cosa abbia spinto Snyder a mettere il pennello sulla superficie.

Joan Snyder - Powdered Pearls, 2017. Tecniche miste. Olio, acrilico, stoffa, matita colorata, pastello, perline e brillantini su tela. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 pollici. Galleria Franklin Parrasch. © Joan Snyder

Qualunque sia il modo in cui scegliamo di guardare i dipinti di Snyder, l’unica cosa indiscutibile che hanno in comune è la loro eredità di lotta. Snyder ha lottato con se stessa per portarli all’esistenza—un fatto testimoniato dalla loro immensa complessità visiva e profondità materiale. Eppure non sono la prova del tipo di lotta che preferiremmo evitare. Sono invece la prova di una lotta quasi gioiosa. Brillano del tipo di orgoglio giovanile che portiamo con noi a qualsiasi età ogni volta che superiamo la nostra naturale angoscia umana. È come se, nel loro narrare lento, cercassero di offrirci soluzioni difficili da spiegare ma indiscutibili a problemi che abbiamo sempre saputo di avere, ma che grazie a Snyder e ai suoi sforzi di essere fedele a se stessa ora sappiamo di avere in comune.

Immagine in evidenza: Joan Snyder - Small Seascape, 2011. Olio e acrilico su lino. 18 × 24 pollici; 45,7 × 61 cm. Galleria Alexandre, New York. © Joan Snyder
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio