Dan Flavin e le Installazioni di Luce Astratta

Un'atmosfera di spiritualità accompagna spesso l'arte astratta. Il misticismo prospera dove la bellezza è abbondante e il significato ambiguo. Ma alcuni artisti astratti negano che le loro opere contengano profondità, qualità trascendentali o qualsiasi significato oltre le formalità estetiche. Dan Flavin è un esempio emblematico di questo fenomeno. Uno degli artisti più influenti del XX secolo, Flavin ha aperto nuove strade nell'uso della luce nell'arte modernista. Le sue opere sono belle e senza precedenti, rendendole fertili per interpretazioni creative. La loro natura eterea, la luminescenza brillante e persino i loro titoli invitano ad associazioni con il sacro. Ma Flavin sosteneva che tali associazioni non avessero alcun fondamento. Insistendo che la sua arte consisteva semplicemente nella luce che illumina l'architettura, Flavin disse: “Si potrebbe non pensare alla luce come a un fatto, ma io sì. E essa è, come ho detto, un'arte semplice, aperta e diretta come poche altre.”

Iconico o ironico

Flavin è cresciuto in una famiglia cattolica irlandese nel Queens, New York. Da adolescente studiava per diventare sacerdote. Ma non mosso dall'idea di una vita in chiesa, a 19 anni si arruolò nell'esercito insieme a suo fratello. Durante il servizio in Corea iniziò a studiare seriamente arte e, dopo aver completato il servizio, tornò a New York dove continuò gli studi artistici e svolse lavori saltuari nei musei. Nel 1961, dopo aver sperimentato vari stili di pittura e collage, creò le sue prime opere basate sulla luce, una serie di scatole dipinte appese al muro e cablate con lampadine. Chiamò queste opere “icone.”

La parola icona si riferiva a dipinti luminosi e sacri realizzati da pittori cristiani ortodossi russi in epoca bizantina. Unita alla sua storia personale di crescita in una famiglia cattolica e ai cinque anni trascorsi studiando per diventare sacerdote, l'uso del termine icona da parte di Flavin per questi oggetti poteva facilmente implicare intenzioni spirituali. Tranne che le icone bizantine erano realizzate con cura secondo rigidi standard estetici. Incorporavano materiali costosi e rari per ottenere il loro effetto luminoso e venivano create per adornare gli interni di spazi sacri e gloriosi costruiti per onorare il divino. Le icone di Flavin erano oggetti vuoti e minimali costruiti con materiali economici. Usavano luce di produzione industriale per ottenere la loro luminosità e, secondo Flavin, erano “concentrazioni costruite che celebrano stanze spoglie.” Erano in ogni senso l'opposto delle loro controparti storiche. Erano quindi iconiche o Flavin era ironico?

Dan Flavin - Senza titolo (a Véronique), 1987. Luce fluorescente rossa, gialla, blu e verde. 96 in; 243,8 cm. Waddington Custot, Londra

Monumenti alla luce

Due anni dopo aver realizzato la sua prima icona, Flavin ebbe una svolta. Fece il salto eliminando le scatole dipinte, rinunciando all'uso di qualsiasi tipo di supporto estetico secondario e optando invece per fissare le sue luci direttamente al muro. Usando luci fluorescenti leggermente modificate e acquistate in negozio come oggetti d'arte, si affiliò a movimenti come l'Arte Povera e il Dadaismo, per l'uso di materiali quotidiani e oggetti già pronti, e il Minimalismo, per la sua dipendenza da materiali e processi industriali. Flavin dedicò la sua prima opera in questo nuovo stile all'artista Constantin Brancusi, la cui scultura Colonna Infinita influenzò il suo pensiero.

Limitandosi a una palette di colori austera e a una piccola gamma di dimensioni di lampadine, Flavin iniziò un'esplorazione prolifica delle possibilità offerte dal suo nuovo stile. Realizzò 50 “Monumenti” a forma di piramide dedicati all'artista costruttivista russo Vladimir Tatlin, e creò decine di composizioni fluorescenti senza titolo dedicate ad altri artisti che lo influenzarono, come Alexander Calder, Robert Ryman e Jasper Johns. Ciò che era notevole era che queste composizioni non solo servivano come oggetti estetici, ma alteravano anche la percezione dello spazio in cui venivano esposte.

Dan Flavin - "Monumento" 1 per V. Tatlin, 1964. Tubo fluorescente (bianco freddo). 96 1/10 × 23 1/5 in; 244 × 59 cm. Mostra "Sole Nero" alla Fondation Beyeler, Riehen

Angoli, barriere e corridoi

Con l'aumentare dell'interesse per le opere di Flavin, gli fu concesso l'accesso a una gamma sempre più ampia di spazi architettonici in cui esporre. Sfruttò questo sviluppo per esplorare più a fondo il modo in cui le sue composizioni luminose potevano influenzare la natura dello spazio architettonico. Categorizzò le sue varie idee in base agli spazi che occupavano, usando nomi come “angoli,” “barriere” e “corridoi.” I suoi “angoli” occupavano lo spazio architettonico di un angolo, creando un fenomeno estetico nell'angolo stesso o usando l'angolo come punto di partenza per influenzare il resto dello spazio. Le sue “barriere” creavano divisioni artificiali nello spazio, facendo sì che la luce agisse sia come fulcro sia come elemento di disturbo nell'esperienza dello spettatore.

I “corridoi” di Flavin usavano la luce per modificare l'esperienza estetica dei corridoi. In alcuni casi distorcevano la percezione dei corridoi. In altri casi il corridoio sembrava fungere da spazio espositivo per una composizione di luci. E in alcune circostanze, le luci sembravano semplicemente esaltare la bellezza estetica dello spazio.

Dan Flavin - senza titolo (in onore di Leo al 30° anniversario della sua galleria), 1987. Luce fluorescente rossa, rosa, gialla, blu e verde. 96 × 96 in; 243,8 × 243,8 cm. Museo d'Arte Moderna di San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Situazioni e proposte

L'ambiguità delle creazioni di Flavin lo portò a smettere di chiamarle opere d'arte. Era consapevole che le sue composizioni luminose costituivano solo una parte dell'esperienza che gli spettatori potevano avere in presenza dell'opera. L'intera esperienza dello spettatore era molto più ampia di quanto anche lui potesse prevedere. Iniziò quindi a chiamare le sue creazioni “situazioni” e “proposte,” implicando che rappresentassero solo l'inizio di un processo estetico in corso.

Alcune “situazioni” abitavano luoghi sacri, come chiese. Altre occupavano spazi industriali. Altre ancora ambienti artistici tradizionali come un museo. L'esperienza completa di una Situazione di Flavin dipende dalla luce, dall'architettura, dalle condizioni atmosferiche, nonché da qualunque fattore personale che lo spettatore porta nell'ambiente basandosi sul suo rapporto preesistente con quel particolare tipo di spazio.

Dan Flavin - La diagonale del 25 maggio 1963, 1963. Luce fluorescente blu. 96 in; 243,8 cm. Museo d'Arte Moderna di San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Luci splendenti

Come contestualizziamo quindi l'opera di Flavin? Le sue qualità astratte contengono un significato più profondo e nascosto oltre le sue qualità formali? Dipende da chi si chiede. Poiché le installazioni luminose di Flavin si integrano così bene negli spazi che occupano, è naturale che gli spettatori reagiscano emotivamente quando le incontrano. Per la maggior parte di noi, la maggior parte del tempo, una stanza è solo uno spazio utilitario, illuminato non per piacere ma per funzionalità. Quando qualcuno illumina uno spazio per bellezza anziché per lavoro, lo chiamiamo illuminazione d'atmosfera, per le vivide reazioni emotive che tende a suscitare.

Ma in riferimento alla sua stessa insistenza sulla mancanza di significato sottostante delle sue opere, Flavin coniò famosamente l'espressione “È ciò che è,” continuando, “e non è nient'altro... Tutto è chiaramente, apertamente, semplicemente consegnato.” Tuttavia, come bambini che usano un cacciavite invece del martello previsto per conficcare un chiodo, restiamo tentati di riconsiderare l'arte di Flavin per i nostri scopi. Forse riflette un senso di diritto. Ci prendiamo il diritto sovrano di oggettivare un'opera d'arte nel modo che più ci aggrada, indipendentemente dall'intento dell'artista. O forse dovremmo semplicemente chiamarlo lo Sguardo dell'Interprete: un dono che noi spettatori d'arte concediamo a noi stessi che permette al valore della combinazione tra opera d'arte e noi stessi di superare quello delle singole parti.

Immagine in evidenza: Dan Flavin - La diagonale del 25 maggio 1963 (a Constantin Brancusi), 1963
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio