Come Ad Reinhardt ci ha insegnato a guardare l'arte moderna

Cosa significa essere un purista? È come essere chiusi di mente? O la ricerca della purezza è intrinsecamente nobile, come la ricerca della perfezione? Per l'artista astratto americano Ad Reinhardt, la purezza era essenziale per l'arte fine. Nel suo saggio del 1953, “Dodici regole per una nuova accademia,” Reinhardt definì l'arte fine come “arte svuotata e purificata di tutti i significati diversi dall'arte.” Continuò a spiegare che, “Più usi, relazioni e "aggiunte" ha un dipinto, meno puro è. Più cose ci sono, più il lavoro d'arte è affollato, peggio è. ‘Di più è meno’.” Questo può sembrare un'affermazione strana da parte di un pittore associato agli Espressionisti Astratti, artisti che sicuramente mettevano di più sulle loro tele, non meno. Ma sebbene Reinhardt iniziasse la sua carriera dipingendo tele espressive e dinamiche, la sua ricerca della purezza alterò drasticamente il suo approccio nel tempo. Ridusse così drammaticamente il contenuto nei suoi dipinti nel corso della sua carriera che negli ultimi anni della sua vita dipinse solo con il colore nero. Quando morì nel 1967, era così sicuro della purezza dei suoi sforzi che proclamò di aver dipinto gli ultimi dipinti mai necessari.

Arte fatta bene

La ricerca della purezza potrebbe sembrare più adatta a un monastero che a uno studio d'arte. Ma Ad Reinhardt era tanto un filosofo quanto un artista. E uno dei suoi migliori amici era infatti un monaco in un monastero. Reinhardt scambiava regolarmente lettere con lui, scambiandosi in modo fantasioso punti di vista sulla natura della vita e dell'arte. Durante la scuola di specializzazione, Reinhardt studiò la storia dell'arte, un argomento di cui sapeva più di qualsiasi altro artista della sua generazione. Forse il suo interesse nel scoprire la manifestazione ultima della purezza nell'arte aveva a che fare tanto con la curiosità intellettuale e spirituale quanto con il suo desiderio di definire la propria rilevanza nel continuum della storia dell'arte.

Quando iniziò a esporre i suoi dipinti a New York negli anni '40, erano in linea con lo stile emergente dominante dell'epoca, Espressionismo Astratto. Erano pittorici, gestuali, pieni di colori vivaci e vivi con segni astratti. Meno di un decennio dopo, rinnegò appassionatamente tutte queste cose, pubblicando un manifesto dogmatico, quasi comicamente specifico, spesso contraddittorio, che descriveva il metodo preciso per realizzare dipinti puri e moderni: dipinti che incidentalmente non avevano nulla a che fare con le sue prime opere. Se ciò sembra paradossale, è utile ricordare le famose parole di Reinhardt: “L'arte è troppo seria per essere presa sul serio.”

Ad Reinhardt - Pittura Astratta, 1960. Olio su tela. © 2018 Eredità di Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Smantellare l'Avanguardia

Per comprendere il clima culturale in cui lavorava Reinhardt, è utile guardare indietro alla storia del Modernismo. Prima della Seconda Guerra Mondiale, quasi tutti i movimenti artistici d'avanguardia avevano origine al di fuori dell'America. Dopo la Seconda Guerra Mondiale, l'America ha dato vita ad alcuni dei movimenti modernisti più influenti del secolo, tra cui l'Espressionismo Astratto, Minimalismo e il Post Espressionismo. Cosa è successo per precipitare questo cambiamento nell'influenza dell'arte americana? Aveva più a che fare con la politica che con l'arte.

Dopo la Rivoluzione tedesca nel periodo successivo alla Prima Guerra Mondiale, un governo rappresentativo salì al potere in Germania chiamato Repubblica di Weimar. Questo governo eletto democraticamente istituì riforme sociali, politiche ed economiche di ampia portata che portarono a vasti cambiamenti culturali in tutta la Germania. In questo ambiente trasformativo il Modernismo tedesco fiorì. Il Bauhaus fu fondato lo stesso anno della Repubblica di Weimar, e nella stessa città, e nei successivi 14 anni la Germania si evolse in una forza progressista leader nelle arti.

Ad Reinhardt - Collage in carta da giornale, 1940. Carta stampata ritagliata e incollata e carta nera su tavola. 15 7/8 x 20 in (40.6 x 50.8 cm). Collezione MoMA. © 2018 Eredità di Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York  

Il Lato Oscuro del Purismo

Quando il mercato azionario crollò nel 1929, la Germania, come la maggior parte degli altri paesi occidentali, vide la sua economia collassare. La successiva depressione globale causò molta frustrazione nella vita delle persone comuni. Quando il regime nazista salì al potere in Germania nel 1933, lo fece sotto le spoglie di ripristinare la grandezza storica della Germania e di invertire le tendenze del recente passato. Una delle prime cose che fece il Partito Nazista fu esercitare influenza sulla cultura tedesca. L'arte moderna era un obiettivo chiave.

Guidati da Adolf Hitler, i nazisti svilupparono un concetto di arte tedesca pura. Includeva solo arte tradizionale e classica che aderiva alla loro definizione di identità razziale e nazionalistica. Qualsiasi arte al di fuori di quella definizione veniva chiamata degenerata. Così ebbe inizio un esodo di artisti d'avanguardia dalla Germania. E man mano che l'influenza nazista si allargava oltre la Germania, anche gli artisti moderni in tutta Europa si trovarono sotto la stessa persecuzione.

Ad Reinhardt - Studio per un dipinto, 1938. Gouache su carta. 4 x 5 in (10,2 x 12,8 cm). Collezione MoMA. © 2018 Estate di Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Riassemblare l'Avanguardia

Negli anni '30 e '40, qualsiasi artista moderno europeo con i mezzi trovò un modo per andare all'estero. Essendo una delle poche capitali globali non sotto assedio da poteri fascisti, New York City divenne un faro per artisti d'avanguardia provenienti da tutto il mondo. Quegli artisti appena arrivati si mescolarono con la già vivace scena dell'arte astratta di New York, che includeva artisti nati in America come Jackson Pollock, così come artisti come Willem de Kooning e Arshile Gorky che vi si erano immigrati dopo la Prima Guerra Mondiale. Da questa cultura emersero i primi movimenti artistici modernisti americani.

Ad Reinhardt raggiunse la maturità artistica come membro di questa generazione di artisti d'avanguardia di New York del dopoguerra. Era completamente coinvolto nel vivace mix di conversazioni politiche, filosofiche, sociali e culturali che si svolgevano in questa comunità internazionale e diversificata. Partecipò a proteste e prese parte alla scena in ogni modo concepibile. Ma dissentiva dai suoi contemporanei in un modo fondamentale. Mentre loro consideravano le loro vite e la loro arte come un'esperienza olistica interconnessa, Reinhardt credeva che fosse la strada sbagliata. Come disse: “L'arte è arte. La vita è vita.”

Ad Reinhardt - Studio per un dipinto, 1939. Gouache su carta. 3 7/8 x 4 7/8 in (10 x 12,5 cm). Collezione MoMA. © 2018 Estate di Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Cerca l'Invariante

Come modo per evolvere la sua arte lontano da quella dei suoi contemporanei, Reinhardt formulò un'idea dell'"oggetto illuminato", un'opera d'arte che non faceva riferimento a nessuna cosa esterna, nessuna idea esterna, ma semplicemente esisteva come un esempio singolare del suo puro sé. L'oggetto illuminato era una forma di ciò che un spiritualista potrebbe chiamare l'"invariante", il grande ultimo, la sostanza immutabile che anche in mezzo alla trasformazione non si trasforma. Fondamentalmente stava cercando la versione artistica di Dio.

Reinhardt cercava l'invariante attraverso la negazione, il che significa che, piuttosto che definire cos'è l'arte pura, definiva cos'è l'arte pura non. Le sue 12 Regole per una Nuova Accademia, pubblicate nel 1953, contenevano la sua lista di negazioni, formulate come regole per arrivare all'arte pura. Queste regole includevano: Niente realismo, niente impressionismo, niente espressionismo, niente scultura, niente plasticismo, niente collage, niente architettura, niente decorazione, niente texture, niente pennellate, niente schizzi di idee in anticipo, niente forme, niente design, niente colori, niente luce, niente spazio, niente tempo, niente dimensione, niente movimento, niente soggetto, niente simboli, niente immagini e niente piacere. Aggiunse: “Esternamente, tieniti lontano da tutte le relazioni, e internamente, non avere desideri nel tuo cuore.”

Ad Reinhardt - Collage di carta, 1939. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Cambiando con il cambiamento

È fondamentale tenere a mente mentre si legge 12 Regole per una Nuova Accademia che Reinhardt ha lavorato come sceneggiatore comico al college, e anche che era una persona spirituale e filosofica. Aveva un'intelligenza acuta e spesso parlava intenzionalmente in affermazioni paradossali. Anche se credeva che tutte le sue regole fossero possibili da seguire singolarmente, doveva sicuramente sapere che seguirle tutte simultaneamente significava che alcune sarebbero state violate.

Ad esempio, quando si trattava dei Black Paintings che trascorse gli ultimi 12 anni della sua vita a dipingere, li definì come, “Un'icona libera, non manipolata, non manipolabile, inutile, non commerciabile, irreducibile, non fotografabile, non riproducibile, inspiegabile.” Ma non erano liberi; erano il prodotto di un sistema ideologico e dogmatico. E per quanto riguarda il fatto di essere non fotografabili e non commerciabili, in realtà si sono venduti rapidamente e continuano a essere messi in vendita regolarmente all'asta oggi, con belle fotografie incluse nei cataloghi. Quindi Reinhardt stava facendo una battuta? O stava facendo un'affermazione più profonda sulle complessità del creare e parlare di arte astratta?

Ad Reinhardt - Senza titolo, 1947. Olio su tela. Galleria Nazionale d'Arte, Washington DC. © 2018 Eredità di Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Lo Stato Immutabile

Comprendere Reinhardt significa comprendere la sua cultura. Reinhardt faceva parte di una scena artistica dominata da opere appassionate, emotive, personali e pittoriche. La sua risposta a questo è stata quella di sostenere il suo opposto. Quando gli artisti sostenevano con passione che l'arte dovesse essere reintegrata nella vita quotidiana, Reinhardt insisteva sul fatto che arte e vita sono separate. Affermava di aver dipinto gli ultimi dipinti, ma come storico dell'arte sapeva che la fine della pittura non sarebbe mai arrivata, finché ci sarebbero stati artisti disposti a dipingere.

Una certa comprensione di Ad Reinhardt si trova in questa citazione di Bruce Lee: “Cambiare con il cambiamento è lo stato immutabile.” Offrendo un'alternativa alle tendenze dominanti del momento, Reinhardt assicurò che la storia dell'arte continuasse. Come il Quadrato Nero di Kasimir Malevich, i Quadri Neri di Ad Reinhardt non hanno messo fine alla pittura, ma piuttosto hanno spinto il continuum in avanti. Essendo dogmatico, non stava insistendo che ci fosse solo un modo, stava facendo un regalo alla prossima generazione: un nemico contro cui combattere: un purista da resistere e un'ideologia da sfidare.

Immagine in evidenza: Ad Reinhardt - Numero 6, 1946. Olio su masonite. © 2018 Estate di Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park