Come Ad Reinhardt ci ha insegnato a guardare l'arte moderna

Cosa significa essere un purista? È come essere chiusi di mente? Oppure la ricerca della purezza è intrinsecamente nobile, come la ricerca della perfezione? Per l'artista astratto americano Ad Reinhardt, la purezza era essenziale per l'arte raffinata. Nel suo saggio del 1953, “Dodici Regole per una Nuova Accademia,” Reinhardt definì l'arte raffinata come “arte svuotata e purificata da tutti i significati che non siano arte.” Proseguì spiegando che, “Più usi, relazioni e “aggiunte” ha un dipinto, meno è puro. Più elementi contiene, più l'opera d'arte è affollata, peggiore è. ‘Più è meno’.” Questo può sembrare un'affermazione strana da un pittore associato agli Espressionisti Astratti, artisti che sicuramente mettevano più elementi sulle loro tele, non meno. Ma sebbene Reinhardt abbia iniziato la sua carriera dipingendo tele espressive e dinamiche, la sua ricerca della purezza ha drasticamente modificato il suo approccio nel tempo. Ridusse così drasticamente il contenuto delle sue opere nel corso della sua carriera che negli ultimi anni della sua vita dipinse solo con il colore nero. Al momento della sua morte nel 1967, era così sicuro della purezza dei suoi sforzi da proclamare di aver dipinto gli ultimi quadri di cui si sarebbe mai avuto bisogno.

Arte Fatta Raffinata

La ricerca della purezza potrebbe sembrare più adatta a un monastero che a uno studio d'arte. Ma Ad Reinhardt era tanto un filosofo quanto un artista. E uno dei suoi migliori amici era infatti un monaco in un monastero. Reinhardt scambiava regolarmente lettere con lui, scambiandosi con leggerezza punti di vista sulla natura della vita e dell'arte. All'università Reinhardt studiò storia dell'arte, un argomento di cui sapeva più di forse ogni altro artista della sua generazione. Forse il suo interesse nel scoprire la manifestazione ultima della purezza nell'arte aveva tanto a che fare con la curiosità intellettuale e spirituale quanto con il desiderio di definire la propria rilevanza nel continuum della storia dell'arte.

Quando iniziò a esporre i suoi dipinti a New York negli anni Quaranta, erano in linea con lo stile dominante emergente dell'epoca, Espressionismo Astratto. Erano pittorici, gestuali, pieni di colori vivaci e animati da segni astratti. Meno di un decennio dopo rinnegò con passione tutte queste cose, pubblicando un manifesto dogmatico, quasi comicamente specifico e spesso contraddittorio, che descriveva il metodo preciso per realizzare dipinti puri e moderni: dipinti che peraltro non avevano nulla a che vedere con le sue prime opere. Se questo sembra paradossale, aiuta ricordare le sue famose parole: “L'arte è troppo seria per essere presa sul serio.”

Ad Reinhardt - Pittura Astratta, 1960. Olio su tela. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Smantellare l'Avanguardia

Per comprendere il clima culturale in cui Reinhardt lavorò, è utile guardare alla storia del Modernismo. Prima della Seconda Guerra Mondiale, quasi tutti i movimenti d'arte d'avanguardia nacquero fuori dall'America. Dopo la Seconda Guerra Mondiale, l'America diede vita ad alcuni dei movimenti modernisti più influenti del secolo, tra cui l'Espressionismo Astratto, il Minimalismo e il Post-Espressionismo. Cosa accadde per far precipitare questo cambiamento nell'influenza dell'arte americana? Ebbe più a che fare con la politica che con l'arte.

Dopo la Rivoluzione tedesca nel dopoguerra della Prima Guerra Mondiale, salì al potere in Germania un governo rappresentativo chiamato Repubblica di Weimar. Questo governo democraticamente eletto istituì riforme sociali, politiche ed economiche di vasta portata che portarono a grandi cambiamenti culturali in tutta la Germania. In questo ambiente trasformativo il Modernismo tedesco fiorì. La Bauhaus fu fondata lo stesso anno della Repubblica di Weimar, nella stessa città, e nei successivi 14 anni la Germania divenne una forza progressista di primo piano nelle arti.

Ad Reinhardt - Collage di ritagli di giornale, 1940. Carta stampata ritagliata e incollata e carta nera su tavola. 40,6 x 50,8 cm. Collezione MoMA. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York  

Il Lato Oscuro del Purismo

Quando il mercato azionario crollò nel 1929, la Germania, come la maggior parte degli altri paesi occidentali, vide la sua economia crollare. La successiva depressione globale causò molta frustrazione nella vita delle persone comuni. Quando il regime nazista salì al potere in Germania nel 1933, lo fece sotto la maschera di restaurare la Germania alla sua grandezza storica e invertire le tendenze del passato recente. Una delle prime cose che il Partito Nazista fece fu esercitare influenza sulla cultura tedesca. L'arte moderna fu un bersaglio chiave.

Guidati da Adolf Hitler, i nazisti svilupparono un concetto di arte tedesca pura. Includeva solo arte tradizionale, classica, che aderiva alla loro definizione di identità razziale e nazionalistica. Qualsiasi arte al di fuori di quella definizione veniva chiamata degenerata. Iniziò così un esodo di artisti d'avanguardia dalla Germania. E man mano che l'influenza nazista si estendeva oltre la Germania, gli artisti moderni in tutta Europa si trovarono sotto la stessa persecuzione.

Ad Reinhardt - Studio per un dipinto, 1938. Gouache su carta. 10,2 x 12,8 cm. Collezione MoMA. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Riassemblare l'Avanguardia

Durante la fine degli anni Trenta e i primi anni Quaranta, ogni artista moderno europeo con i mezzi trovò un modo per andare all'estero. Essendo una delle poche capitali mondiali non sotto assedio da potenze fasciste, New York divenne un faro per artisti d'avanguardia da tutto il mondo. Quegli artisti appena arrivati si mescolarono con la già vivace scena dell'arte astratta di New York, che includeva artisti nati in America come Jackson Pollock così come artisti come Willem de Kooning e Arshile Gorky che vi avevano immigrato dopo la Prima Guerra Mondiale. Da questa cultura emersero i primi movimenti modernisti americani.

Ad Reinhardt raggiunse la maturità artistica come membro di questa generazione di artisti d'avanguardia di New York del dopoguerra. Era pienamente coinvolto nel vivace intreccio di conversazioni politiche, filosofiche, sociali e culturali che si svolgevano in questa comunità internazionale e diversificata. Partecipava a proteste e prendeva parte alla scena in ogni modo possibile. Ma non era d'accordo con i suoi contemporanei su un punto fondamentale. Mentre loro consideravano le loro vite e la loro arte intrecciate in un'unica esperienza olistica, Reinhardt credeva che quella fosse la strada sbagliata. Come disse: “L'arte è arte. La vita è vita.”

Ad Reinhardt - Studio per un dipinto, 1939. Gouache su carta. 10 x 12,5 cm. Collezione MoMA. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Ricerca dell'Invariante

Come modo per evolvere la sua arte lontano da quella dei suoi contemporanei, Reinhardt formulò l'idea dell’“oggetto illuminato,” un'opera d'arte che non faceva riferimento a nulla di esterno, a nessuna idea esterna, ma esisteva semplicemente come esempio singolare del suo sé puro. L'oggetto illuminato era una forma di ciò che uno spiritista potrebbe chiamare “l'invariante,” il grande ultimo, la sostanza immutabile che anche nel mezzo della trasformazione non si trasforma. Essenzialmente cercava la versione artistica di Dio.

Reinhardt cercò l'invariante attraverso la negazione, cioè invece di definire cosa sia l'arte pura definì cosa l'arte pura non è. Le sue 12 Regole per una Nuova Accademia, pubblicate nel 1953, contenevano la sua lista di negazioni, formulate come regole per arrivare all'arte pura. Queste regole includevano: niente realismo, niente impressionismo, niente espressionismo, niente scultura, niente plasticismo, niente collage, niente architettura, niente decorazione, niente texture, niente pennellate, niente schizzi di idee in anticipo, niente forme, niente disegno, niente colori, niente luce, niente spazio, niente tempo, niente dimensioni, niente movimento, niente soggetto, niente simboli, niente immagini e niente piacere. Aggiungeva, “Esternamente, tieniti lontano da tutte le relazioni, e internamente, non avere desideri nel cuore.”

Ad Reinhardt - Collage di carta, 1939. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Cambiare con il Cambiamento

È fondamentale tenere a mente mentre si legge 12 Regole per una Nuova Accademia che Reinhardt lavorò come autore comico all'università, e anche che era una persona spirituale e filosofica. Aveva un acuto senso dell'umorismo e spesso parlava intenzionalmente con affermazioni paradossali. Anche se credeva che tutte le sue regole fossero possibili da seguire singolarmente, doveva sicuramente sapere che seguirle tutte contemporaneamente avrebbe significato violarne alcune.

Per esempio, per quanto riguarda i Dipinti Neri che dipinse negli ultimi 12 anni della sua vita, li definiva, “Un'icona libera, non manipolata, non manipolabile, inutile, non commerciabile, irriducibile, non fotografabile, non riproducibile, inspiegabile.” Ma non erano liberi; erano il prodotto di un sistema ideologico e dogmatico. E per quanto riguarda il non essere fotografabili e non commerciabili, in realtà si vendevano rapidamente e continuano a comparire regolarmente in vendita all'asta oggi, con belle fotografie incluse nei cataloghi. Quindi Reinhardt stava facendo uno scherzo? O stava facendo un'affermazione più profonda sulle complessità del fare e parlare di arte astratta?

Ad Reinhardt - Senza titolo, 1947. Olio su tela. National Gallery of Art, Washington DC. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Lo Stato Immobile

Capire Reinhardt significa capire la sua cultura. Reinhardt faceva parte di una scena artistica dominata da opere appassionate, emotive, personali e pittoriche. La sua risposta fu di sostenere il contrario. Mentre gli artisti sostenevano con passione che l'arte dovesse essere reintegrata nella vita quotidiana, Reinhardt insisteva che arte e vita sono separate. Affermò di aver dipinto gli ultimi quadri, ma come storico dell'arte sapeva che la fine della pittura non sarebbe mai arrivata, finché ci saranno artisti disposti a dipingere.

Una certa comprensione di Ad Reinhardt si trova in questa citazione di Bruce Lee: “Cambiare con il cambiamento è lo stato immobile.” Offrendo un'alternativa alle tendenze dominanti del momento, Reinhardt assicurò che la storia dell'arte continuasse. Come il Quadrato Nero di Kasimir Malevich, i Dipinti Neri di Ad Reinhardt non misero fine alla pittura, ma spinsero il continuum avanti. Essendo dogmatico non insisteva che ci fosse un solo modo, ma offriva un dono alla generazione successiva: un nemico contro cui lavorare: un purista da resistere e un'ideologia da sfidare.

Immagine in evidenza: Ad Reinhardt - Numero 6, 1946. Olio su masonite. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio