Come dipingere arte astratta? Diventa un maestro.

Prima di iniziare, assicuriamoci che tutti siano nel posto giusto. Questa è una guida esperta su come dipingere arte astratta. Salteremo le basi come le tecniche del pennello, la teoria del colore, come tendere la tela, cosa sono le linee e come disegnarle, e dipingere la figura umana/natura morta/paesaggio/animale/scena di genere. Non tratteremo nemmeno questioni come chi sono, perché sono qui, perché fare arte, perché fare qualsiasi cosa, ecc. Inoltre, dovreste probabilmente avere già una conoscenza di base della storia dell’arte, diciamo dalle pitture rupestri fino al presente. Bene allora. Se siamo tutti pronti a procedere, cominciamo!

Come Dipingere Arte Astratta – Una Guida in 8 Passi

Primo Passo: Essere Dotati

Questo potrebbe deludere alcuni di voi. È un errore comune pensare che l’arte astratta sia fatta da artisti che non sanno disegnare, non hanno formazione accademica, o che sono semplicemente irrequieti. È vero, molte persone senza formazione e senza talento si impegnano in comportamenti che portano a stendere vernice su superfici in modi che producono immagini irriconoscibili. Ma mentre potremmo chiamare questo quasi tutto il resto, come passare il tempo, hobby, usare materiali in garage, o sfogarsi, ciò che non chiamiamo è “dipingere arte astratta.”

Essere un artista astratto è come essere un avvocato o il Primo Ministro. È una professione. Richiede formazione. Devi lavorarci a tempo pieno ed essere dedicato. Astratto non significa dilettante. Considera l’artista astratto geometrico canadese John Monteith. Ha conseguito la laurea presso l’Ontario College of Art and Design nel 1997. Poi, dopo quasi un decennio di lavoro, mostre e pubblicazioni, è tornato a studiare, ottenendo il master alla Parsons di New York nel 2008. Da allora ha completato residenze in Germania e Svizzera e ha tenuto conferenze ed esposto in tutto il mondo. Per avere successo come pittore astratto, serve una combinazione di istruzione, concentrazione, perseveranza e abilità; in altre parole, talento.

John Monteith - Tableau #3, 2014. 120 x 90 cm

Secondo Passo: Essere Intenzionali

Anche questo potrebbe deludere, ma sì, anche i dipinti astratti nascono da un’idea. È molto più divertente e alla moda immaginare gli artisti astratti come creature mistiche che canalizzano forze cosmiche che neanche loro comprendono, e che il loro processo incomprensibile li conduce come zombie alla tela dove poteri imprevisti scorrono attraverso di loro senza controllo, e che i dipinti risultanti sono aperti a interpretazioni così selvagge che ogni significato attribuito è potenzialmente valido.

Ma anche un rapido sguardo alla storia dell’arte astratta dimostra che è vero il contrario. I primi astrattisti come Wassily Kandinsky e Pablo Picasso erano guidati da uno scopo. Con dedizione scientifica hanno smontato la pittura, isolando elementi come colore, linea, forma, trama, luminosità, gesto, superficie e tratto. Con intenzione cercavano modi per usare questi componenti per esprimere qualcosa di universale, come i compositori usano elementi come tono, ritmo, metro e tonalità per esprimere universalità astratte attraverso la musica. Anche pittori astratti mistici come Hilma Klint e astrattisti surrealisti come Joan Miró partivano da concetti e realizzavano opere informate da idee.

Richard Caldicott - Untitled #109, 1999. 35 x 27 cm

Terzo Passo: Essere Rilevanti

Oggi è comune che gli artisti passino direttamente dal liceo all’università, dall’università alla scuola di specializzazione, e dalla scuola di specializzazione alla pratica professionale. Che tipo di arte può fare un venticinquenne che non ha mai lavorato a tempo pieno, non è mai stato completamente responsabile di pagare bollette, non ha mai mantenuto una casa, gestito dipendenti, o in generale affrontato le varie difficoltà della lotta umana moderna per la sopravvivenza?

Per essere un professionista, avere intenzione nel proprio lavoro e essere rilevante, devi conoscere gli altri esseri umani. Vedi il mondo. Viaggia. Leggi. Impara a cucinare. Vai a una manifestazione. Sostieni qualcosa. Cambia idea e sostieni qualcos’altro. Impara com’è la vita per gli altri 7 miliardi di persone sul pianeta che potrebbero incontrare la tua arte. Nel suo curriculum professionale, la pittrice astratta olandese José Heerkens elenca viaggi di studio in quasi una dozzina di paesi su quattro continenti. Questi viaggi informano direttamente il suo senso di sé e il suo vocabolario visivo, producendo opere stratificate, moderne e globali. Capisci, l’arte astratta non deve per forza “riguardare qualcosa,” ma deve essere fatta da qualcuno che lo fa.

Jessica Snow - Six Color Theorum, 2013. 122 x 122 cm

Quarto Passo: Avere un’Opinione

Se vuoi essere un artista astratto professionista, prima o poi dovrai mostrare il tuo lavoro a qualcuno. Gli spettatori faranno domande come: “Questa immagine è simbolica di qualcos’altro, o si riferisce solo a se stessa?” oppure, “Questo dipinto è stato ottenuto attraverso l’oscuramento intenzionale di oggetti riconoscibili, o è il risultato di gesti intuitivi e non rappresentativi?” oppure, “Perché rosso? Perché non blu?” ecc.

Come artista professionista, devi sostenere ciò che crei. Sii sicuro e sincero. Non c’è sostituto per la chiarezza intellettuale. Non devi spiegare il tuo lavoro, o dire cosa significa o di cosa tratta. Ma rifiutare di spiegare la tua intenzione, rimandare le domande allo spettatore, o non dire nulla è solo egoista, e lascia agli altri il compito di definire la tua opera.

Jeremy Annear - Morning Space, 2008. 120 x 160 cm

Quinto Passo: Avere il Controllo

Quando l’opera di Jackson Pollock fu criticata come caotica, Pollock rispose: “Niente caos, dannazione.” L’arte non è accidentale. Gli atti non intenzionali si chiamano errori. Ogni segno che finisce sulla superficie di un dipinto astratto è il risultato delle azioni e delle scelte del pittore. Anche se un pittore sceglie di mettere un dipinto fuori sotto la pioggia, le macchie d’acqua risultanti sono frutto di una scelta.

E se il pittore non è soddisfatto di un segno, può cancellarlo, coprirlo, modificarlo o distruggere il dipinto. Questo si chiama correggere. Lavori, correggi, lavori ancora. Perché nascondersi dietro la menzogna degli incidenti nel proprio lavoro? L’astrazione non è caos. Assumiti la responsabilità di ogni segno su ogni dipinto. Se succede qualcosa nel lavoro che non avevi pianificato consapevolmente, affrontalo. Confronta l’evento imprevisto e decidi se mantenerlo o no. Qualunque cosa decida, e qualunque cosa diventi l’opera, sarà per scelta.

Greet Helsen - O.T, 2014. 70 x 100 cm

Sesto Passo: Essere Aperti

Forse questo passo sembra controintuitivo, dato che i primi cinque passi hanno sottolineato l’importanza di essere intenzionali, concettuali e controllati. Non stiamo dicendo di dimenticare tutto ciò. Stiamo solo dicendo di aprirsi. Connettiti con il tuo subconscio. Da qualche parte nella tua psiche c’è qualcosa di universale per ogni membro della razza umana. Lascia che le tue emozioni guidino il tuo corpo. Dipingi visceralmente. Metti i tuoi sentimenti sulla tela. Anche se ciò che dipingi è intuitivo, primordiale, non pianificato e libero, stai comunque facendo scelte. Correggi ancora. E decidi quando il dipinto è completo.

Ashlynn Browning - Stacked, 2014. 111 x 101 cm

Settimo Passo: Essere Puri

Preparati una tazza di tè. Guarda nella tazza e dì ad alta voce, “Questo è tè.” Ora versa un po’ di succo d’arancia nel tè. Guarda di nuovo nella tazza e chiediti, “Cos’è questo?” Gli artisti contemporanei hanno accesso a tutta la storia dell’arte. Sono liberi di esplorare qualsiasi stile e qualsiasi mezzo, e di mescolare stili e mezzi per trovare la loro voce unica e realizzare la loro visione concettuale. Ma quando gli stili si mescolano, cosa resta?

Se dipingi un monocromo astratto ma poi incolli un collage di stelle della TV reale sopra, è ancora astratto? Contiene elementi di astrazione, ma è lo stesso? La maggior parte di noi concorderebbe che se dipingi un’immagine di una margherita sopra un dipinto del campo di colore di Rothko, è come versare succo d’arancia nel tè. Finisci solo per chiederti, “Cos’è questo?” Chiamare un dipinto astratto significa qualcosa. Per mantenere quel significato, la purezza è fondamentale.

Mark Rothko - Four Days in Red, 1958. Olio su tela. Dimensioni complessive: 258,6 × 295,6 cm. Collezione Whitney Museum of American Art, New York. Acquisto con fondi da Friends of the Whitney Museum of American Art, Mr. e Mrs. Eugene M. Schwartz, Mrs. Samuel A. Seaver e Charles Simon. © Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko/Artists Rights Society (ARS), New York

Ottavo Passo: Essere Nuovi

Recentemente abbiamo sentito un pittore descrivere il lavoro di un altro pittore come “dipinti rappresentativi di dipinti astratti.” A parte l’umorismo della frase, ha sollevato il punto che siamo i beneficiari di più di un secolo di arte astratta, e i grandi pittori astratti del XX secolo hanno realizzato tanto! Per raggiungere il livello di quei grandi artisti che ci hanno preceduto, i pittori astratti di oggi devono trovare modi per creare opere nuove.

Sì, ogni pittore deve affrontare la necessità di occupare in qualche modo lo spazio vuoto della superficie. E di tutte le richieste che abbiamo fatto finora ai pittori astratti, la sfida aggiuntiva di occupare quello spazio vuoto con qualcosa di completamente nuovo potrebbe sembrare la più ardua. Ma è questa capacità di esprimere qualcosa di fresco e unico che è più vitale per il futuro dell’astrazione.

Se segui gli altri sette passi; cioè se sei dotato, intenzionale, rilevante, hai un’opinione, rimani in controllo, resti aperto e ti sforzi di essere puro; non potrai essere altro che onesto e fedele a te stesso. E l’onesta espressione di sé non può che portare a qualcosa di unicamente tuo, e per definizione, nuovo.

Immagine in evidenza: Willem de Kooning - Astrazione, 1949 - 1950. Olio e oleoresina su cartone. 41 x 49 cm. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. © The Willem de Kooning Foundation, New York /VEGAP.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio