Mitchell-Innes e Nash Saluta l'Arte di Julian Stanczak

Il pittore Julian Stanczak è morto all'inizio di quest'anno nella sua città natale, Cleveland, Ohio, all'età di 88 anni. Prima della sua morte, Mitchell-Innes e Nash a New York stavano pianificando quella che sarebbe stata la seconda mostra personale della sua opera nella galleria. Quella mostra è stata inaugurata il 18 maggio, meno di due mesi dopo la scomparsa di Stanczak, ed è diventata più di un semplice evento. È una celebrazione del lavoro e della vita di un artista veramente amato e influente. Il sottotitolo della mostra è La vita della superficie, Pitture 1970-1975. Come indicato, presenta solo opere realizzate in un periodo di cinque anni negli anni '70. Ma ciò che è più importante è il riferimento alla vita che Stanczak ha portato nel suo lavoro e al mondo dell'arte in generale. Come uno dei progenitori di ciò che alla fine divenne noto come Op Art, Stanczak è stato un pioniere che ha scoperto le cose straordinarie che possono essere realizzate utilizzando solo i semplici elementi di colore e linea.

Inventare accidentalmente l'Op Art

Oggi il termine Op Art è compreso dalla maggior parte degli amanti dell'arte, curatori, educatori e collezionisti come un tipo di arte geometrica e psichedelica che inganna l'occhio facendogli percepire movimento, spazio e luce dove in realtà non esistono. Il movimento è solitamente legato a un pugno di artisti di grande nome come Bridget Riley e Victor Vasarely, che erano, nei primi giorni, i suoi sostenitori più in vista. E il pubblico contemporaneo tende a percepirlo come un movimento coeso, in cui gli artisti coinvolti avevano un'agenda compresa, o stavano almeno seguendo una direzione estetica coesa.

Ma la verità sull'Op Art è molto meno glamour di così. Il termine Op Art è emerso dal titolo di un'esposizione del lavoro di nientemeno che Julian Stanczak. La mostra è stata la sua prima a New York ed è stata tenuta alla Martha Jackson Gallery nel 1964. La stessa Martha Jackson ha intitolato la mostra Julian Stanczak: Optical Paintings. Quando viaggiò a New York dalla sua casa a Cleveland per vedere la mostra, Stanczak apprese il titolo per la prima volta quando lo vide scritto sulla finestra della galleria. In un'intervista del 2011, Stanczak ricordò: “Ho detto, ‘O mio Dio, da dove lo prendi? Martha, come puoi dire ottico?’” Jackson cercò di calmarlo rispondendo: “Ehi, Julian, questo è qualcosa su cui i critici d'arte possono riflettere.” E rifletterono davvero. Infatti, un giovane scultore di nome Donald Judd che scriveva critiche per Arts magazine all'epoca, recensì la mostra e in riferimento al suo titolo coniò la frase Op Art nella sua recensione.

Julian Stanczak - Blu Statico, 1973, Acrilico su tela, 48x120in

Colore e linea

In retrospettiva, sembra davvero ridicolo isolare un particolare tipo di pittura e definirlo ottico. La parola ottico si riferisce a qualsiasi fenomeno che esiste all'interno dello spettro visibile della luce. Ma nel contesto delle pitture incluse nella prima mostra di Julian Stanczak alla Martha Jackson Gallery, il termine è stato interpretato non solo per riferirsi a ciò che è visibile, ma piuttosto per avere a che fare con illusioni ottiche. Stanczak ha impiegato la combinazione di colore e linea per dare l'impressione di profondità e movimento, e per suggerire che la luce stesse emanando dalla superficie dell'opera. Ma nulla dell'opera era un tentativo di ingannare qualcuno. Era semplicemente un'indagine sulle possibilità di ciò che colore e linea potevano realizzare da soli.

La sua attrazione iniziale per gli elementi di colore e linea iniziò per Stanczak decenni prima di quella prima mostra a New York, quando era un giovane in un campo profughi in Uganda durante la Seconda Guerra Mondiale. Aveva perso l'uso del suo braccio destro dominante mentre lavorava in un campo di lavoro, e poi lo aveva ulteriormente infortunato a causa di medici dell'esercito incompetenti. L'infortunio pose fine al suo sogno di diventare musicista, così, arrivato in Africa e notando la sua bellezza e i suoi colori, colse l'opportunità di imparare a disegnare e dipingere con la mano sinistra. Il suo lavoro di quel periodo è straordinario, dimostrando che anche con la sua mano non dominante possedeva un'abilità poco comune nel dipingere dalla realtà. Ma non aveva alcun desiderio di dipingere ciò che aveva visto e vissuto. Cercava invece soggetti astratti che potessero aiutarlo a dimenticare il passato e a dipingere qualcosa di universale.

Julian Stanczak - La vita della superficie, Pitture 1970 – 1975, vista dell'installazione presso Mitchell-Innes e Nash NY, 2017

Arrivo in Ohio

Non appena fu in grado, Stanczak venne in America dove si unì ai membri della sua famiglia che vivevano in Ohio. Trovò la città di Cleveland ben adatta alle sue ambizioni artistiche, scoprendo lì una vibrante sinfonia e un museo d'arte. Si iscrisse a corsi d'arte all'Art Academy of Cincinnati, ed è lì che iniziò a concentrarsi specificamente sull'elemento del colore. Ma scoprì rapidamente che nessuno nella sua scuola era in grado di insegnargli tutto ciò che voleva sapere. Disse Stanczak, “Mi stavo divertendo con il colore. E volevo sapere di più su di esso. E nessuno rispondeva alle mie domande. Così ho sentito che Albers è un esperto. E dove insegna? A Yale. Così vado a Yale."

Con Albers, Stanczak si riferiva a Joseph Albers, uno dei principali esperti modernisti del colore. Joseph Albers e sua moglie Anni furono insegnanti influenti al Bauhaus prima della Seconda Guerra Mondiale. Quando i nazisti costrinsero il Bauhaus a chiudere, viaggiarono in Carolina del Nord su invito per insegnare al Black Mountain College. In seguito si trasferirono a Yale. Sapendo che Albers era il massimo esperto di colore al mondo, Stanczak fece domanda a Yale per un lavoro di laurea. E mentre studiava sotto Albers, si rese conto che tutto ciò che desiderava esprimere poteva essere espresso con il colore, insieme alla semplice aggiunta di linee.

Julian Stanczak - La vita della superficie, Pitture 1970 – 1975, vista dell'installazione presso Mitchell-Innes e Nash NY, 2017

L'occhio reattivo

Due anni dopo la sua prima esposizione alla Martha Jackson Gallery, quella che portò alla coniazione del termine Op Art, il Museum of Modern Art di New York allestì la sua ambiziosa esposizione di arte astratta geometrica chiamata The Responsive Eye. Julian Stanczak fu incluso nella mostra, così come il suo insegnante a Yale, Joseph Albers, la già citata Bridget Riley e Victor Vasarely, e altri 95 artisti provenienti da 15 paesi. Quella esposizione è diventata famosa per aver introdotto l'Op Art nell'immaginario collettivo. Ma all'epoca, il MoMA non usò mai il termine Op Art per riferirsi alle opere in mostra. Invece, il museo utilizzò termini come percezione per evidenziare la loro esplorazione dei nuovi modi in cui gli artisti stavano usando geometria, colore, superficie, linea e luce per esaminare come le persone vedono.

Come ha detto William C. Seits, che ha diretto la mostra The Responsive Eye, nel comunicato stampa per l'evento, “queste opere esistono meno come oggetti da esaminare che come generatori di risposte percettive nell'occhio e nella mente dello spettatore. Utilizzando solo linee, bande e motivi, aree piatte di colore, bianco, grigio o nero o legno, vetro, metallo e plastica tagliati puliti, gli artisti percettivi stabiliscono una nuova relazione tra l'osservatore e un'opera d'arte. Questi nuovi tipi di esperienze soggettive...sono completamente reali per l'occhio anche se non esistono fisicamente nell'opera stessa.” The Responsive Eye ha dato un enorme impulso alla carriera di Julian Stanczak, così come a molti altri artisti presenti nella mostra. Ma Stanczak non si è trasferito a New York, dove avrebbe facilmente potuto godere di una fama immensa. Invece, è rimasto a Cleveland, dove ha insegnato pittura per 38 anni al Cleveland Institute of Art.

Julian Stanczak - La vita della superficie, Pitture 1970 – 1975, vista dell'installazione presso Mitchell-Innes e Nash NY, 2017

Ricordando Julian Stanczak

Dalla sua casa a Cleveland, lontano dalle capitali del mondo dell'arte, Stanczak continuò a esplorare il colore e la luce nelle sue opere per il resto della sua vita. Il suo meticoloso processo di stesura di strati di vernice con la mano sinistra, non dominante, era dispendioso in termini di tempo e laborioso. Ma nel suo processo trovò gioia e liberazione, entrambe le quali emanano a fiumi dal suo lavoro. Nel corso dei decenni, i suoi dipinti furono acquisiti da quasi 100 musei in tutto il mondo, anche se fu praticamente ignorato dalle gallerie di New York.

Ma finalmente nel 2004, Stanczak tornò a New York con mostre personali consecutive alla Stefan Stux Gallery. E nel decennio successivo apparve in diverse mostre collettive in città, diventando gradualmente di nuovo prominente nella mente del pubblico acquirente d'arte. Poi nel 2014, gli fu data la sua prima esposizione alla Mitchell-Innes & Nash. L'attuale esposizione postuma del suo lavoro è perfettamente sottotitolata, poiché Stanczak ha effettivamente trascorso una vita a dare vita alle superfici dei suoi dipinti. Rimarrà aperta solo fino al 24 giugno 2017, quindi affrettati se vuoi vederla. Ma se la perdi, non preoccuparti. Mentre il mondo si rende conto del genio che ha perso, sarà probabilmente solo la prima esposizione a celebrare l'eredità di questo maestro del colore e della linea.

Immagine in evidenza: Julian Stanczak - La vita della superficie, Pitture 1970 – 1975, vista dell'installazione presso Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

Tutte le immagini sono gentilmente fornite da Mitchell-Innes e Nash

Di Phillip Park