ハワード・ホジキンの連想抽象 - 色彩の巨匠
ハワード・ホジキンは、自身の絵画を捧げ物と見なしています。彼は、記憶や感情という原材料を、他者にとって役立つことを願う表現豊かなオブジェクトに変換します。抽象画家がアートは役に立つべきだと提案するのは異端に聞こえるかもしれません。モダニズムには、アートには全く実用的な目的がないと主張する多くのアーティストがいます。しかし、ホジキンは、自身の意味のある経験に触発された彼の絵画が、他者の生活に意味を与えることができると信じています。彼の絵画が正確に何を意味するのかについて、ホジキンは決して明言しないように気をつけています。タイトルに見られる暗示的な参照を除けば、彼はその創作を促した記憶や感情についてほとんどほのめかすこともありません。観客の反応を指示するのではなく、彼はすべてをオープンにし、色や筆致を通じて記憶や瞬間を呼び起こすことにより、私たちが彼の絵を通じて無制限に彼との関係を築くことを期待しています。
関連抽象
ハワード・ホジキンは芸術家の家族に生まれました。彼のいとこはイギリスの風景画家エリオット・ホジキンで、ハワードが1932年に生まれた時にはすでに成功への道を歩んでいました。しかし、ハワードとエリオットは今やイギリス美術の歴史において尊敬される貢献者であるものの、彼らの絵画に対するアプローチはまったく異なります。エリオットは厳格に具象的なアプローチを取り、彼の最大の業績は、野菜や一般的な風景など、普通のものの中に美しさを見出すように観客を納得させることだと一度言いました。しかし、ハワードは若い頃に抽象を採用し、彼の絵画はまったく美しくないと信じており、それを美しいと呼ぶことは、彼らを軽視することになるかもしれないと考えています。
ハワード・ホジキン - アート、1999-2005。木に油彩。52.4 x 55.3 cm。© 2019 ハワード・ホジキン
ハワードは自分が制作する絵画を物体として捉えていますが、観客がそれを感情的なレベルで解釈することを意図しています。彼が制作する各絵画は、瞬間の印象を体験することから始まります：色、光、周囲、そして形。彼はその印象を自宅に持ち帰り、スタジオで絵の具を使って表現します。私たちは彼のプロセスを連想的抽象と呼びます。なぜなら、彼は個人的な連想から非具象的なイメージを創造するからです。彼は自分自身を感情的な状況の具象画家と呼んでいます。
ハワード・ホジキン - ロシア音楽について学ぶ、1999年。木に油彩。55.9 x 65.4 cm。プライベートコレクション。© 2019 ハワード・ホジキン
抽象化を見つける
ホジキンが描いた最初の作品は、具象的で表現的でした。しかし、彼が20代後半になると、彼のスタイルはより抽象的に変化しました。彼の形は簡素化され、正確な形を伝えるために色を使うのではなく、構成の全体的な感情的本質を表現するために色を使うようになりました。彼は彼の抽象的な構成に、特定のものではないが微妙にコミュニケーションを取るタイトルを付け、私的な経験や思い出をほのめかしました。
ハワード・ホジキン - 回想録、1949年。グワッシュ、ボード上。22 x 25 cm。© 2019 ハワード・ホジキン
ホジキンが抽象を受け入れている一方で、彼の友人で同時代のデイヴィッド・ホックニーは具象画家として知られるようになっていました。ホックニーは注目を集め、経済的成功を収める一方で、ホジキンは比較的匿名のままで、経済的に苦しんでいました。それにもかかわらず、ホジキンは個人的で親密な美的スタイルを追求し、批評家の称賛を厳密に追求するのではなく、色と絵具を通じて感情を伝えるより微妙な方法を探求していました。
ハワード・ホジキン - グラモフォン、1957年。油彩、ボード。76.2 x 63.5 cm。© 2019 ハワード・ホジキン
制御対象オブジェクト
1970年代、ホジキンは観客が彼の絵画をどのように考えるかに対する自分のコントロールを高めるための戦略を開発しました。彼は、彼の絵画が物体として際立つほど、観客を引き込んでより長い時間それらを考慮させることができると感じていました。画像に追加されたフレームが画像への侵入を表すことに気づき、彼は画像の端に沿って境界を描くか、まず絵画をフレーミングし、その後フレームを構成の一部として描くことを始めました。
フレームを塗ることで、彼は絵画を物体として完全に無視し、追加の美的要素によって変更されるのを防ぎました。彼は、自身の絵画が掛けられている壁にもこのコントロールの行為を拡張し、それを観客と作品との間の潜在的な障壁と見なしました。1984年のヴェネツィア・ビエンナーレでは、ホジキンは自分の展示の壁を緑に塗りました。彼は当時のインタビューで、白い壁は光を反射しすぎると述べました。緑の壁は光を反射しなかったので、彼の絵によってすべての光が反射されることができました。
ハワード・ホジキン - 私たちはいつモロッコに行ったのか、1988年 - 1993年。木に油彩。196.9 x 269.2 cm
最大限の表現
ホジキンは現在80代半ばでありながら、依然として画家として活動しています。最近のインタビューでは、彼が自分の作品に対する認知を得るのに苦労した時期について語りました。彼は、比較的若い頃に成熟したスタイルを見つけたものの、誰も彼を真剣に受け止めるまでにさらに数十年かかったと述べています。彼は30代の頃に自殺を考えたことさえあると語っています。しかし、年を重ねるにつれて、名声や認知に対する関心が次第に薄れていき、感情をより直接的に表現するための戦略を開発することに集中できるようになったとも言っています。
彼の抽象への最初の変革は、少なく見せて多くを表現しようとすることでした。物の見た目通りに描かないことで、彼はそれらを感じる通りに描こうとしました。彼は色の表現力と、複雑さを伝えるための絵具自体の力に焦点を当てました。彼の作品が単に色と絵具に関するものになればなるほど、真の主題—感情—が表れることができました。本質的に、時間が経つにつれて、彼はより多くのことを言わないように学びました。今、彼が「老齢」と呼ぶ時期に、彼はついに自分の絵ができるだけ少なく語ることを許したと言います。そうすることで、最大限の表現を達成できるのです。
ハワード・ホジキン - ナイト・ソーツ、2014 – 2015。木に油彩。37.1 x 47.9 cm。© 2019 ハワード・ホジキン
特集画像：ハワード・ホジキン - ナンのための涙（詳細）、2014年。木に油彩。28.6 x 29.8 cm。© 2019 ハワード・ホジキン
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による
