ギュンター・フォーグと反抗的なアートの儚い美

今年はドイツのアーティストギュンター・フォルグの死から5周年です。この機会を記念して、アムステルダムのステデリック美術館は、彼のキャリア全体を網羅した大規模な展覧会ギュンター・フォルグ：脆い美を開催しており、2018年10月14日まで展示されています。この展覧会では、フォルグが30年のキャリアの中で追求したいくつかの異なる関心領域を探求し、少なくとも8つの完全にユニークな作品群からの例が含まれています。この展示で直ちに明らかになるのは、フォルグが今日私たちが呼ぶところのマルチディシプリナリーアーティストであったということです。しかし、彼は自分自身をそのようには考えていませんでした。彼は異なるメディウムの違いについて考える意味がないと見なしていました。彼は自分自身をただのアーティストと呼んでいました。彼は、あるメディウムから別のメディウムに移る唯一の理由は、作業に興味を持ち続けるための単純な欲求からであると認めていました—彼は退屈しないように時々変化が必要でした。しかし、彼が生きていた間、彼のマルチディシプリナリーな実践は、批評家によって誤解されていた多くのことの一つでした。彼が複数のメディウムを使用したため、フォルグはそれぞれの限界を批評していると見なされました。彼は、確立されたアートの定義に挑戦するためにマルチディシプリナリーアプローチを使用していたポストモダンアーティストの世代に分類されました。さらに、彼の作品が過去の美的傾向を参照していたため、批評家たちは彼がモダニズムやアート史全般について皮肉を言おうとしていると仮定しました。彼について彼らが誤解していたこと、そしてこの調査が明らかにしようとしていることは、フォルグが本当に皮肉や批評をしようとしていたわけではないということです。彼はポストモダニストではありませんでした。彼は探求心旺盛で誠実なアーティストであり、彼の思考は彼が評価されていた以上に深いものであり、アートの創造に対する彼のオープンエンドなアプローチは、まだ完全には理解されていない遺産を確立しました。

反抗的な芸術

フォーグは、いくつかの理由から反抗的なアーティストと見なされることが多い。まず第一に、彼の筆致の粗野な性質がある。彼の技法は、特にアメリカの一部の批評家によって怠惰または雑だと呼ばれ、迅速に作られたものは皮肉的または単純だと誤解される。第二に、フォーグは、彼のさまざまな作品群が他の有名なアーティストの作品を参照しているように見えるため、反逆者と見なされている。例えば、彼はバーネット・ニューマンのジップ・ペインティングや、マーク・ロスコのカラーフィールド・ペインティング、そしてクライフォード・スティルのボロボロの抽象画を参照しているように見える絵画を制作した。最後に、彼は特定の批評家が彼の写真に見出す内容のために反逆者と見なされている。その中で最も有名なものは、初期モダニズム建築の崩れかけた現代の遺物を検証している。

ギュンター・フォーグ "壊れやすい美"、インスタレーションビュー、2018年、ステデリック美術館アムステルダム。写真：ゲルト・ヤン・ファン・ローイ

そして、Förgが反逆者であったことは事実かもしれませんが、それは批評家たちが想定した理由ではありません。彼がまだ生きていた頃、彼は自分がそのように働く理由を真摯に共有しました。彼の迅速でジェスチャー的な絵画スタイルは、単に彼が描いている素材が自らの独特な個性を表現できるように、表面に対してできるだけ少ないことをしようとする試みでした。彼がニューマン、ロスコ、スティルのようなモダニストの巨匠たちの絵画を模倣する際、彼は彼らの成熟した声のどこに自分がこれほど惹かれるのかを探求していました。彼は彼らをコピーしたり、嘲笑したりしていたわけではなく、むしろ彼らのビジョンを本質にまで還元し、それを本能的で個人的なレベルで理解しようとしていました。そして、彼が古いモダニストの建物を写真に撮ったとき、ある批評家が言ったように、モダニズムの崩れゆく価値についてコメントしていたわけではありません。彼は単に、彼自身が言ったように、「感情的な媒体としての写真」を使用していただけです。彼はそれらの建物の見た目が好きでした。彼はそれらが良い建築を表していると思っていました。彼はその瞬間におけるそれらを正確に写真に収めました。これは批評や皮肉ではありませんでした。それはもっと直接的なものでした。

ギュンター・フォーグ "壊れやすい美"、インスタレーションビュー、2018年、ステデリック美術館アムステルダム。写真：ゲルト・ヤン・ファン・ローイ

脆い理解

ギュンター・フォーグ：壊れやすい美に関して最も重要なのは、この展覧会がこのアーティストを軽視しようとする以前の試みを無視し、彼の作品を簡単に理解しようとする試みを意図的に複雑にしていることです。彼の作品は、彼自身が展示したであろう正しい文脈で示されています。彼の建築写真は壁の高い位置に展示されており、観客は極端な視点から写真を見上げることができ、ギャラリーに彼が写真を撮ったときに感じたのと同じスケール、空間、そして感情的な畏敬の念をもたらします。彼の抽象画は、個別に見ると彼のモダニストの先駆者たちの作品の粗末な再現のように見えるかもしれませんが、壮大なスタイルで一緒に展示されており、彼らが本当に権威ある美的声明として見られる自信に満ちた存在感を与えています。彼の彫刻的マスクは、彼らの主要な関心事—物質性と実験—を表現できるように展示されており、観客は今や、フォーグが作り出したほとんどすべてのものに影響を与えた最も重要な推進要因がこの二つであったことを理解することを期待しています。

ギュンター・フォーグ "壊れやすい美"、インスタレーションビュー、2018年、ステデリック美術館アムステルダム。写真：ゲルト・ヤン・ファン・ローイ

もちろん、避けられないことですが、私たちが過去を解釈する際には、自分たちの世界の反映が過去の世界の理解を妨げることがあります。そして、現在を「創造的誤解」の一種を通して解釈するのは自然なことであり、私たちがどのようにそれに適応するかを文脈化しようとするあまり、しばしば過度に単純化してしまいます。フォルグはこの概念を独自の方法で追求し、その結果、私たちに今存在するものを単純かつ誠実にそのまま評価する重要性を示しました。彼が残した多様な作品を振り返るとき、彼がどのようにして彼の作品に影響を与えた表面、媒体、技術にアプローチしたかを思い出すことが重要です。彼の遺産を過剰に考えたり、それに自分たちの層を重ねたりするのではなく、彼が言ったように、私たちは「最小限の介入」だけを行い、素材の自然な美しさが表に出るようにしなければなりません。

特集画像：ギュンター・フォーグ "壊れやすい美"、インスタレーションビュー、2018年、ステデリック美術館アムステルダム。写真：ゲルト・ヤン・ファン・ローイ

フィリップ Barcio による