ルチオ・フォンタナではないイタリアの空間主義者に会う
来月ロンドンで、40点以上の作品を通じてイタリアの画家パオロ・スケッジ（1940年 – 1971年）の全キャリアを辿る展覧会が開催されます。ロンドンのエストリック近代イタリア美術コレクションでの「パオロ・スケッジ：深淵にて」は、英国で初めての大規模なスケッジ展となります。30歳で亡くなるまでの短い生涯の中で、スケッジは表面の向こうに存在するものについての思索に没頭していました。この関心は物質的な面と非物質的な面の両方に現れました。非物質的な領域では、スケッジは詩や形而上学的哲学に親しみ、彼のアトリエや時には作品にも、彼が敬愛した詩人T・S・エリオットの詩的な感情を満たしていました。また、彼は「イル・マリントエーゾ」（誤解）という雑誌を創刊し、造形芸術の視覚言語を精査しました。物質的な領域では、「我々の存在の正当化」と呼んだ探求に具体的な形を与えようとする多次元的な芸術作品群を生み出しました。彼の作品は物語を避けるため抽象的と呼ばれましたが、その言葉はこの場合不十分です。見えないものや非物質的なものを表現しようとする試みが抽象であるとはどういう意味でしょうか。スケッジは人間の存在の真実は表面ではなく、経験の深みの中にあると信じていました。彼は絵画、彫刻、デザイン、建築、服飾、演劇を通じてその深みをあらゆる方法で掘り下げました。彼の考えは、空間主義の視覚戦略を採用したレリーフ作品に最もよく表れており、我々の目に最初に映るものの向こうに多くの次元が隠されているという本質的な真実を示しています。先駆者であり霊感の源であったルチオ・フォンタナのように、スケッジは表面的なものを切り裂く勇気がなければ、その下にあるものを理解し始めることはできないと知っていました。
長くも短い一瞥
「パオロ・スケッジ：深淵にて」というタイトルに込められた機知の一つは、スケッジが生産的な芸術家であった期間が約12年に過ぎないことです。そんな短いキャリアの展覧会がどれほど深く掘り下げられるでしょうか？しかしスケッジは知的にも制作面でも驚くほど多作でした。展覧会は一種の視覚的な白紙から始まります：彼がまだ十代の頃に作った単色画の連作です。単色の色調はスケッジのキャリアを通じて維持され、単一の色の純粋さが作品の空間的・次元的側面に焦点を当てる役割を果たしました。次に、単色画の後に「ゾーネ・リフレッセ」（反射された領域）と呼ばれる連作の例が続きます。これはルチオ・フォンタナの切り裂かれたキャンバスを直接参照したもので、三枚のキャンバスを重ねて伸ばし、それぞれのキャンバスに楕円形の穴を切り抜き、空洞が重なり合うようにした作品です。鑑賞者は一つの単色の表面の向こうに別の表面、さらにその向こうを覗き込むことができます。光と影が視覚的な深みを加え、層間の空間が実際の深みを生み出しています。
パオロ・スケッジ - 曲面間面 オレンジ、1969年。三枚重ねのキャンバスにオレンジ色のアクリル。120 × 120 × 6.5 cm。フランカとコジマ・スケッジ・コレクション、ミラノ。
次に「間面」と呼ばれる作品群の例が続きます。これらも重ねられたキャンバスで構成されていますが、表面から切り抜かれる形は同一ではなく異なります。その結果、空洞の中に予期せぬ幾何学的かつ生物的な模様が現れ、目に見えない構造や隠れた空間の続きが示唆されます。「間面」は空虚を作品の主題とし、文字通り「行間を読む」ことで視覚的な裏文を示唆し、鑑賞者の参加を促します。参加はスケッジの全キャリアにおける重要なポイントであり、彼は鑑賞者がただ受動的に見るのではなく、積極的に関わるべきだと考えていました。こうした考えは、イタリアの運動「アルテ・プログラマータ」とも結びつきます。これはイタリアの哲学者ウンベルト・エーコが「もはや静止して見るのを待つものではなく、我々が見ている間に生成されるもの」と表現した新しいタイプの作品を生み出す運動です。
パオロ・スケッジ - 『プラスチック・インターチャンバー』の模型、1966年。曲げられた穴あき木材の板に黄色の塗装。52.5 × 86 × 66 cm。フランカとコジマ・スケッジ・コレクション、ミラノ。
深さとはどれほどのものか？
この展覧会のタイトルに込められたもう一つの機知は、「深淵にて」という言葉にどれほどの意味が含まれているかということです。深さとは何でしょうか？どうやってそれを見つけるのでしょうか？実際には、私たちは常に物理的空間の深みの中に存在しており、何かの表面にいるわけではありません。しかし私たちは常に空間を見つめ、その深みに突き進む唯一の方法は動くことだと感じています。スケッジは動きが深さの鍵であることを知っており、動きを通じて作品に参加しようとする鑑賞者にさらなる報酬を与えるために視覚的概念を磨き続けました。彼は上面に円形の切り抜きが格子状に配された重ねられた作品群を制作しました。これらの作品は変化する光の条件と鑑賞者の動きを利用して、変動する画面の中に象徴的な幾何学的イメージの進化するネットワークを生み出します。私たちは物理的にこれらの深みへ入ることはできませんが、覗き込み、そこに含まれるさらなる意味の深みを想像することができます。
パオロ・スケッジ - インターエナキューブ、1968年。穴あき緑色の厚紙とプレキシガラスのモジュール。102 x 102 x 11 cm。フランカとコジマ・スケッジ・コレクション、ミラノ。
しかしこの展覧会が明らかにするように、もしスケッジがもっと長く生きていれば、鑑賞者が実際に中に入ることができる作品をもっと作りたかったでしょう。それはこの展覧会でよく記録されている彼の演劇作品や服飾作品に明らかです。しかし特に顕著なのは、彼が「プラスチック・インターチャンバー」（1966年）と呼んだ模型で、これは3年前にブリジット・ライリーが制作した「コンティニュアム」に似た環境インスタレーションで、鑑賞者が作品の空間内部に入り込み、その視覚的かつ物理的な深みに参加できるものです。彼の世代の多くの芸術家と同様に、スケッジは人間の経験の言葉にできない深みを意識し、それを探求するための単純で刺激的な方法を見つけることに熱心でした。フォンタナやライリー、彼に影響を与えた他の芸術家ほど多作ではありませんでしたが、彼の作品は新鮮で謙虚、そして無限に楽しめる方法で私たちの知覚の深みを広げています。パオロ・スケッジ：深淵にては2019年7月3日から9月15日まで開催されます。
掲載画像：パオロ・スケッジ - 曲面間面、1965年。三枚重ねのキャンバスに赤色アクリル。100 x 100 x 6 cm。フランカとコジマ・スケッジ・コレクション、ミラノ。
すべての画像は説明のために使用しています
執筆：Phillip Barcio
