ルチオ・フォンタナではないイタリアの空間主義者に会う
来月ロンドンで、40点以上の作品を通じてイタリアのアーティストパオロ・シェッジ（1940年 – 1971年）の全キャリアを辿る展覧会が開催されます。ロンドンのエストリック・コレクション・オブ・モダン・イタリアン・アートでの「パオロ・シェッジ：イン・デプス」は、英国で初めての大規模なシェッジの展覧会となります。彼は30歳で亡くなるまでの短い人生の中で、表面の向こうに何が存在するのかという思考に取り憑かれていました。この関心は、物質的および非物質的な方法で現れました。非物質的な領域では、シェッジは詩や形而上学的な哲学を取り入れ、彼が敬愛する巨匠たち、例えばT.S.エリオットからの詩的な感情で彼のスタジオ、時には彼のアートを満たしました。彼はまた、視覚芸術の言語を精査する雑誌「イル・マリンテーゾ」（誤解）を創刊しました。物理的な領域では、彼は「私たちの存在の正当化」と呼ぶものを探求するために具体的な形を与えようとした多次元のアートを創造しました。必然的に、彼の作品は物語性を避けるため抽象的だと呼ばれました。しかし、この場合、その言葉は不完全です。見えないものや非物質的なものを表現しようとする試みが抽象であるとはどういうことなのでしょうか？シェッジは、人間の存在の真実は表面にはなく、私たちの経験の深みの中にあると信じていました。彼は絵画、彫刻、デザイン、建築、ファッション、演劇を通じて、その深みをあらゆる方法で掘り下げました。彼のアイデアは、空間主義の視覚戦略を採用したレリーフ作品において最もよく表現されており、私たちが最初に目で知覚するものの向こうに隠された多くの次元が存在するという本質的な真実を示しています。彼の先駆者でありインスピレーションの源であるルチオ・フォンタナのように、シェッジは表面的なものを切り裂く勇気を持つことで、私たちの目の下に何があるのかを理解し始めることができると知っていました。
長い目で見れば
「Paolo Scheggi: In Depth」というタイトルに埋め込まれた数々の機知の一つは、Scheggiが約12年間だけ生産的なアーティストであったということです。そんな短いキャリアの調査がどれほど深くなり得るのでしょうか？それでも、Scheggiは驚くほど生産的であり、知的にもスタジオでもそうでした。この調査は、視覚的な白紙から始まります：彼がまだティーンエイジャーだった頃に作った金属板の一連のモノクロームです。モノクロのパレットは、Scheggiがキャリアを通じて維持したものであり、単一の色の純粋さが彼の作品の空間的および次元的な側面に私たちの焦点を引き寄せることを可能にしました。次に、彼のモノクロームの後に、Scheggiが「Zone Riflesse」（反射ゾーン）と呼んだシリーズの例が見られます。これらの作品は、Lucio Fontanaによって作られた切り裂かれたキャンバスを直接参照しており、3つのキャンバスを重ねて伸ばし、それぞれのキャンバスに楕円形の形を切り抜くことで作成されました。キャンバスの空洞が重なり合うようになっています。観客は、一つのモノクロームの表面の向こう側に別のものを、そしてさらに別のものを覗き込むことができます。光と影が視覚的な深さを加え、実際の深さは層の間の空間に作り出されます。
パオロ・スケッジ - オレンジの曲面インタースーフェス、1969年。オレンジアクリル、3枚の重ねたキャンバス。120 × 120 × 6.5 cm。フランカとコジマ・スケッジコレクション、ミラノ。
次に「インタースーフェス」と呼ばれる作品群の例が続きます。これらの作品も層状のキャンバスで構成されていますが、表面から切り取られる形状は同一ではなく、異なる形状が取り除かれています。その結果、予期しない幾何学的および生物形状のパターンが空白の中に現れ、目に見えない構造や、目に見えない空間の先にある継続性を示唆しています。「インタースーフェス」は、空虚を作品の主題とし、視覚的なサブテキストの可能性を示唆し、文字通り観客に「行間を読む」ことによって参加するよう招いています。参加は、シェッジのキャリア全体において明らかに重要なポイントです。彼は観客がただ受動的に見るのではなく、積極的にアートに関与すべきだと明らかに信じていました。このような考えは、シェッジをアルテ・プログマータなどの運動と結びつけます。これは、イタリアのキネティックアート運動で、新しいタイプのアート作品を創造することに捧げられています。イタリアの哲学者ウンベルト・エーコが「もはや静止していて見られるのを待っているものではなく、私たちがそれを見ている間に成りつつあるもの」と表現したものです。
パオロ・スケッジ - 「プラスチック・インターチェンバー」のマケット、1966年。曲げられた穴あき木のシートに黄色のペイント。52.5 × 86 × 66 cm。フランカとコジマ・スケッジコレクション、ミラノ。
深いとはどれくらい深いのか？
この調査のタイトルに埋め込まれた別の機知は、「深さ」という言葉にどれほどの意味が含まれているかということです。深さとは何でしょうか？私たちはそれをどのように見つけるのでしょうか？実際的な意味では、私たちは常に物理的空間の深みを占めており、何かの表面にいることは決してありません。しかし、私たちは常に空間を見つめ、その深みに突入する唯一の方法は動くことだと感じています。シェッジは、動きが深さの鍵であることを知っており、動きを通じて作品に参加する意欲のある観客にさらなる報酬を与えるために、視覚的概念を磨き続けました。彼は、上面に格子状に配置された円形の切り抜きが特徴の層状の作品群を作成しました。これらの作品は、変化する照明条件と観客の動きを活用して、変動するタブローの中に一見象徴的な幾何学的イメージの進化するネットワークを作り出します。私たちは物理的にこれらの深みに入ることはできませんが、そこを覗き込み、それが暗示するさらなる意味の深さを想像することはできます。
パオロ・スケッジ - インターネ・キューブ、1968年。打ち抜かれた緑の段ボールとプレキシガラスのモジュール。102 x 102 x 11 cm。フランカとコジマ・スケッジコレクション、ミラノ。
この展示が明らかにしているように、もしシェッジがもっと長く生きていたら、観客が実際に入ることができる作品をもっと作りたかったに違いありません。それは、この展示によって十分に文書化されている彼の演劇的な作品やファッション作品に明らかです。しかし、特に彼が「プラスチック・インターチャンバー」（1966）と呼んだもののモデルにおいて明らかです。これは、ブリジット・ライリーが3年前に作った「コンティニューム」と呼ばれる作品に似た環境インスタレーションで、観客が作品の間隙の内部に入ることを可能にし、その視覚的および物理的な深さの一部となることができます。明らかに、彼の世代の多くのアーティストと同様に、シェッジは人間の経験の言葉にできない深さを認識しており、それを探求するためのシンプルで刺激的な方法を見つけることに熱心でした。彼はフォンタナやライリー、彼に影響を与えた他のアーティストほど多作ではありませんでしたが、彼の作品は新鮮で謙虚で無限に楽しめる方法で私たちの知覚の深さを広げています。パオロ・シェッジ：イン・デプスは2019年7月3日から9月15日まで展示されます。
特集画像: パオロ・シェッジ - カーブド・インタースーフェス、1965年。赤いアクリルで重ねられた3枚のキャンバス。100 x 100 x 6 cm。フランカとコジマ・シェッジコレクション、ミラノ。
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcioによる
