モネ - ミッチェル。抽象印象主義へ。
視覚的な比較以上のもの：2022年秋、パリのルイ・ヴィトン財団は、印象派の巨匠クロード・モネ（1840-1926）とアメリカの抽象画家ジョーン・ミッチェル（1925-1992）を対話させ、感情的で心に響く対応を明らかにします。美術監督スザンヌ・パジェのキュレーションにより、特別協力としてマルモッタン・モネ美術館が参加し、この展覧会はモネの後期作品と、20世紀後半にアメリカで制作されたミッチェルの親密な抽象表現主義の傑作を通じた詩的な旅です。観客はこの出会いの深い親和性に驚かされるでしょう。彼らは、異なる文化的歴史的な時代に elaborated されているにもかかわらず、態度や意図において非常に似た視線を発見するでしょう。
私たちが見る傑作は何か
モネ-ミッチェルは、2人のアーティストのキャリアからの60点の重要な作品を展示する印象的な展覧会です。著名な印象派の画家クロード・モネによる36点の作品—壮大な睡蓮シリーズがついに全点再会し—と、ジョーン・ミッチェルによる24点の抽象画が、建築家フランク・ゲーリーによって設計された建物の中で対話します。2つの作品群は、テーマと視覚言語の間に橋を架け、フランスとアメリカの間の実り多い芸術的交流の物語も語ります。実際、アガパンサス三連作（約1915-1926）の存在は象徴的であり、クロード・モネがアメリカで広く認識されるきっかけとなった、長さ約13メートルの作品で、現在は3つの異なるアメリカの美術館に所蔵されています。一方、ジョーン・ミッチェルのグラン・バレーシリーズも際立っており、現在はポンピドゥー・センターに所蔵されており、アメリカのアクション・ペインティングのエネルギーとヨーロッパの伝統の慎重な内省との間の独自の統合を表しています。
モネ・ミッチェルの対話は、さらにアメリカの画家に捧げられた回顧展によって深まります。これは、サンフランシスコ近代美術館（SFMOMA）とボルチモア美術館（BMA）で初めて開催されたモノグラフィック展の更新版であり、ミッチェルの独自のキャリアを再考することを目的としています。戦後の抽象表現主義の動きに引き寄せられる女性アーティストは、彼女のフランスでの経験を踏まえて再評価されます。彼女のスタイルは、モネをはじめとするヨーロッパの巨匠たち、さらにセザンヌやゴッホとも関連しています。
クロード・モネ、レ・アガパンテ、1916-1919年。油彩、200 x 150 cm。マルモッタン・モネ美術館、パリ。
驚くべき対応
しかし、クロード・モネの風景画とジョーン・ミッチェルの力強いジェスチャー絵画には何が共通しているのでしょうか？作品の選択は、訓練を受けていない目にも明らかです。対話は複数のレベルで確立され、驚くべき接点が見つかります。実際、この展覧会は二人のアーティストの制作における二つのオリジナルな瞬間を写真で捉えています：モネの後期作品、ジヴェルニーの庭で引きこもり、ますます深刻な視力の問題を抱え、ぼやけた輪郭と鮮やかな光のきらめきが特徴です；そして、アメリカからヴェトゥイユに移ったジョーン・ミッチェル、モネが住んでいた場所からそれほど遠くないフランスの村です。したがって、最初の対応は文字通りです：展示されている絵画は、セーヌ川の岸辺や、両アーティストが浸っていたイル＝ド＝フランスの田園風景を語っています。共有された風景は、異なる感情的および芸術的な反応を引き起こしましたが、周囲の自然を特に没入的で官能的な方法で描写しようとする同じ衝動がありました。
ジョーン・ミッチェル、ベッツィ・ジョラスのためのクァルテット II、1976年。油彩、279.4 × 680.7 cm。パリ、ポンピドゥーセンター、グルノーブル美術館に寄託。© ジョーン・ミッチェル財団。
視覚レベルでも関連する対応があります。両方のアーティストは、具象と抽象の形の間を行き来しているようです。モネは後期に、視点の参照やシャープさを欠いた、ますます抽象的な風景の表現に近づいています。一方、ミッチェルは、抽象表現主義運動に引き寄せられながらも、独自性のために脱却します。彼女の抽象作品は、フランスの採用された風景とのつながりを示し、印象派が行ったように、常に変化する瞬間を捉えたいという欲望を表しています。キャンバスはまた、似たような感性を示しています。両方のアーティストは、光と色に大きな注意を払い、最も微細な変化さえも捉えようとしました。キュレーションの選択は、この美的対話を高め、モネの睡蓮シリーズを示唆的にフレームなしで提示しています。二つの作品の大規模なフォーマットも互いに響き合っています。訪問者の視線は、したがって、記憶と自然の風景を発見しながら、巨大なキャンバスの中に迷い込むのです。
この展覧会は、絵画スタイルを超えた対応関係を探求しているかのように思え、人間的な基盤に到達しています。アーティストたちは、モネにとっては「感覚」に、ミッチェルにとっては「感情」と「記憶」に駆動されるという関連する用語で定義される、アートに対する類似のアプローチを示しています。彼らのキャンバスでは、体験された風景が変容し、彼らの個人的な知覚体験を通してフィルターされています。形式主義のアート批評家クレメント・グリーンバーグが指摘したように、モネは抽象表現主義の先駆者と見なすことができ、彼の睡蓮は単なる風景以上のものを探求し、その包括的な原理、自然の本質、そしてその抽象性を捉えようとしています。同様に、ミッチェルはジェスチャー抽象に根ざした言語を持っていますが、最初はミシガン湖の自然要素、次にセーヌ川の岸の葉や水によって引き起こされる感情に駆動されています。
ジョーン・ミッチェル、ラ・グランデ・ヴァレ XIV（しばらくの間のために）、1983年。油彩、280 × 600 cm。国立近代美術館、ポンピドゥー・センター、パリ。© ジョーン・ミッチェル財団
この相互の親和性が、抽象画家のその後の世代に与えた貢献は計り知れないものであり、今もなお続いています。それは、抽象印象主義と呼ばれるアプローチを明らかにします。モネとミッチェルは、彼らの多キャンバスの絵画で、自然と人間の感覚の変化する側面を捉えました。彼らの自発的で迅速なジェスチャーによる絵画アプローチは、その儚さを体現しています。したがって、この展覧会は、二人の歴史的なアーティストを現代的な視点で再考し、抽象画の視覚言語についての問いを続ける機会です：抽象画において、どれだけが現実なのでしょうか？アーティストは、特定の瞬間や風景の感情、印象、記憶をどのように形作ることができるのでしょうか？抽象と表現の境界線はどこにあるのでしょうか？「私は自分の風景を持ち歩いている」と、ジョーン・ミッチェルはしばしば宣言し、内なる世界と外なる世界の境界をますます曖昧にしました。
特集画像：クロード・モネ、バラの庭から見た画家の家、1922-1924年。油彩、81 x 92 cm。マルモッタン・モネ美術館、パリ
