サム・ギリアムのバーゼルにおける色の音楽
2018年のアートバーゼルの開始に合わせて、バーゼル美術館は最近、アメリカの抽象画家サム・ギリアムの作品による、ヨーロッパ初の個展とされる展覧会を開きました。タイトルは色彩の音楽：サム・ギリアム、1967年～1973年で、アメリカとヨーロッパの個人および機関のコレクションから選ばれた合計45点の作品が展示されています。今日活躍する多くの画家の意見では、ギリアムは単に美しい作品を描いたからだけでなく、現代美術理論に大きな貢献をしたため、最も重要なアメリカの画家の一人とされています。彼の革新は転換期に既成概念を打ち破り、同世代の最も声高な意見に直接挑戦しました。彼の考えは非常に重要で、ギリアムがこれまでヨーロッパで個展を開いたことがないというのは信じがたいかもしれません。しかし、彼の経歴をよく見ると、それほど驚くことでもないのです。ギリアムは常に自分のやり方を貫いてきました。彼の作品は今日の多面的な美術市場の確立に寄与しましたが、その市場の期待に応えたことはありません。一言で言えば、ギリアムは反逆者です。1972年と2017年の二度にわたりヴェネツィア・ビエンナーレでアメリカを代表したにもかかわらず、彼がギャラリーと契約したのはキャリアの中でごく最近のことです。かつては注目されていても、主に自分のアトリエから直接作品を販売していました。それにもかかわらず、彼の作品はテート・モダン、ニューヨークのグッゲンハイム美術館、メトロポリタン美術館、モマ、ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリー・オブ・アートなど、世界で最も権威ある美術館に収蔵されています。期待に応えない姿勢こそが、ギリアムがこれまでヨーロッパでの単独展の対象にならなかった理由かもしれませんが、それが彼の最大の飛躍をもたらしたのです。自分のビジョンに対する揺るぎない自信が、ギリアムを美術界における独立の象徴とし、現代抽象美術の生きる伝説にしています。
斜めに削られた縁
1933年生まれのギリアムは、ミニマリズム、幾何学的抽象、そしてポスト・ペインターリー・アブストラクションが主流となりつつあった時代にプロの道に入りました。彼の世代の多くの画家と同様に、最初はまさにそのような作品を描いていました。1960年代初頭の彼の硬質な幾何学的抽象作品は、フランク・ステラ、マックス・ビル、カルメン・エレーラの作品を思わせます。ギリアムの転機となったのは1967年でした。その年、彼はアクリル絵具を下地処理をしていないキャンバスに直接注ぎ、絵具がまだ湿っているうちにキャンバスを折りたたむという全く異なる手法を採用しました。乾燥させてしわの線が素材に永遠に刻まれるのを待ち、その後にキャンバスを木枠に張るのです。
サム・ギリアム - Whirlirama, 1970年。アクリル絵具、キャンバス、282.6 x 293.4 x 5.1 cm。写真：フレドリック・ニルセン、作家、ニューヨークのメトロポリタン美術館、ロサンゼルスのデイヴィッド・コーダンスキー・ギャラリー提供。©2018、ProLitteris、チューリッヒ
この手法によって生まれた線は、作家の手の痕跡として機能し、作品に構造と立体感を与えました。この革新だけでも画期的でしたが、ギリアムはそこで止まりませんでした。次に彼は木枠の縁を斜めに削り、絵の側面にも新たな注目を集め、表面と同じ重要性を持たせました。斜めに削られた縁は、絵が壁に掛かっているだけでなく、壁から外へと浮かび上がってくるかのような印象を与えました。これにより、絵はほぼ彫刻のような存在感を持つようになりました。彼はこれらの作品を「スライス絵画」と呼びました。「スライス」という言葉には複数の意味が込められています。木枠は斜めに削られ、スライス効果を生み出しています。また、キャンバスの折り目は画像に切れ込みを入れるように作用し、予測できない色の組み合わせや、地表に刻まれた川床を思わせる予想外の構造的変化を生み出しています。
サム・ギリアム - Rondo, 1971年。アクリル絵具、キャンバス、オーク材の木枠。261 x 366 x 198 cm。写真：Lee Thompson、作家、バーゼル美術館、ロサンゼルスのデイヴィッド・コーダンスキー・ギャラリー提供。©2018、ProLitteris、チューリッヒ
二度と同じではない
ギリアムが知られる次の革新は1968年に生まれた最初の「ドレープ絵画」です。この作品群は、絵画、彫刻、インスタレーションの間の理論的な空間に位置し、木枠を排除することで絵画の定義を拡張しました。ギリアムは「スライス絵画」と同じ手法で、下地処理をしていないキャンバスに直接アクリル絵具を注ぎました。しかし完成後は折りたたんで木枠に張るのではなく、カーテンや衣服のようにキャンバスを壁に直接垂らしました。「ドレープ絵画」は形作られたキャンバスの概念を新たな段階に引き上げ、展示のたびに全く異なる形態をとることを可能にしました。ギリアムは「ドレープ絵画は二度と同じ見せ方をされることはない」と喜んで述べています。
サム・ギリアム - Ruby Light, 1972年。アクリル絵具、キャンバス、203 x 144 x 30 cm。写真：キャシー・カーヴァー、作家およびスミソニアン協会ヒルシュホーン美術館・彫刻庭園（ワシントンD.C.）提供。©2018、ProLitteris、チューリッヒ
1960年代後半の大きな飛躍以来、ギリアムは画家として実験と進化を続けています。紙や木にも描き、コラージュの限界にも挑み、素材や技法の融合を追求しています。彼の様々な作品群には一見違いがあるように見えますが、ギリアムのすべての仕事に共通する特徴は、絵画と彫刻が本質的に同じものであることを理解させてくれた点にあります。多くの人は、画家が絵画と彫刻の境界を曖昧にしたと言いますが、それは作品に立体感があったり、天井から吊るされたり床に置かれたりするからかもしれません。ギリアムはそれ以上のことを成し遂げました。彼は彫刻家が金属や大理石、粘土を扱うのと同じように、作品の表面を扱っています。絵画の表面が感情を伝え、物語を語り、形式的な主題を伝える力を持つことを証明しました。表面を単なる支持体以上のものと定義し、それ自体を媒介としています。色彩の音楽：サム・ギリアム、1967年～1973年はバーゼル美術館で9月30日まで開催中です。
表紙画像：サム・ギリアム - Light Depth, 1969年。アクリル絵具、キャンバス、304.8 x 2269 cm。コルコラン・コレクション、ワシントンD.C. © 2018、ProLitteris、チューリッヒ
フィリップ・Barcio 著
