サム・ギリアムのバーゼルにおける色の音楽
アート・バーゼル2018の開始に合わせて、バーゼル美術館は最近、アメリカの抽象画家サム・ギリアムの作品の初のヨーロッパ個展と呼ばれる展覧会を開催しました。色の音楽：サム・ギリアム、1967 – 1973というタイトルのこの展覧会は、アメリカとヨーロッパのプライベートおよび機関コレクションからキュレーションされた合計45点の作品を展示しています。今日活動している多くのアーティストの意見では、ギリアムは最も重要なアメリカの画家の一人であり、彼の作品が美しいだけでなく、現代アート理論に対する貢献があるからです。彼の革新は、重要な瞬間に先入観を打ち破り、彼の世代の最も大きな声に直接挑戦しました。彼のアイデアは非常に重要であったため、ギリアムがこれまでヨーロッパで個展を開催したことがないというのは信じがたいことかもしれません。しかし、彼のキャリアをよく調べてみると、実際にはそれほど驚くべきことではないかもしれません。ギリアムは常に自分のやり方で物事を行ってきました。彼の作品は、今日私たちが知っている多面的なアート市場を確立するのに役立ったにもかかわらず、彼はその市場の期待に応えたことはありません。言い換えれば、ギリアムは反逆者です。彼は1972年と2017年の2回、ヴェネツィア・ビエンナーレでアメリカを代表しましたが、キャリアの中で初めてギャラリーと契約したのは最近のことです。過去には、注目を浴びていた時期でさえ、彼は主に自分のスタジオから自分の作品を販売していました。それでも、彼の買い手には、テート・モダン、ニューヨークのグッゲンハイム美術館、メトロポリタン美術館、MoMA、ワシントンDCのナショナル・ギャラリー・オブ・アートなど、世界で最も権威のある美術館の数十館が含まれており、すべてが彼の作品を所蔵しています。期待されることを決してしない彼の意欲は、ギリアムがこれまでヨーロッパのモノグラフィック展の主題にならなかった理由かもしれません。しかし、それは彼の最大の突破口をもたらした要因でもあります。彼自身のビジョンに対する独自の自信が、ギリアムをアート界の独立の完璧な代表者にし、現代抽象アートの世界で生きる伝説にしたのです。
面取りの縁で
1933年に生まれたギリアムは、ミニマリズム、幾何学的抽象、そしてポスト・ペインタリー・アブストラクションに向かうトレンドの中でプロのキャリアをスタートさせました。彼の世代の多くの画家と同様に、彼もそのような作品を描くことから始めました。1960年代初頭の彼のハードエッジの幾何学的抽象作品は、フランク・ステラ、マックス・ビル、またはカルメン・エレラの作品を彷彿とさせます。ギリアムの人生が変わった年は1967年でした。その年、彼はアクリル絵具を未プライムのキャンバスに直接注ぎ、絵具がまだ湿っている間にキャンバスを折りたたむという全く異なる方法を採用しました。彼はその後、しわの寄ったラインが素材に永遠に組み込まれるようにキャンバスを乾かしました。そして初めて、彼はキャンバスをストレッチャーバーに張りました。
サム・ギリアム - ワイリラマ、1970年。アクリル、キャンバス、282.6 x 293.4 x 5.1 cm。写真：フレドリック・ニルセン、アーティスト、メトロポリタン美術館（ニューヨーク）、デビッド・コルダンスキー・ギャラリー（ロサンゼルス）提供。©2018, プロリテリス、チューリッヒ
この方法から生じた線は、アーティストの手の残り物として機能し、アートオブジェクトに構造と立体感を加えます。この革新だけでも画期的でした。しかし、ギリアムはそこで止まりませんでした。彼は次に、ストレッチャーバーのエッジを斜めに削り、新たに絵画の側面に注目を集め、表面と同じくらいの重要性を与えました。斜めに削られたエッジは、絵画が壁から外に出ているかのように見せ、単に壁に掛かっているだけではありませんでした。これにより、絵画はほぼ彫刻的な存在感を持つようになりました。彼はこれらの作品を「スライス・ペインティング」と呼びました。「スライス」という言葉は複数の意味を持っていました。ストレッチャーバーはスライスされ、斜めの効果を生み出しました。また、キャンバスの折り目は画像へのスライスとして機能し、予測不可能な色の組み合わせや、地球の表面に刻まれた河床を思わせる予期しない構造的変化を作品に生み出しました。
サム・ギリアム - ロンド、1971年。アクリル、キャンバス、オーク材。261 x 366 x 198 cm。写真: Lee トンプソン、アーティスト、バーゼル美術館、ロサンゼルスのデビッド・コルダンスキー・ギャラリーの提供 ©2018, ProLitteris, チューリッヒ
二度と同じではない
ギリアムが知られる次の革新は1968年に起こり、彼は最初の「ドレープ・ペインティング」を創作しました。この作品群は、絵画、彫刻、インスタレーションの間の理論的な空間に存在しており、ストレッチャーバーを排除することで、絵画の定義を拡張しています。ギリアムは「ドレープ・ペインティング」を、彼の「スライス・ペインティング」で用いたのと同じ方法で、未プライムのキャンバスにアクリル絵具を直接注ぎ込んで描きました。しかし、絵画が完成すると、彼はそれを丸めてから引き伸ばすのではなく、単にキャンバスを壁に直接ドレープさせました。まるでカーテンや衣服のように。彼の「ドレープ・ペインティング」は、形状のあるキャンバスのアイデアを新たなレベルに引き上げ、作品が提示されるたびに全く新しい構成を採用できるようにしました。ギリアムは、彼の「ドレープ・ペインティング」が二度と同じ方法で展示されることはないと嬉しそうに述べています。
サム・ギリアム - ルビー・ライト, 1972, アクリル・キャンバス, 203 x 144 x 30 cm. 写真: キャシー・カーヴァー, アーティストおよびスミソニアン協会ハーシュホーン美術館と彫刻庭園の提供. ©2018, プロリテリス, チューリッヒ
1960年代後半の大きなブレークスルー以来、ギリアムはアーティストとして実験を続け、進化してきました。彼は紙や木に絵を描くことで、表面の範囲を広げました。また、コラージュの限界を探求し、素材、メディウム、技法を融合させる新たな方法を見出しました。しかし、彼のさまざまな作品群に見られる明らかな違いにもかかわらず、ギリアムが行ってきたすべてのことを定義する一つの側面があります。それは、絵画と彫刻が本当に同じものであることを私たちに理解させる手助けをしたということです。人々はしばしば、アーティストが絵画と彫刻の境界を曖昧にしたと言います。おそらく、それは彼らの絵画に立体感があるからか、天井から吊るされているか、床に置かれているからでしょう。ギリアムはそれ以上のことを成し遂げました。彼は本当に、彫刻家が金属、大理石、または粘土を扱うのと同じように、彼の表面を扱います。彼は、絵画の表面が感情を伝え、物語を語り、形式的な主題を伝える能力を持っていることを証明します。彼は表面を単なる支持体以上のものとして定義し、それ自体をメディウムにします。色の音楽：サム・ギリアム、1967年 – 1973年は、バーゼル美術館で9月30日まで展示されています。
特集画像: サム・ギリアム - ライト・デプス, 1969年。アクリル、キャンバス、304.8 x 2269 cm。コルコラン・コレクション、ワシントンD.C. © 2018, プロリテリス、チューリッヒ
フィリップ Barcio による
