테이트에서의 100년의 예술과 추상 사진
추상 사진에 대한 대화는 디지털 사진과 사진 조작이 보편화되면서 최근 수십 년 동안 매우 흥미롭게 발전해 왔습니다. 이제 2018년 5월 테이트에서 열리는 새로운 전시회가 그 대화를 더욱 확장할 것을 약속합니다. Shape of Light: 100 years of Photography and Abstract Art는 100명 이상의 예술가의 300점 이상의 작품을 선보일 예정입니다. 이 전시는 추상 사진의 역사와 회화 및 조각에서의 추상화 발전을 함께 살펴볼 것입니다. 순수 추상화는 20세기 첫 번째 10년 동안 서양 회화와 조각에서 널리 나타났습니다. 그러나 사진은 그보다 조금 뒤처져 있었습니다. 그 당시 거의 한 세기가 있었음에도 불구하고, 여전히 진정한 미술로 간주되지 않았습니다. 사진의 유일한 용도는 현실을 보여주는 방법으로 인식되었습니다. 즉, 은질산염에 새겨진 시간의 정지된 순간이었습니다. 그러나 초기의 더 철학적인 사진작가들은 이미지를 포착하는 대신, 사진 과정이 실제로 포착하는 것은 빛이라는 것을 깨달았습니다. 그들은 사진작가들이 화가나 조각가가 할 수 있는 것처럼 빛을 사용하여 순수한 추상 구성을 만들 수 있다고 보았습니다. 수십 년 동안 다양한 사진작가들이 추상을 달성하기 위한 다양한 방법을 실험하면서, 그들은 사진을 정의하는 것과 어떤 이미지가 추상적인지를 둘러싼 많은 생산적인 논쟁을 촉발했습니다. Shape of Light는 이러한 논쟁의 결과물을 다른 유형의 추상 미술의 발전과 나란히 배치함으로써, 때로는 추상 사진이 회화와 조각의 발자취를 따랐고, 다른 때에는 새로운 길을 개척했음을 발견할 수 있는 매혹적인 기회를 제공합니다.
보르토그래프에 들어가세요
추상 사진의 역사에서 중요한 전환점 중 하나는 세기 전환기 즈음에 발생했습니다. 이 시기에 두 개의 사진가 그룹인 포토 수세션과 링크드 링이 사진을 미술로 인정받기 위한 주장을 시작했습니다. 앨빈 랭돈 코번은 두 그룹의 핵심 멤버였습니다. 코번은 Shape of Light에서 두드러지게 다뤄질 예정인데, 그는 보르토그래프의 발명가로 여겨지기 때문입니다. 보르토그래프는 순수 추상 사진의 첫 번째 유형입니다. 첫 번째 보르토그래프는 코번이 카메라 앞에 삼각형 형태로 세 개의 거울을 부착했을 때 촬영되었습니다. 본질적으로, 거울은 만화경처럼 작용했습니다. 그 결과로 나온 사진들은 강한 대각선과 삼각형 형태로 가득 찬 파편화된 현실을 보여줍니다. 이러한 선과 형태의 언어는 에즈라 파운드가 이미지를 보르토그래프라고 부르게 했습니다. 왜냐하면 그것들이 보르티시스트 회화와 유사하기 때문입니다.
라슬로 모홀리-나기 - 포토그램, 약 1925년, 사진, 젤라틴 실버 프린트, 181 x 238 mm, 잭 커클랜드 컬렉션, 노팅엄
테이트는 윈덤 루이스와 같은 예술가들의 보르티시스트 그림과 코번의 보르토그래프를 전시할 것입니다. 이들은 조르주 브라크와 같은 입체파 화가들의 작품과 나란히 배치될 것입니다. 입체파와의 비교는 이미 명확할 수 있습니다. 입체파와 보르토그래프는 시각적 공간을 여러 개의 동시적 관점으로 나누기 때문입니다. 그러나 보르티시스트 그림과의 비교는 조금 더 불분명할 수 있습니다. 보르티시즘은 입체파와 미래주의의 혼합체였습니다. 두 가지의 외형을 결합하려는 순수한 형식적 시도였습니다. 코번이 보르토그래프를 발명했을 때, 그는 전적으로 독특한 작업을 하고 있었습니다. 그는 트렌드를 모방하려고 하지 않았습니다. 그는 사진이 객관적 현실 이외의 것을 포착하는 데 사용될 수 있음을 증명하려고 했습니다. 이러한 이유로, Shape of Light는 코번이 그의 보르티시스트 동료들보다 훨씬 더 혁신가였음을 설명하며, 추상 사진이 독특한 뿌리를 주장하는 한 가지 방법을 밝혀냅니다.
바바라 카스텐 - 포토제닉 페인팅, 제목 없음 74/13 (ID187), 1974, 사진, 소금 종이 인쇄, 558 x 762 mm, 아티스트 제공, 토마스 데인 갤러리 및 보르톨라미 갤러리, 뉴욕, © 바바라 카스텐
10년대의 추상 사진
Shape of Light에서 제공될 또 다른 매혹적인 병치는 AndreÌ Kertesz의 사진이 초현실주의 화가들의 작품과 함께 배치되는 것입니다. 1933년, Kertesz는 Distortions라는 일련의 사진을 만들었으며, 이 사진에서는 거울을 사용하여 인간 몸의 비틀리고 늘어난 생물학적 이미지를 생성했습니다. 이 사진들은 Picasso, Miro 등 화가들의 초현실주의 인간 형상과 많은 공통점을 가지고 있습니다. Distortions가 초현실주의 운동이 시작된 지 10년이 넘어서 만들어졌기 때문에, Kertesz가 초현실주의자들을 모방하고 있는 것처럼 보일 수 있습니다. 그러나 Kertesz가 왜곡된 사진을 처음으로 발표한 것은 사실 1917년으로 거슬러 올라갑니다. Underwater Swimmer라는 제목의 그 이미지는 기묘한 풍경 속에서 물결치는 듯한 늘어난 인간 형상을 보여줍니다. 그것은 Salvador Dali의 그림에 자연스럽게 어울릴 것입니다. 초현실주의가 시작되기 3년 전의 작품으로, 이는 사진이 추상 미술의 궤적에 실제로 영향을 미쳤는지, 그리고 어떻게 영향을 미쳤는지에 대한 질문을 다시 제기합니다.
형태의 빛은 또한 두 명의 중간 세기 예술가인 오토 슈타이너트와 재크슨 폴록의 작품을 나란히 배치합니다. 슈타이너트는 사진 세계에서 다양한 유산을 남겼지만, 그의 가장 중요한 기여 중 하나는 1950년대에 주관한 주관적 사진 전시회라는 투어 전시 그룹을 조직한 것이었습니다. 주관적 사진 전시회의 아이디어는 외부 세계를 포착하기보다는 사진이 사진작가의 내면 세계를 표현할 수 있다는 것을 보여주는 것이었습니다. 1950년대의 슈타이너트의 루미노그램과 재크슨 폴록의 스플래터 및 드립 페인팅을 함께 전시함으로써, 형태의 빛은 추상 표현주의의 철학과 미학, 그리고 주관적 사진의 연관성을 보여줄 것입니다. 그리고 이 전시회에는 훨씬 더 많은 내용이 있습니다. 라슬로 모홀리-나기, 빌 브란트, 기 부르댕, 자크 마헤 드 라 빌레글레와 같은 모더니스트 전설을 연구하는 것 외에도, 바바라 카스텐과 제임스 웰링과 같은 많은 현대 추상 사진작가들도 살펴봅니다. 이러한 다양한 예술가들을 서로 연결하여 보여주는 것은 비전 있는 아이디어입니다. 이는 우리가 추상 사진의 역사에 대해 알거나 재검토할 기회를 제공할 뿐만 아니라, 사진이 무엇인지, 추상을 정의하는 것이 무엇인지, 그리고 어떤 예술가들이 진정으로 추상 미술의 역사를 형성하는 데 책임이 있었는지를 깨뜨릴 기회를 제공합니다.
빛의 형태: 사진과 추상 미술 100년은 2018년 5월 2일부터 10월 14일까지 테이트 모던, 런던에서 진행됩니다.
특집 이미지: 오토 슈타이너트 - 루미노그램 II, 1952, 사진, 젤라틴 실버 프린트, 302 x 401 mm, 잭 커클랜드 컬렉션 노팅엄, © 오토 슈타이너트 재단, 포크방 미술관, 에센
필립 Barcio
