파리에서의 추상적 사고의 칵테일

10월은 확실히 파리에서 현대미술과 근대미술의 달이었습니다. 가장 유명한 행사인 FIAC(국제 현대미술 박람회) 외에도 약 30개의 중요한 전시회와 미술 박람회가 도시 전역에서 활짝 열렸으며, 이 도시는 세계에서 가장 풍부한 박물관들을 자랑합니다. 한 달 동안 예술 애호가, 수집가, 전문가들이 전 세계에서 프랑스 수도에 모였습니다. IdeelArt.com은 이 기회를 이용해 일부 예술가들과 함께 그들을 초대하여 전통적인 프랑스식 뷔페를 마련했습니다; 그리고 무엇을 이야기했을까요? 와인에 대해 조금, 예술에 대해 많이 이야기했습니다. 여기 가장 많이 논의된 주제들에서 몇 가지를 소개합니다.

왜 올해는 많은 전시회가 전(前) 팝 인물화에 헌정되었을까요?

파리의 세 주요 전시장인 퐁피두 센터(국립 근대미술관), 파리 시립 근대미술관(MAM Paris), 그리고 그랑팔레(파리의 주요 전시장)에서는 르네 마그리트(벨기에 초현실주의 화가, 1898-1967), 베르나르 뷔페(반추상주의 그룹에 참여한 프랑스 표현주의 화가, 1928-1999), 그리고 에르제(틴틴을 창작한 벨기에 만화가, 1907-1983)의 작품을 전시하고 있습니다. 또한, 이론상 현대미술에 헌정된 2년 된 사립 박물관 루이비통 재단은 슈추킨 컬렉션을 선보입니다: 29점의 피카소, 22점의 마티스, 12점의 고갱, 8점의 세잔 등 위대한 근대(하지만 현대는 아닌) 거장들의 작품들입니다.

이것이 향수의 물결인지, 아니면 추상미술의 존재를 받아들이지 않은 후대 작가들과 함께 근대미술의 시작에 동시에 집중하게 만든 인물화의 부흥인지? 아마도 아닐 것입니다… 전시회는 발표되기 수년 전에 준비되므로, 2013년과 2014년에 이 세 주요 국립 기관들은 같은 목표를 추구했을 것입니다: 20세기 전반에 걸친 인물화 창작을 기념하며 독창성을 추구하는 것. 안타깝게도 비슷한 아이디어로 끝나면서 그들이 의도한 독창성에는 다소 미치지 못했습니다.

또 다른 의도는 파리 미술계의 균형을 맞추려는 것으로, 대중에게 덜 엘리트적이고 더 접근하기 쉽고 합의 가능한 예술을 제공하는 것입니다. 이 점에서 초기 근대미술이 현대미술보다 더 인기가 있습니다.

마지막으로 이 기관들은 단일 전시회에서 가장 많은 방문객 수를 기록하기 위한 치열한 경쟁에 참여하고 있습니다. 2010년 그랑팔레는 클로드 모네 전시로 90만 명의 기록을 세웠습니다. 전(前) 팝 인물화는 초등학생과 중고등학생을 포함해 모두가 접근할 수 있어, 이를 전시하는 것은 방문객 수를 늘리는 확실한 방법입니다. 최고는 아닐지라도 확실히 효과적인 방법입니다.

샹젤리제 거리 전역의 FIAC와 다른 박람회(아트 엘리제, 8번가)를 거닐며, 갤러리들이 이전 해보다 더 많은 인물화 작품을 선보이기로 선택했다는 점을 간과할 수 없습니다. 추상화는 많지만 대개 개념적이며, 비디오, 설치미술, 미니멀리즘은 거의 보이지 않습니다. IdeelArt의 한 작가는 인물화 거리 예술 스타일 활동도 병행하는데, 그의 갤러리는 올해 그의 인물화 작품만 전시하기를 원했다고 합니다. 경매 판매에 관여하는 또 다른 손님은 이것이 시장이 판매자 중심에서 구매자 중심으로 이동하고 있다는 신호로 봅니다. 갤러리들은 사람들이 수집가가 되도록 애쓰고 있으며, 인물화가 새로운 수집가를 모집하기 더 쉽다고 생각합니다.

추상미술은 없는 걸까요?

피카소의 공식 - 추상미술은 없다, 항상 무언가에서 시작해야 한다. 그 후에 현실의 모든 흔적을 제거할 수 있다? - 을 어떻게 받아들여야 할까요?

확실히 인간의 뇌는 이미지와 단어로 가득 차 있고, 우리의 손은 무언가를 나타내거나 의미하는 기호를 그리도록 훈련되어 있습니다. 칸딘스키는 추상에 대해 글을 쓰면서 음악과의 유사성을 그렸습니다: 그에 따르면 추상 시각 예술은 음악이 청자에게 반드시 무언가를 말하지 않는 것과 같은 방식으로 상상할 수 있습니다. 칸딘스키의 초기 추상 작품들은 종종 즉흥곡, 구성곡, 푸가라고 불렸는데, 이는 회화에서는 새롭지만 음악에서는 흔한 용어였습니다.

하지만 피카소처럼, 데이비드 호크니 같은 많은 주요 현역 화가들은 오늘날에도 인간의 뇌가 순수한 추상 그림을 만들어낼 수 없으며, 추상은 작품 표면에서 객관적이거나 의미 있는 요소를 제거하거나 남기는 결과라고 믿습니다. 다시 말해, 진정한 비객관적 예술을 만들려면 선천적으로 눈이 멀었거나 인간이 아니어야 한다는 것입니다.

IdeelArt의 예술가 손님들은 사물과 의미를 넘어서는 다양한 방법을 논의했습니다.

Richard van der Aa에게 그림은 과정의 증거이며, 더 중요하게는 하나의 대상입니다; 작품은 일어난 신체적 활동의 잔재입니다.

Richard van der Aa - On Things To Come, 에나멜을 입힌 디본, 90x90cm, 2016, 작가 제공

Frédéric Prat은 그림을 빈 공간으로 둘러싸인 장소로 여기며, 그곳에서 형태와 색채가 자유롭게 발전할 수 있다고 생각합니다; 큰 캔버스에 수평으로 작업하는 것은 눈과 뇌가 만들어지는 것에 의미나 형상을 부여하지 않도록 돕습니다.

Frédéric Prat - Blanc 2 2015, 캔버스에 아크릴, 160 x 130 cm, 2015, 저작권 IdeelArt

Daniel G. Hill은 금속 와이어와 실로 그물을 만들고 중력과 기계적 힘이 그가 준비한 형태를 형성하도록 합니다.

Daniel G. Hill - Sling, 스테인리스 스틸 와이어, 86 x 61 x 38 cm, 2016, 작가 제공

Pierre Auville는 주로 광물 시멘트, 모래, 물 그리고… 우연을 사용하여 다른 힘을 불러옵니다; 그의 추상 작품은 재료의 예측 불가능한 저항, 점도, 건조 과정의 결과입니다.

Pierre Auville - Un Dimanche, 우르살라이트 판넬에 시멘트와 안료, 60x104cm, 2014, 저작권 IdeelArt

이 잡지에서 이미 논의했듯이, 추상에 대한 단일한 정의는 없으며 앞으로도 없을 것입니다. 그리고 추상미술이 존재하는지 여부는 아마도 계속 논쟁거리로 남을 것입니다. 중요한 것은 스스로를 추상이라 부르는 예술가들이 있으며, IdeelArt가 그들의 작품을 온라인과 전 세계적으로 자랑스럽게 홍보한다는 점입니다!

대표 이미지: 왼쪽부터 오른쪽으로 - Richard van der Aa, Christelle Thomas (IdeelArt CEO 겸 공동 창립자), Pierre Auville, Daniel G. Hill, Frédéric Prat, Susan Cantrick, Denis Berthomier, 사진 저작권 IdeelArt