새로운 책이 미국 추상화의 선구자 앨리스 트럼불 메이슨을 기념합니다.
앨리스 트럼불 메이슨은 예술 분야에서 드문 존재였다: 배우고자 하는 열망으로 완전히 동기부여된 열렬한 실천가였다. 메이슨은 1971년, 67세의 나이로 세상을 떠났으며, 그녀의 시대에서 가장 예리하고 재능 있는 예술가 중 한 명으로 자리매김하는 수백 점의 그림과 판화를 남겼다. 유행에 면역이었고, 실험에 끊임없이 헌신했던 그녀는 시간을 초월하는 작품을 창조했다. 150점 이상의 그녀의 그림을 문서화하고, 하이퍼알러지크의 엘리사 우크 알미노와 같은 현대 미술 작가들이 쓴 메이슨에 대한 통찰력 있는 에세이를 포함한 주요 모노그래프가 뉴욕의 리졸리 일렉타 출판사에서 곧 출간될 예정이다(현재 예약 주문이 가능하다). 지금까지 그녀의 경력을 가장 완벽하게 평가한 이 책은 그녀의 많은 작품의 아름답고 전체 페이지 재현으로 소중히 여겨질 것이다. 그러나 이 책이 이미 받고 있는 반응은 다소 이상하다. 그 이상함은 뉴욕 타임즈의 로베르타 스미스가 쓴 최근 리뷰의 헤드라인에 잘 드러나 있는데, 이 리뷰는 메이슨을 "잊혀진 모더니스트"라고 부른다. 메이슨이 그녀의 시대에 평가받지 못했거나 그녀의 죽음 이후로 무시당했다는 주장은 사실보다는 예술 시장이 "간과된" 작품과 예술가에 대한 욕구를 충족시키기 위한 과장에 가깝다. 나는 이 경우 이론으로서 그것을 거부한다. 왜냐하면 나는 실제 예술 분야에 존재하는 많은 예술가들을 너무 많이 알고 있기 때문이다. 대부분의 예술가들은 앨리스 트럼불 메이슨이 가졌던 경력을 갖고 싶어 할 것이다. 40년 이상 동안 그녀는 뉴욕시에서 여섯 번의 개인전을 가졌고, 미국 추상 예술가들을 공동 창립했으며, 그녀의 시대에서 가장 높이 평가받는 여러 예술가들과 친구가 되어 그들로부터 배웠고, 힐라 레바이와 페기 구겐하임을 포함한 예술계의 가장 영향력 있는 인물들에게 작품을 판매했다. 압도적인 대다수의 예술가들이 단 한 번의 뉴욕 개인전도 가지지 못하고, 어떤 그림도 판매하지 못하는 현실에서 메이슨은 대단한 성공을 거두었다. 예술 시장이 그녀의 유산을 부패한 내러티브에 맞추도록 내버려 두기보다는, 우리는 메이슨이 실제로 한 일에 경의를 표해야 한다.
예술의 개인적 역사
앨리스 트럼블 메이슨이 어떤 예술가였는지를 증명하는 하나의 증거는 그녀의 개인 서류가 기증된 스미소니언 미국 미술 아카이브에서 찾을 수 있다. 이 컬렉션에는 메이슨이 "미술의 역사"라고 손으로 쓴 노트북이 포함되어 있다. 그 페이지들(온라인에서 열람 가능)에는 수십 명의 고전 마스터들의 삶과 작품에 대한 개인적인 반성이 담겨 있다. 메이슨은 미술사를 읽고 재생산하는 대신 유럽으로 가서 영향력 있는 작품들을 직접 방문하며, 그것을 만든 인간들에 대해서도 배우는 시간을 가졌다. 그녀의 개인 미술 역사 책에는 예술가들의 내면 삶에 대한 통찰과 함께 물리적 관찰이 모두 포함되어 있다. 두 가지 모두 동등하게 드러나는 부분이다. 예를 들어, 그녀는 미켈란젤로가 시스티나 성당을 그리기를 원하지 않았고, 다른 후원자들에 대해서도 불만을 가졌다고 언급한다. 그가 역사상 가장 유명한 예술가 중 한 명이 되었다는 사실은 메이슨에게는 중요하지 않았다. 그녀는 그가 원하는 대로 그림을 그릴 자유가 없어서 불행하다는 사실에 더 관심이 있었다.
앨리스 트럼불 메이슨 - #1 패러독스에 대한, 1969. 캔버스에 유화. 19 x 22 인치 (48.3 x 55.9 cm). 워시번 갤러리, 뉴욕.
예술의 가소성에 대한 주제에서 메이슨은 르네상스 조각가 도나텔로의 인용구를 주목한다. 도나텔로는 "그림자를 위해 본질을 잃는다"고 말했다. 그의 경우, 도나텔로는 명암의 대담한 변화의 효과, 즉 키아로스쿠로에 대해 이야기하고 있었다. 조각된 천의 주름이나 조각된 근육의 능선에 빛이 닿을 때 인물의 세부 사항이 사라질 수 있지만, 그림자가 만들어내는 깊이의 인식에서 드라마와 사실성이 나타난다. 메이슨은 그의 말에서 더 깊은 의미를 읽었다. 그녀는 이 인용구에서 추상의 가능성에 대한 언급을 보았다. 그림자는 미지의 것을 은유하게 되었다. 미지가 도나텔로에게 조각을 현실감 있게 만들었던 것처럼, 미지는 메이슨에게 가장 현실적인 것을 나타냈다. 그녀는 추상 예술이 가장 대표적인 예술 형태라고 생각했다. 그녀가 표현하고자 했던 것은 알려진 것이 아니라 미지의 것이었다.
앨리스 트럼불 메이슨 - 제목 없음, 약 1939년. 캔버스에 유화. 30 x 40 인치 (76.2 x 101.6 cm). 워시번 갤러리, 뉴욕.
토탈 파이오니어
다가오는 메이슨 모노그래프의 제목—앨리스 트럼불 메이슨: 미국 추상의 개척자—은 더할 나위 없이 적절하다. 나에게 이 제목은 서부 확장의 초기 시절에 유래된 오래된 미국 속담을 떠올리게 한다: “개척자는 학살당하고, 정착자는 부자가 된다.” 예술이 메이슨에게 재산을 안겨주지는 않았지만, 이 모노그래프의 페이지들 속에서 발견할 수 있는 것은 결코 안주하지 않았던 예술가의 증거이다. 1929년, 그녀가 25세였던 시절부터 메이슨은 추상 예술에 담긴 세속적 영적 가능성에 헌신했다. 그녀는 기꺼이 서로 상충하는 이론들을 연구하며, 바실리 칸딘스키, 조안 미로, 그리고 그녀의 개인 멘토 중 한 명인 아르시레 고르키와 같은 예술가들의 서정적인 생물형과 피에트 몬드리안과 같은 예술가들의 기하학적이고 플라스틱적인 순수성 사이에서 흔들렸다. 그녀는 평생 동안 이 두 입장 사이에서 진동했다. 1945년, 힐라 레바이가 227점의 그림을 전시한 칸딘스키 기념 전시회를 개최했을 때, 메이슨은 레바이에게 개인적인 편지를 써서 그의 작품을 직접 “이렇게 충분히” 연구할 수 있는 기회를 제공해 준 것에 대해 감사의 뜻을 전했다. 그러나 단 1년 후, 메이슨은 이미 그녀의 구성에 직사각형과 그녀가 “건축적인” 구조라고 부르는 것을 추가하고 있었으며, 이는 몬드리안의 네오 플라스틱 정신을 반영하고 있었다.
앨리스 트럼불 메이슨 - "컬러스트럭티브 추상"을 위한 드로잉, 1947. 유화, 메이슨라이트. 26 1/2 x 23 인치 (67.3 x 58.4 cm). 워시번 갤러리, 뉴욕.
결국, 메이슨은 그녀의 작업에서 내용에 대한 피상적인 우려를 압도하는 두 가지 지침 원칙을 고수했습니다. 첫 번째는 그녀가 회화든 판화든, 생물학적 구성이나 기하학적 구성이든 간에, 어떤 예술을 창작하고 어떻게 창작할 것인지에 대한 개인의 자유의 중요성에 대한 믿음이었습니다. 두 번째는 매체 자체가 추상 미술의 가장 중요하고 표현적인 요소라는 그녀의 인식이었습니다. 모든 위대한 예술가들처럼, 그녀의 작업의 마법은 전시 이력서나 경매 가격, 또는 현재 몇 명의 현대 수집가들이 그녀의 이름을 알고 있는지에 있지 않습니다. 그것은 바로 물감 자체의 에크프라스틱한 유연성에 있습니다.
특집 이미지: 앨리스 트럼불 메이슨 - 스태프, 디스태프 및 로드, 1952. 유화. 34 3/8 x 42 인치 (87.3 x 106.7 cm). 워시번 갤러리, 뉴욕.
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필립 Barcio
