새로운 책이 미국 추상화의 선구자 앨리스 트럼불 메이슨을 기념합니다.

앨리스 트럼불 메이슨은 예술 분야에서 드문 존재였습니다: 오직 배우고자 하는 열망에 의해 움직이는 열정적인 실천가였습니다. 메이슨은 1971년 67세의 나이로 세상을 떠났으며, 그녀의 시대에서 가장 예지력 있고 재능 있는 예술가들 중 한 명으로 평가받는 수백 점의 그림과 판화를 남겼습니다. 유행에 휘둘리지 않고 끊임없이 실험에 몰두한 그녀는 시간을 초월하는 작품 세계를 창조했습니다. 그녀의 150점 이상의 작품을 기록한 주요 단행본이 뉴욕의 리졸리 일렉타 출판사에서 곧 출간될 예정이며(지금 예약 주문 가능), 현대 미술 작가인 하이퍼알레르직의 엘리사 우크 알미노 등의 통찰력 있는 에세이가 포함되어 있습니다. 지금까지 그녀의 경력을 가장 완벽하게 평가한 이 책은 많은 작품의 아름답고 전면적인 재현으로 귀중한 자료가 될 것입니다. 그러나 이 책이 이미 받고 있는 반응은 다소 이상합니다. 그 이상함은 뉴욕 타임스의 로버타 스미스가 쓴 최근 리뷰의 제목에 담겨 있는데, 그녀는 메이슨을 “잊혀진 모더니스트”라고 부릅니다. 메이슨이 생전에 인정받지 못했거나 사후에 무시당했다는 주장은 사실보다는 예술 시장이 ‘간과된’ 작품과 예술가에 대한 수요를 자극하기 위한 과장된 표현에 가깝습니다. 저는 이 경우에 그것을 이론으로 받아들이지 않습니다. 왜냐하면 저는 실제 예술 현장에서 활동하는 많은 예술가들을 너무 잘 알기 때문입니다. 대부분의 예술가들은 앨리스 트럼불 메이슨이 누린 경력을 갖고 싶어 합니다. 40년 넘게 그녀는 뉴욕에서 여섯 번의 개인전을 열었고, 미국 추상미술가 협회를 공동 설립했으며, 당대 가장 존경받는 예술가들과 교류하고 배웠고, 힐라 리베이와 페기 구겐하임을 포함한 예술계의 영향력 있는 인물들에게 작품을 판매했습니다. 대다수 예술가가 뉴욕에서 단 한 번의 개인전도 열지 못하고 작품을 전혀 팔지 못하는 현실에서, 메이슨은 대성공을 거둔 셈입니다. 예술 시장이 그녀의 유산을 부패한 서사에 맞게 왜곡하도록 내버려두기보다는, 메이슨이 실제로 이룬 바에 경의를 표해야 합니다.

예술에 대한 개인적 역사

앨리스 트럼불 메이슨이 어떤 예술가였는지 증명하는 한 가지는 그녀의 개인 문서가 기증된 스미스소니언 미국 미술 기록 보관소에서 찾을 수 있습니다. 이 소장품에는 ‘예술사’라고 메이슨이 직접 쓴 표지가 있는 노트북이 포함되어 있습니다. 그 안에는 (온라인으로도 열람 가능) 고전 거장 몇몇의 삶과 작품에 대한 개인적인 성찰이 담겨 있습니다. 메이슨은 단순히 미술사를 읽고 암기하는 대신 유럽을 직접 방문해 영향력 있는 작품들을 직접 보고, 그것을 만든 사람들에 대해서도 시간을 들여 배웠습니다. 그녀의 개인적인 예술사 책에는 조형적 관찰과 예술가들의 내면에 대한 통찰이 모두 포함되어 있습니다. 두 가지 모두 매우 의미심장합니다. 예를 들어, 그녀는 미켈란젤로가 시스티나 성당을 그리고 싶어 하지 않았으며, 많은 후원자들을 원망했다는 점을 기록합니다. 그가 가장 유명한 예술가 중 한 명이 된 사실은 메이슨에게 중요하지 않았습니다—그는 원하는 것을 자유롭게 그릴 수 없었기에 불행했다는 점에 그녀는 더 관심을 가졌습니다.

앨리스 트럼불 메이슨 - #1 역설을 향하여, 1969년. 캔버스에 유화. 19 x 22 인치 (48.3 x 55.9 cm). 워시번 갤러리, 뉴욕.

예술의 조형성에 관해 메이슨은 르네상스 조각가 도나텔로의 말을 인용합니다. “그림자 때문에 실체를 잃는다”는 말입니다. 도나텔로는 명암 대비 효과인 키아로스쿠로에 대해 말한 것입니다. 조각된 천의 주름이나 근육의 능선에 빛이 닿으면 세부가 사라질 수 있지만, 그림자가 만들어내는 깊이감에서 극적이고 사실적인 느낌이 나타납니다. 메이슨은 그의 말에서 더 깊은 의미를 읽어냈습니다. 그녀는 이 인용구를 추상의 잠재성에 대한 은유로 보았습니다. 그림자는 미지의 세계를 상징했습니다. 도나텔로에게 미지의 세계가 조각을 현실감 있게 만들었듯, 메이슨에게 미지는 가장 현실적인 것이었습니다. 그녀는 추상미술이 가장 대표적인 예술 형태라고 여겼습니다—알려진 것이 아니라 알려지지 않은 것을 표현하려 했던 것입니다.

앨리스 트럼불 메이슨 - 제목 없음, 약 1939년. 캔버스에 유화. 30 x 40 인치 (76.2 x 101.6 cm). 워시번 갤러리, 뉴욕.

완전한 개척자

곧 출간될 메이슨 단행본의 제목—앨리스 트럼불 메이슨: 미국 추상의 개척자—은 더할 나위 없이 적절합니다. 저에게는 서부 개척 초기 미국 속담인 “개척자는 희생당하고, 정착민은 부자가 된다”가 떠오릅니다. 예술이 메이슨에게 부를 가져다주지는 못했지만, 이 단행본의 페이지에서 발견할 수 있는 것은 결코 안주하지 않은 예술가의 증거입니다. 1929년, 25세 때부터 메이슨은 추상미술에 담긴 세속적 영적 가능성에 헌신했습니다. 그녀는 기꺼이 상반된 이론들을 공부하며, 바실리 칸딘스키, 조안 미로, 그리고 그녀의 개인 멘토 중 한 명인 아르실레 고르키 같은 예술가들의 서정적 생물형태주의와 피에트 몬드리안 같은 예술가들의 기하학적이고 조형적인 순수성 사이를 오갔습니다. 그녀는 평생 이 두 입장 사이를 오락가락했습니다. 1945년, 힐라 리베이가 227점의 작품을 전시한 칸딘스키 추모전을 열었을 때, 메이슨은 리베이에게 직접 편지를 써서 그의 작품을 직접 “충분히 공부할 수 있는 기회”를 준 것에 감사를 표했습니다. 그러나 단 1년 후, 메이슨은 이미 몬드리안의 신조형주의 정신에 따라 직사각형과 그녀가 ‘건축적’ 구조라고 부른 요소들을 작품에 추가하고 있었습니다.

앨리스 트럼불 메이슨 - "색채구조적 추상"을 위한 드로잉, 1947년. 메이소나이트에 유화. 26 1/2 x 23 인치 (67.3 x 58.4 cm). 워시번 갤러리, 뉴욕.

결국 메이슨은 작품에서 두 가지 기본 원칙을 고수했습니다. 첫째는, 그림이든 판화든, 생물형태 구성이든 기하학적 구성이든, 어떤 예술을 어떻게 만들 것인가에 대한 개인의 자유가 중요하다는 믿음이었습니다. 둘째는, 매체 자체가 추상미술에서 가장 중요하고 표현적인 요소라는 인식이었습니다. 모든 위대한 예술가들처럼 그녀 작품의 마법은 전시 이력이나 경매가, 혹은 현대 수집가들이 그녀의 이름을 얼마나 알고 있느냐에 있지 않고, 바로 물감 자체의 생생한 조형성에 있습니다.

대표 이미지: 앨리스 트럼불 메이슨 - 지팡이, 물레, 막대, 1952년. 캔버스에 유화. 34 3/8 x 42 인치 (87.3 x 106.7 cm). 워시번 갤러리, 뉴욕.
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필립 Barcio 제공