현대 이탈리아 미술의 추상적 접근법

대부분의 사람들이 이탈리아 미술의 역사를 공부할 때, 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘로, 카라바조와 같은 고전 마스터들에 대해 배우게 됩니다. 현대 이탈리아 미술 운동인 아르떼 포베라와 스페이셜리즘, 또는 현대 이탈리아 마스터인 에토레 스팔레티에 대해서는 덜 알려져 있습니다. 이탈리아 미술의 전체 이야기를 이해하기 위해서는 이탈리아 예술가들이 모더니즘에 기여한 다양한 방식을 연구하는 것이 필수적입니다. 일부 이탈리아 모더니스트 운동은 아르떼 누클레아레와 같이 형상적 성격을 지니고 있으며, 이는 제2차 세계대전 이후 원자력의 공포에 맞섰고, 1970년대에 등장한 네오-표현주의의 이탈리아 버전인 트란사반타르데도 포함됩니다. 그리고 적어도 하나의 이탈리아 모더니스트 운동인 노베첸토 이탈리아노는 퇴행적이었으며, 파시즘을 수용하고 고대의 사실적이고 고전적인 스타일로의 회귀를 옹호했습니다. 그러나 이탈리아는 또한 국제 현대 미술 경향에 깊은 영향을 미친 여러 추상 모더니스트 미술 운동의 발상지이기도 합니다. 이러한 운동과 관련된 예술가들의 목록은 한 기사에서 다루기에는 너무 길 수 있지만, 여기 몇 가지 주요 추상 이탈리아 현대 미술 운동과 그들을 정의하는 데 도움을 준 예술가들에 대한 간단한 개요를 제공합니다.

이탈리아 미래주의

1909년 밀라노 외곽의 시골 도로에서 필리포 토마소 마리네티는 자전거를 피하다가 차를 도랑에 처박았다. 마리네티는 이 사건에 격분했다. 그는 느리게 움직이는 자전거를 싫어했다. 그는 속도와 힘에 열광했으며 도로는 새로운 시대의 기계들이 차지해야 한다고 믿었다. 그는 곧 미래주의자로 알려지게 될 대담한 젊은 이탈리아 예술가 세대의 일원이었다.

그의 자동차 사고 이후, 마리네티는 이탈리아와 프랑스의 신문에 게재된 에세이를 썼다. 이 에세이는 미래주의 선언으로 알려지게 되었고, 역사라는 무게 아래 젊은 예술가들이 느낀 좌절감을 열정적으로 묘사했다. 그것은 “교수들, 고고학자들, 안내자들, 그리고 골동품상들로부터 이탈리아를 구해내고 싶다.”는 말을 했다. 그것은 기계적 힘, 폭력, 전쟁을 옹호하며, 현대 예술가들이 새로운 산업화된 세계를 받아들이고 과거의 모든 전통과 제도를 파괴해야 한다고 제안했다.

움베르토 보치오니 - 공간의 연속성의 독특한 형태, 1913, 두 가지 시각

이탈리아 미래주의 미술

이탈리아 미래주의자들은 그들의 예술에서 움직임과 속도를 표현하려고 노력했습니다. 그들은 도시의 혼돈과 빠르고 폭력적으로 변화하는 세계의 비전을 묘사했습니다. 이탈리아 미래주의의 핵심 원칙은 다이나미즘(Dynamism)으로, 속도, 움직임, 소리의 결합된 경험을 의미합니다. 자코모 발라는 다이나미즘의 대가 중 한 명이었습니다. 그의 초기 기법은 구상적이었지만, 그의 스타일은 다이나미즘을 색상, 선, 형태와 같은 회화의 형식적 특성을 통해 다루기 위해 빠르게 더 추상적으로 발전했습니다. 주요 예로는 1914년의 그림 추상적 속도 + 소리가 있습니다.

움베르토 보치오니는 다이나미즘의 또 다른 미래주의 거장이었습니다. 뛰어난 화가인 보치오니는 도시의 상승이라는 가장 유명한 미래주의 그림 중 하나를 창작했습니다. 그러나 시간이 지나면서 그는 "연속성" 또는 물리적 공간을 통한 움직임의 감각을 3차원 공간에서 표현하는 도전 과제에 관심을 가지게 되었습니다. 그는 1913년에 제작한 그의 추상 조각 공간의 독특한 형태에서 이 목표를 가장 유명하게 실현했습니다.

루치오 폰타나 - 공간 개념, 1950. © 루치오 폰타나 재단, 밀라노

공간주의

미래주의자들로부터 한 세대가 지난 후, 다음 주요 이탈리아 추상 모더니스트 미술 운동이 시작되었으며, 이는 루치오 폰타나라는 예술가에 의해 촉발되었습니다. 아르헨티나 출신인 폰타나는 주로 공간의 특성과 본질을 표현하는 데 관심이 있었습니다. 그는 형태가 어떻게 공간을 차지하고, 공간을 포함하며, 공간에 대한 접근을 열 수 있는지에 매료되었습니다. 그는 가장 유명한 작품들이 벽에 걸려 있기 때문에 종종 화가로 언급됩니다. 그러나 폰타나는 원래 조각가로 훈련을 받았으며, 그는 자신의 이른바 그림들이 2차원 예술의 정의에 도전한다고 생각했습니다.

1946년, 그는 전통적인 2차원 및 3차원 예술의 정의에 종지부를 찍을 것을 공개적으로 촉구하는 백서라는 에세이를 썼다. 대신 그는 예술에서의 합성을 장려했다. 그의 선언문에서 폰타나는 전통적인 "정적인" 예술 정의인 회화와 조각이 "시간과 공간을 통한 동적 원리"에 의해 지배되는 시대에 더 이상 적합하지 않다고 설명했다. 이러한 변혁적인 관점을 통해 폰타나는 많은 혁신을 창조했다. 그는 설치 미술의 초기 사례 중 일부를 만들었고, 1940년대 후반에는 칼로 잘라내기 시작하면서 그의 사고의 궁극적인 표현을 달성했다. 그의 작품 Concetto spaziale – Attesa,는 중앙에 단일 칼 자국이 있는 단색의 빨간 캔버스로, 공간주의 사상의 정수를 이루는 것으로 여겨지며, 공간에서 형태를 창조하는 데 성공했다.

루치오 폰타나 - 공간 개념 – 대기, 1965. © 루치오 폰타나 재단, 밀라노

가난한 예술

20세기 가장 변혁적인 추상 모더니스트 미술 운동 중 하나는 1960년대 이탈리아에서 시작되었습니다. 그것은 Arte Povera, 즉 가난한 예술이라고 불렸는데, 이는 그 실천자들이 일반적인 재료와 일상적인 주제에 의존하는 경향이 있었기 때문입니다. 이 운동은 처음에 미니멀리즘과 같은 다른 모더니스트 미술 경향에 대한 저항에서 성장했습니다. 미니멀리즘은 산업적 과정을 강조하고 예술가의 개성을 작품에서 제거하려고 했습니다. Arte Povera와 관련된 예술가들은 예술을 일상 생활과 다시 연결하고자 했습니다.

일상적이고 평범한 것들과 연결하기 위해 이 예술가들은 그들이 만든 예술 작품과 그것을 접하는 관객 사이에 독특한 상호작용의 순간을 창조하려고 시도했습니다. 그들은 비록 추상적이지만 간단하고 직접적인 메시지를 전달하는 예술을 만들었습니다. 그들은 로프, 흙, 천, 심지어 배설물과 같은 이해하기 쉽고 자연적이며 촉각적인 전산업 재료를 사용했습니다. 감정과 개인주의를 예술에서 제거하는 데 전념하는 동시대 예술 운동이 있는 가운데, 이 예술가들은 예술가와 관객 모두의 인간성의 중요성을 강조하고 대중이 그들의 예술과 직접 상호작용하도록 공개적으로 초대했습니다.

피노 파스칼리 - 브리슬웜

아르떼 포베라의 예술가들

피에로 만조니는 아르떼 포베라의 아버지로 여겨지지만, 그는 1963년 29세의 나이로 사망하여 주요 전시회에 포함될 수 없었습니다. 그의 작업을 통해 만조니는 예술과 삶이 분리되어 있다는 환상을 파괴하고 관객을 그의 예술에 직접 참여하게 했습니다. 예술을 소비하는 예술을 탐하는 대중의 소비,라는 작품에서 만조니는 자신의 엄지손가락 지문으로 삶은 계란에 "서명"한 후 관객에게 계란을 먹도록 초대했습니다. 마기스크 소켈, 네덜란드어로 마법의 선반이라는 작품에서는 관객이 받침대 위에 서도록 초대하여 그들을 살아있는 조각으로 변모시켰습니다.

다른 아르테 포베라(Arte Povera) 예술가들은 대중을 직접적으로 참여시키지 않았지만, 오히려 관객의 상호작용을 암시하도록 의도적으로 설계된 작품을 만들었습니다. 피노 파스칼로(Pino Pascalo)는 관객들이 만지도록 권장된 브리슬웜(Bristleworms)이라는 대형의 벌레 모양 조각을 만들었습니다. 그리고 1965년, 미켈란젤로 피스토레토(Michelangelo Pistoletto)는 예술과 일상 생활의 결합을 완벽하게 표현한 작품을 선보였습니다. 그의 작품 서Standing While Talking (Minus Objects)은 관객들이 기대고 발을 올릴 수 있는 난간으로 구성된 갤러리에 설치되었습니다.

미켈란젤로 피스토레토 - 서서 이야기하기 위한 구조 (물체 제외)

현대 이탈리아 미술

오늘날 이탈리아 모더니즘의 전통은 여전히 살아있습니다. 에토레 스팔레티는 현재 이탈리아에서 활동하는 주요 추상 예술가 중 한 명입니다. 그는 아르떼 포베라의 핵심 아이디어와 느슨하게 연관되어 있지만, 그의 작업은 그 그룹의 대부분의 구성원들과는 확연히 다릅니다. 다학제 예술가인 스팔레티는 색의 본질을 다루는 객체를 만듭니다. 그는 그가 추구하는 색의 본질이 드러날 때까지 수작업으로 만든 여러 겹의 페인트를 적용하는 힘든 과정을 거칩니다. 색이 마침내 나타나는 그 순간에 그는 자신의 과정을 멈춥니다.

스팔레티가 만드는 객체들은 천상의 광채를 발산합니다. 이들은 마치 일출의 순간이나 시간에 얼어붙은 물 표면에서 반사된 빛의 섬광처럼 보입니다. 스팔레티는 갤러리와 박물관에서 자신의 작품을 전시하는 것 외에도, 장례식장과 예배당과 같은 장소에서 전체 실내 환경을 창조하기도 했습니다. 아마도 일상 생활과 관련된 이러한 표현들에서 그는 아르떼 포베라와의 연관성을 계속 이어가고 있는 것일 것입니다. 그러나 스팔레티는 이탈리아 현대 추상 미술에서 독특한 목소리이기도 합니다. 그는 오늘날 이탈리아 추상 미술 커뮤니티의 많은 동시대 작가들과 함께 과거의 영향력 있는 이탈리아 미술 운동들과의 연결을 즐깁니다. 그리고 가장 중요한 것은, 그들의 선배들처럼, 그들은 이탈리아 미술을 혁신적인 모더니스트 사상의 최전선에 두는 전통을 계속해서 이어가고 있다는 점입니다.

특집 이미지: 지아코모 발라 - 추상적 속도 + 소리, 1913-1914. 예술가가 그린 액자에 바니시가 없는 밀보드에 유채. 21 1/2 x 30 1/8 인치 (54.5 x 76.5 cm). 솔로몬 R. 구겐하임 재단 페기 구겐하임 컬렉션, 베니스, 1976. © 2018 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕/SIAE, 로마
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio