추상화, 지속적인 모험 - 프랭크 윔벌리의 예술
100년 이상 전, 바실리 칸딘스키는 순수한 추상 미술이 음악과 같은 감정적 효과를 달성할 수 있는지 질문했습니다. 1950년대 이후, 프랭크 윔벌리는 단순히 그것을 해내며 그것이 가능하다는 것을 증명해왔습니다. 그는 인간의 마음과 감정을 여행으로 이끌어가는 이미지를 구성하며, 이는 마치 교향곡과 같습니다. 1년 전, 뉴욕의 베리 캠벨 갤러리는 윔벌리를 갤러리가 대표하는 아티스트 목록에 추가했다고 발표했습니다. 그의 작품에 대한 첫 번째 개인 전시회가 5월 30일에 열렸습니다. 그의 경력 초기부터 올해 만들어진 작품까지 30점 이상의 그림이 전시된 이 박물관 품질의 전시는 현대 미국 추상의 경관에 신선한 생명을 불어넣습니다. 사실, 이 그림들의 감정적 내용은 너무 응축되어 있어 한 번의 방문으로 전체 전시를 경험하기가 솔직히 어렵습니다. 윔벌리는 각 그림을 "공격"이라고 부르는 것으로 시작합니다. 이는 빈 공간에 대한 본능적인 침입입니다. 그 첫 번째, 직관적인 미지의 영역과의 대면은 알려진 양을 남깁니다: 하나의 흔적. 신비로운 배가 승객을 영적 강을 건너 저승으로 데려가는 것처럼, 그 첫 번째 흔적은 윔벌리를 구성으로 안내하며, 그림이 상상할 수 없지만 피할 수 없는 미적 결론에 이르도록 일련의 선택에 협력합니다. 재즈 트리오를 상상해 보세요: 드러머가 스네어 드럼을 치고, 키보드 연주자가 그 소리에 즉흥적으로 반응하며, 색소폰 연주자가 뒤따릅니다; 템포가 생겨나고, 마침내 즉흥 연주가 스스로의 생명을 얻어 연주자들을 이끌어 나갑니다. 이것이 윔벌리가 그림을 그리는 방식입니다. 재즈 콘서트의 청중처럼, 이 윔벌리 전시회의 관람자는 거의 항복에 가까운 개방적인 태도가 가장 유익할 수 있습니다. 시작점을 선택하고 눈이 스스로의 템포를 설정하도록 하세요. 구성은 당신을 이끌 것입니다.
시각적 자기성
Wimberley의 작품을 접했을 때 가장 먼저 떠오르는 생각은 당신이 Hans Hofmann의 지혜가 실현되는 것을 목격하고 있다는 것입니다. Wimberley의 그림에서는 Hofmann이 가르친 "push pull"의 교훈이 일종의 자석 같은 힘으로 바뀌어—움직임을 통해 구성을 하나로 묶는 매력적인 진동으로 변모합니다. Hofmann은 추상 표현주의의 출현에 중요한 선구자였으며, Wimberley는 자신의 유산을 추상 표현주의 가족 나무의 일부로 당당히 주장합니다. 이 운동의 이론과 실천을 거부했거나 형식적 미학적 관심에 빠져버린 많은 예술가들과는 달리, Wimberley는 추상 표현주의 방법의 무한한 잠재력을 올바르게 인식하고 있습니다. 그는 무의식적인 호출과 반응, 즉 Wimberley가 "통제된 우연"이라고 부르는 것의 계시로 이어지는 즉흥 연주의 기초가 경계를 모른다는 것을 증명합니다.
프랭크 윔벌리 - 가까운, 2010. 아크릴화. 50 x 50 인치 (127 x 127 cm). © 프랭크 윔벌리. 베리 캠벨 갤러리
가장 신선한 점은 Wimberley가 추상 표현주의 전통을 진지하고 개인적인 방식으로 발전시킨다는 것입니다. 그는 자아로 그리는 것이 아니라 겸손으로 그립니다. 그는 한 번 "내 작업의 삶은 그 질감과 움직임을 포함합니다... 당신은 그것의 경로를 위로 그리고 다른 곳으로 따라가다가 다시 시작점으로 돌아올 때까지... 당신이 그림이 제공하는 모든 것을 보았을 때까지... 당신이 그것이 온전하다고 확신할 때까지"라고 말했습니다. Berry Campbell에서 전시된 30점 이상의 그림들은 그들의 온전함을 설득할 필요가 없습니다. 그들이 선언하는 인상은 즉각적입니다. 각 그림은 확실히, 명백히 독특하지만, 각 그림은 동일한 구조, 균형, 자신감을 공유합니다. 하나의 구성적 강도는 다음 그림의 뚜렷한 중력과 일치합니다. 매력은 계속 이어집니다. 도전은 이 그림들이 유효한지 또는 완전한지를 결정하는 것이 아니라, 그들의 완전함을 경험할 수 있을 만큼 마음을 열 수 있는 것입니다.
프랭크 윔벌리 - This One, 1999. 아크릴화, 캔버스. 40 x 40 인치 (101.6 x 101.6 cm). © 프랭크 윔벌리. 베리 캠벨 갤러리
예측할 수 없는 빛
Wimberley의 가장 만족스러운 점은 그가 자신의 작업에 부여하는 예측 불가능성으로, 이는 Berry Campbell에서의 전시 전반에 걸쳐 진심으로 표현되지만, 특히 갤러리 중심부의 다섯 점의 그림이 있는 작은 공간에서 두드러지게 나타납니다. 작은 공간의 한쪽 끝에는 “So Near” (2010)라는 제목의 큰 정사각형 캔버스(50” x 50”)가 역동적인 첫 인상을 남기며, 마치 깨진 유리 조각처럼 보입니다. 그 앞을 지나가면 빛이 변하고, 아크릴 페인트의 표면 질감이 얼음의 질감으로 변합니다. 그 얼음은 다시 실크로 변해, 신비로운 내면 세계를 보호하는 베일처럼 보입니다. 마지막으로, 페인트 자체가 그림의 형식적 특성을 선언하며 시선을 이끌어 다니게 합니다. 감정과 형식이 이렇게 우아하게 공존하는 경우는 드물며, 이 그림의 미학적 세계에서 그 조화를 찾을 수 있습니다. 그러나 그 옆에는 세 점의 정사각형 그림이 당신의 주목을 요구합니다: “Sand Bar” (1995), 피할 수 없는 패레이돌릭 경향을 가진 긴장감 넘치는 붉은 줄무늬의 임파스토 그림; “Somehow, Soft Rain” (1995), 원시 에너지의 우울한 인상; 그리고 “This One” (1999), 자연의 부드러운 유혹을 섬세하게 표현한 추상화입니다. 작은 공간의 반대편에는 “The Inevitable Shift” (2013)가 걸려 있습니다: “So Near”의 은빛, 형이상학적 쌍둥이로, 그 에나멜 같은 표면은 내부에서 빛나는 듯 보입니다.
프랭크 윔벌리 - Somehow, Soft Rain, 1995. 아크릴화. 46 x 46 인치. © 프랭크 윔벌리. 베리 캠벨 갤러리
이 그림들을 얼마나 많이 보아도, 다음에 보는 그림에 놀라게 됩니다. 예측할 수 없는 것은 구성 전략뿐만 아니라 빛입니다. Wimberley가 그의 물감에서 이끌어내는 질감과 표면 특성은 어떤 것은 거울처럼 보이게 하고, 다른 것은 빛이 사라지는 동굴처럼 보이게 만듭니다. 그의 표면 중 일부는 거리감을 느끼게 하고, 거의 상처를 입은 듯합니다. 다른 것들은 포옹처럼 따뜻하게 맞아줍니다. 이러한 난해한 특성이 어디서 오는지 저는 알지 못합니다. 그것들이 보편적인지조차 말할 수 없습니다. 그 단어는 너무 주관적입니다. Wimberley조차도 모르는 것 같아요. 그는 자신의 방법에 대해 개방적이며, 그가 강조하는 가장 중요한 점은 그조차도 각 그림이 그를 어디로 데려가는지 진정으로 깨닫지 못한다는 것입니다. 그는 우리와 마찬가지로 여정을 함께하며, 구성이 그에게 길을 보여주도록 합니다. Frank Wimberley의 작품은 Berry Campbell 갤러리에서 2019년 7월 3일까지 뉴욕에서 전시됩니다.
특집 이미지: 프랭크 윔벌리 - 샌드 바, 1995. 아크릴화, 캔버스. 40 x 42 인치 (101.6 x 106.7 cm). © 프랭크 윔벌리. 베리 캠벨 갤러리
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해
