추상화, 지속적인 모험 - 프랭크 윔벌리의 예술
한 세기 전, 바실리 칸딘스키는 순수 추상 미술이 음악과 같은 감정적 효과를 낼 수 있을지 의문을 제기했습니다. 1950년대부터 프랭크 윔벌리는 단순히 그것을 실천함으로써 가능하다는 것을 증명해왔습니다—인간의 마음과 영혼을 교향곡처럼 감정의 여정으로 이끄는 이미지를 창조하며. 1년 전, 뉴욕의 베리 캠벨 갤러리는 윔벌리를 갤러리가 대표하는 작가 명단에 올렸다고 발표했습니다. 그의 작품 첫 개인전은 5월 30일에 개막했습니다. 그의 초기 작품부터 올해 제작된 작품까지 30점이 넘는 작품을 선보이는 이 박물관급 전시는 현대 미국 추상미술의 풍경에 신선한 생명을 불어넣습니다. 사실, 이 작품들의 감정적 내용이 너무 응축되어 한 번의 방문으로 전시 전체를 온전히 경험하기가 솔직히 어렵습니다. 윔벌리는 각 작품을 ‘공격’이라 부르는 것으로 시작합니다—빈 캔버스에 본능적으로 침투하는 행위입니다. 미지의 표면과의 첫 직관적 대면은 알려진 결과물, 즉 흔적을 남깁니다. 신비로운 배가 영적 강을 건너 저승으로 인도하듯, 그 첫 흔적은 윔벌리를 구성 속으로 이끌며 일련의 선택을 함께 하여 작품을 상상할 수 없지만 피할 수 없는 미적 결론으로 이끕니다. 재즈 트리오를 상상해보세요: 드러머가 스네어 드럼을 치고, 키보드 연주자가 그 소리를 변주하며, 관악기가 따라가며, 템포가 형성되고, 즉흥 연주가 스스로 생명을 얻어 연주자들을 이끌어 마침내 연주가 끝납니다. 윔벌리의 그림 그리기는 이와 같습니다. 재즈 콘서트의 청중처럼, 이 윔벌리 전시의 관람객도 거의 항복에 가까운 열린 마음가짐으로 임하는 것이 가장 좋을 수 있습니다. 시작점을 정하고 눈이 스스로 템포를 정하게 하세요. 구성이 당신을 이끌 것입니다.
시각적 자력
윔벌리의 작품을 처음 접할 때 떠오르는 생각은 당신이 한스 호프만의 지혜가 실현되는 현장을 목격하고 있다는 것입니다. 다만 윔벌리의 그림에서는 호프만이 가르친 ‘밀고 당기기’의 교훈이 일종의 자력—움직임을 통해 구성을 붙잡는 끌어당기는 진동—으로 바뀝니다. 호프만은 추상 표현주의의 출현에 중요한 선구자였으며, 윔벌리는 거리낌 없이 자신이 추상 표현주의 가계도의 일부임을 주장합니다. 이 운동의 이론과 실천을 거부하거나 형식적 미학에 빠져버린 많은 작가들과 달리, 윔벌리는 추상 표현주의 방식의 무한한 가능성을 올바르게 인식합니다. 그는 무의식적 부름과 응답, 즉흥 연주를 기반으로 한 이 방법이 윔벌리가 ‘통제된 우연’이라 부르는 깨달음으로 이끄는 데 경계가 없다는 증거입니다.
프랭크 윔벌리 - So Near, 2010. 캔버스에 아크릴. 50 x 50 인치 (127 x 127 cm). © 프랭크 윔벌리. 베리 캠벨 갤러리
가장 신선한 점은 윔벌리가 추상 표현주의 전통을 진심 어린 개인적인 방식으로 발전시킨다는 것입니다. 그는 자아가 아닌 겸손으로 그림을 그립니다. 그는 한때 “내 작품의 생명은 그 질감과 움직임에 있다...그 길을 따라 위로 그리고 다른 곳으로 가다 보면 다시 시작점으로 돌아온다...그림이 제공하는 모든 것을 보게 될 때까지...그것이 완전하다고 확신할 때까지”라고 말했습니다. 베리 캠벨에서 전시 중인 30점이 넘는 작품은 설득할 필요가 거의 없습니다. 그들이 선언하는 완전성의 인상은 즉각적입니다. 각 작품은 명확하고 확실하게 독특하지만, 모두 같은 구조감, 균형감, 자신감을 공유합니다. 한 작품의 구성적 힘은 다음 작품의 분명한 중력과 맞먹습니다. 매력은 계속 이어집니다. 이 작품들이 유효한지 완전한지 결정하는 것이 아니라, 그 완전함을 경험할 만큼 마음을 열 수 있느냐가 도전입니다.
프랭크 윔벌리 - This One, 1999. 캔버스에 아크릴. 40 x 40 인치 (101.6 x 101.6 cm). © 프랭크 윔벌리. 베리 캠벨 갤러리
예측 불가능한 빛
윔벌리 작품에서 가장 만족스러운 점은 그가 작품에 부여하는 예측 불가능성입니다. 이는 베리 캠벨 전시 전반에 진심으로 표현되어 있지만, 특히 갤러리 중심부의 다섯 점 그림이 모인 공간에서 두드러집니다. 그 공간 한쪽 끝에는 “So Near”(2010)라는 제목의 큰 정사각형 캔버스(50” x 50”)가 역동적인 첫인상을 주는데, 마치 산산조각 난 유리 조각 같습니다. 그 앞에 서면 빛이 변해 아크릴 물감의 표면이 얼음판처럼 변합니다. 그 얼음은 다시 비단으로 변해 신비로운 내면 세계를 보호하는 장막처럼 보입니다. 마지막으로 물감 자체가 그림의 형식적 성격을 드러내며 시선을 이곳저곳으로 이끕니다. 감정과 형식미가 이토록 우아하게 공존하는 경우는 드뭅니다. 그 옆에는 세 점의 정사각형 그림이 시선을 사로잡습니다: “Sand Bar”(1995)는 빨간 줄무늬가 있는 임파스토 기법의 긴장감 넘치는 작품으로, 피어리돌리아 현상을 피할 수 없습니다; “Somehow, Soft Rain”(1995)은 원초적 에너지의 우울한 인상; 그리고 “This One”(1999)은 자연의 부드러운 유혹을 섬세하게 표현한 추상 표현입니다. 공간 반대편 끝에는 “The Inevitable Shift”(2013)가 걸려 있는데, “So Near”의 은빛 형이상학적 쌍둥이로서, 에나멜 같은 표면이 내부에서 빛나는 듯 보입니다.
프랭크 윔벌리 - Somehow, Soft Rain, 1995. 캔버스에 아크릴. 46 x 46 인치. © 프랭크 윔벌리. 베리 캠벨 갤러리
이 작품들을 몇 점 보든, 다음 작품을 볼 때마다 놀라게 됩니다. 예측 불가능한 것은 구성 전략뿐 아니라 빛입니다. 윔벌리가 물감에서 이끌어내는 질감과 표면 특성은 어떤 것은 거울 같고, 어떤 것은 빛이 사라지는 동굴 같습니다. 어떤 표면은 냉담하고 거의 상처 입은 듯한 느낌을 주고, 다른 표면은 포옹처럼 따뜻하게 맞아줍니다. 이런 신비로운 특성이 어디서 오는지 저는 알지 못합니다. 그것들이 보편적인지조차 말할 수 없습니다—그 단어는 너무 주관적입니다. 아마도 윔벌리 자신도 모를 것입니다. 그는 자신의 방법에 대해 개방적이며, 가장 중요한 점은 자신조차 각 작품이 어디로 이끄는지 진정으로 알지 못한다는 것입니다. 그는 우리와 마찬가지로 여정을 따라가며 구성이 길을 보여주도록 합니다. 프랭크 윔벌리의 작품은 뉴욕 베리 캠벨 갤러리에서 2019년 7월 3일까지 전시됩니다.
대표 이미지: 프랭크 윔벌리 - Sand Bar, 1995. 캔버스에 아크릴. 40 x 42 인치 (101.6 x 106.7 cm). © 프랭크 윔벌리. 베리 캠벨 갤러리
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio
