알베르토 부리와 재료의 변형
예술 작품이 의미가 있다고 말한다면, 우리는 의미가 존재한다고 믿는다는 것을 암시합니다. 그러나 의미가 존재한다면, 삶 자체가 가장 의미 있는 것이 되어야 하지 않을까요? 결국, 우리가 살아 있기 때문에 다른 것들의 의미를 곰곰이 생각할 수 있는 것입니다. 알베르토 부리는 의미에 대한 역설의 시기에 예술가가 되었습니다. 그는 제2차 세계 대전 중 포로로 있을 때 그림을 그리기 시작했습니다. 그는 전쟁 전 의사였으며, 이탈리아 보병 부대에서 전선에서 복무했으며, 그로 인해 인류의 삶의 명백한 무의미함에 대한 문명이 도달한 결론을 직접 목격했습니다. 그러나 동시에 유럽과 미국의 예술가들은 개인적인 의미에 전적으로 관한 표현 방식에 몰두하고 있었습니다: 무의식적인 의미, 심리적인 의미, 숨겨진 의미, 보편적인 의미. 어쩐지 사회는 두 가지 상반된 생각을 가지고 있었습니다: 살아 있는 존재가 전쟁에서 낭비될 만큼 의미가 적을 수 있다는 것과, 무생물체가 그렇게 의미를 가질 수 있어 값어치가 없어질 수 있다는 것입니다. 부리의 작품은 적어도 부분적으로는 의미가 있어야 하고 실제로 의미가 있는 것에 대한 그의 감정을 다룹니다. 그것을 면밀히 고려함으로써 우리는 아마도 이 독특한 예술가가 발견한 것 중 일부에 도달할 수 있을 것입니다; 추상 예술과 우리 자신에 대한 이해를 높일 수 있는 진리들.
알베르토 부리의 뿌리
어떤 의미에서 전쟁이 없었다면 알베르토 부리(Alberto Burri)는 예술가가 되지 않았을지도 모른다. 그는 대신 시골 의사가 되었을 것이다. 부리는 1915년 이탈리아 움브리아의 작은 마을에서 와인을 파는 아버지와 학교에서 가르치는 어머니 사이에서 태어났다. 그의 고향 시골은 목가적이다. 그 풍경은 결국 부리의 첫 번째 그림들, 즉 그가 텍사스에서 미국 전쟁 포로로 있을 때 스스로 그리기 시작한 그림들의 주제가 되었다. 1940년, 부리는 의학 학위를 받고 대학을 졸업했다. 그는 같은 해 이탈리아가 제2차 세계 대전에 참전했을 때 의사로서의 실습을 막 시작했을 때였다. 부리는 보병으로 징집되었다. 거의 3년 동안 그는 북아프리카에서 최전선 병사로 싸웠으며, 현장에서 의사로도 활동했다.
부리의 부대가 포로로 잡혔을 때, 그는 텍사스의 헤르포드에 있는 포로 수용소로 보내졌다. 그곳에서 부리는 의학을 실습할 수 없었다. 그래서 많은 다른 포로들처럼 그는 시간을 보내기 위해 그림을 그리기 시작했다. 적절한 캔버스가 부족하여 그는 자루 천에 그림을 그렸다. 그는 텍사스에서 본 것과 이전에 움브리아에서 본 것의 목가적인 풍경을 그렸다. 전쟁이 끝난 후, 이탈리아로 송환되자 부리는 의학을 영원히 포기하고 자신의 예술에 완전히 몰두했다. 그러나 그는 자신의 미학을 훨씬 다른 방향으로 이끌었다. 그는 시각 언어를 축소하여 완전히 추상적인 이미지를 만들었다. 그는 전후 이탈리아에서 잉여로 남아 있던 자루 천을 계속 사용했으며, 저렴하고 쉽게 구할 수 있는 다른 재료, 매체 및 도구도 통합했다. 그의 팔레트와 이미지는 고국의 찢겨진 풍경과 낭비된 것들의 질감과 외관을 닮았다.
Alberto Burri - Bianco, oil, fabric collage, sand, glue and burlap on canvas, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome
의미로의 돌진
부리의 새롭게 추상화된 스타일이 파괴와 학살을 연상시키는 색상, 질감, 재료 및 형태를 포함하고 있다는 사실은 관객들에게 그가 의사이자 군인으로서의 경험에 대한 작업을 하고 있다고 가정하도록 초대하는 것처럼 보인다. 그러나 부리는 그의 경력 전반에 걸쳐 그의 선택에서 그러한 의미를 찾을 수 없으며 그의 이미지에는 전혀 의미가 없다고 주장했다. 1994년 그는 자신의 전체 작품에 대해 “형태와 공간! 끝. 다른 것은 없다.”고 말했다.
아마도 그 진술에는 부리(Burri)가 의미와 존재에 대해 발견한 더 깊은 진리가 담겨 있을 것이다. 인간, 그림, 동물, 폭탄을 포함한 모든 것들이 공유하는 유일한 보편성은 모든 것이 단지 공간에서 다양한 형태로 존재하는 물질이라는 것이다. 철학에서 물질적 현실주의(Material Realism)는 의식 세계보다 물리적 세계를 우선시한다. 때때로 무신론자들은 영적 영역의 부정을 언급할 때 이 용어를 사용한다. 때때로 과학자들은 객관적인 관찰을 그 동일한 관찰에 대한 개인적인 반응과 구분하기 위해 이 용어를 사용한다. 우리가 알베르토 부리(Alberto Burri)가 자신의 작업에 대해 말하는 것을 믿어야 한다면(왜 믿지 말아야 할까?), 그의 예술 작품은 물질적 현실주의를 예시한다. 그것은 그의 재료의 형식적이고 물리적인 특성의 현실을 탐구하며, 그 이상은 아니다.
Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylic paint and jute sack on canvas, 1954 (Left) / Sacco 5 P, fabric on canvas, burlap and hand stitching, 1953 (Right). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome
부리의 물질적 현실
그의 작품의 형식적 특성 측면에서, 부리는 매우 창의적인 혁신가였다. 그는 자신의 작업을 만들기 위해 다양한 기법을 개척하였고, 이러한 기법의 영향을 강조하기 위해 동등하게 다양한 재료를 통합하였다. 콜라주 개념을 차용하여 그의 이미지는 회화, 부조 및 조각 사이의 경계를 흐리게 하는 층을 이루는 외관을 띠었다. 그의 초기 작품은 페인트와 층으로 된 직물의 혼합물이었으며, 그는 이를 바느질하고 꿰매었다. 이후 그는 표면을 자르고, 베고, 구멍을 뚫어 입체감을 추가하였다. 그는 자신의 작업의 나무 요소를 태우기 위해 불을 사용하였고, 그을림 과정을 통해 형태를 만들었다. 그는 열을 사용하여 플라스틱을 녹여 그의 구성에 이상하게 유기적인 차원과 질감을 추가하였다.
Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome
그의 예술 작품의 형식주의적 성격을 강조하기 위해, 그는 자신의 작품에 시적인 이름을 붙이는 대신, 물리적 특성에 따라 제목을 붙였다. 그는 색상, 재료 또는 제작 기법에 대한 이탈리아어 단어를 사용했다. 타르로 만든 작품은 Catrami라고 불렀고, 녹인 플라스틱 작품은 Plastichi라고 불렀으며, 나무로 만든 작품은 Legni라고 불렀다. 그는 그의 자루 작품을 Sacchi라고 불렀고, 이는 이탈리아어로 가방을 의미한다. 불로 만든 작품은 Cumbustiono라고 불렀고, 표면 뒤에 외부 돌출부를 삽입하여 만든 그의 상징적인 부풀어 오른 작품은 Gobbi라고 불렀다. 이는 이탈리아어로 곱사등이를 의미한다.
Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome
큰 균열
부리의 경력에서 가장 상징적인 성과 중 하나는 그가 Cretto라고 부른 미학의 형태로 나타났습니다. Cretto는 균열을 의미하는 토스카나 방언입니다. Cretto를 달성하기 위해 그는 시간이 지남에 따라 다양한 회화 매체에서 자연스럽게 나타나는 미세한 균열을 유도하는 과정을 과장했습니다. 이 효과는 크라켈루르(craquelure)로 알려져 있습니다. 이 효과는 일반적으로 회화에 해로운 것으로 간주됩니다. 예를 들어, 카지미르 말레비치의 기념비적인 회화 검은 사각형은 한때 단단한 검은 형태였으나, 이제는 너무 많이 노화되어 부리의 Cretto 회화 중 하나와 유사하게 보입니다.
Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl on cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome
부리(Burri)는 일반적으로 부패에 귀속되는 과정을 전유하여 그것을 창조의 과정으로 전환함으로써 사물의 의미에 대한 본질적인 이분법을 다시 표현합니다. 그는 파괴의 행위를 통해 창조합니다. 그는 부패에서 아름다움을 찾습니다. 이러한 표현의 궁극적인 발현은 1985년에 이루어졌으며, 부리는 이를 사용하여 그의 가장 기념비적인 작품인 Il Grande Cretto를 창조했습니다. Il Grande Cretto는 알려진 가장 큰 대지 예술 작품 중 하나로, 1968년 지진으로 파괴된 시칠리아의 기벨리나(Gibellina)라는 도시의 옛 터 위에 세워졌습니다. Il Grande Cretto는 그 잔해 위에 자리 잡고 있으며, 약 120,000 제곱미터에 달하는 거대한 돌 형태와 틈의 집합체입니다.
Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moscow
혁신의 유산
부리(Burri)는 제2차 세계 대전 이후 이러한 미학으로 전환하도록 영감을 받은 유일한 예술가가 아니었다. 1960년대까지 많은 예술가들이 버려진, 겉보기에는 가치 없는 재료를 작품에 사용하면서 아르떼 포베라(Arte Povera), 즉 가난한 예술이라는 용어가 그들의 스타일을 지칭하기 위해 만들어졌다. 그리고 아르트 인포르멜(Art Informel)이라는 용어는 화가들이 직관과 감정적 행동을 통해 만들어낸 거칠고 표현적인 캔버스를 지칭하기 위해 만들어졌다. 부리의 미학은 그를 아르떼 포베라와 아르트 인포르멜과 연관짓게 했지만, 그는 그를 따르는 다른 예술가들과는 매우 다른 이유로 이러한 미학을 수용하게 되었다.
아르떼 포베라는 예술에서 일어나고 있는 다른 것에 대한 반응이었다; 그것은 프롤레타리아 미학으로의 회귀였다. 아르떼 인포르멜은 개인적 표현과 작품 내 깊고 숨겨진 무언가를 표현하는 힘을 포용한 것이었다. 부리(Burri)가 한 것은 다른 것에 대한 반응이 아니었다. 그의 작품에는 숨겨진 의미가 없었다. 그는 “단어는 나에게 아무 의미가 없다; 그들은 그림 주위에서 이야기한다. 내가 표현해야 할 것은 그림에 나타난다.”라는 말을 했다. 재료, 형태 및 공간에 대한 완전히 형식적인 검토에 대한 이 독특하고 자신감 있는 접근은 희망적인 무언가를 말하는 예를 남겼다: 그림은 그저 그림일 뿐이다. 그 의미를 결정하는 것은 예술가이며, 따라서 예술가 – 살아 숨 쉬는 창조적인 개인 – 가 가치 있게 여겨져야 한다.
특집 이미지: 알베르토 부리 - 페로, 1954, 사진 제공 구겐하임 미술관
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
