추상 미술에서 질감의 중요성

대체로 예술에서 질감은 삶과 마찬가지로 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다: 거친 것과 매끄러운 것. 두 가지 모두 단단하거나 부드러울 수 있고, 젖거나 마를 수 있으며, 유기적이거나 합성적일 수 있습니다. 그리고 거칠음과 매끄러움의 무한한 경계가 가능합니다. 그러나 질감이 삶에서 수행하는 기능과 예술에서 수행하는 기능을 구분짓는 한 가지 주요 차이가 있습니다. 삶에서 질감은 생존의 문제일 수 있습니다. 어떤 것이 미끄럽거나, 끈적거리거나, 비늘이 있거나, 솜털 같은지에 대한 우리의 인식은 생과 사의 차이를 의미할 수 있습니다. 예술에서의 질감은 그렇게 심각하지 않습니다. 대부분의 예술 작품은 만져지도록 의도되지도 않았습니다. 그리고 예술 작품을 만질 수 있을 때조차 그 질감은 우리의 지속적인 존재보다 미적 경험과 더 관련이 있습니다. 그럼에도 불구하고 질감은 예술과의 상호작용에서 중요한 부분입니다. 그것은 선, 색, 형태, 형상, 가치 및 공간과 함께 일곱 가지 형식적 예술 요소 중 하나입니다. 질감은 기분에 영향을 미치고, 심리적 연상을 불러일으키며, 매체에 주목하게 하거나, 작품에 사용된 재료로 우리의 초점을 돌릴 수 있습니다. 능숙하게 사용되면, 질감은 우리가 현실을 인식하는 방식을 도전할 수도 있습니다.

드라마와 빛

추상 화가들이 질감을 실험한 가장 초기 방법 중 하나는 임파스토라는 과정입니다. 우리가 그림이 임파스토라고 말할 때, 이는 화가가 두꺼운 층으로 표면에 페인트를 적용했음을 의미합니다. 임파스토 작품은 화가가 남긴 물리적 흔적에 중점을 두기 때문에 화풍이 있다고 여겨집니다. 반 고흐와 같은 후기 인상파 화가들은 임파스토를 사용하여 드라마를 창조하고, 빛이 그들의 이미지 표면과 상호작용하는 방식을 변화시켰습니다. 임파스토 층은 그림자와 하이라이트를 생성하기 때문입니다. 잭슨 폴록과 같은 추상 표현주의 화가들은 두껍게 층을 쌓은 페인트를 사용하여 그림 그리는 행위에 주목하고, 예술가의 개성과 개별 기법을 드러냅니다.

임파스토 질감의 반대는 평면성입니다. 헬렌 프랑켄탈러와 케네스 놀랜드와 같은 예술가들은 캔버스를 염색하고, 희석된 물감을 비프라이밍된 캔버스에 직접 부어 표면과 물감을 융합했습니다. 그들의 평면 질감은 예술가의 신체적 제스처에서 시선을 돌리게 하여 색상, 표면 및 공간과 같은 다른 요소에 대한 사유를 촉진했습니다. 카지미르 말레비치와 같은 초기 추상 예술가들도 평면적이고 비회화적인 이미지를 그렸습니다. 흥미롭게도, 말레비치가 그린 많은 상징적인 평면 그림들, 예를 들어 검은 사각형은 시간이 지나면서 예술가가 의도한 것과는 매우 다른 질감을 얻게 되었습니다. 관객이 이러한 작품에서 인식하는 의미가 질감의 변화에 의해 변화되었는지 사유하는 것은 매혹적입니다.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Oil on linen. 79.5 x 79.5 cm. Tretyakov Gallery, Moscow

물리적 질감 대 시각적 질감

예술에서 질감은 최소한 두 가지 방법으로 인식될 수 있습니다: 촉각(물리적 질감)과 시각(시각적 질감)을 통해. 물리적 질감은 예술 작품에 객체성을 부여합니다. 그것은 그것을 구체적인 물리적 세계와 연관시킵니다. 이탈리아 예술가 알베르토 부리는 그의 작품에서 관객에게 원초적인 감정적 반응을 불러일으킬 수 있는 물리적 질감을 만들기 위해 발견된 재료를 사용했습니다. 한국의 단색화 예술가들과 일본 아방가르드 구타이 그룹과 관련된 예술가들도 물질성에 중점을 두었으며, 구타이 선언서에서 언급된 바와 같이, “인간의 특성과 물질의 속성을 융합함으로써 우리는 추상 공간을 구체적으로 이해할 수 있다.”고 믿었습니다.

다른 예술가들은 시각적 질감의 가능성에 더 관심이 많습니다. 영국의 옵 아트 화가 브리짓 라일리의 그림은 완전히 평면적이지만, 눈을 속여 질감이 있는 파도와 차원적인 층을 인식하게 만듭니다. 추상 사진작가들도 시각적 질감으로 놀고 있습니다. 캐나다 태생의 추상 사진작가 제시카 이튼은 3차원 물체를 만든 다음 여러 필터로 촬영합니다. 그녀의 평면 인쇄물은 질감이 없는 것처럼 보이지만, 자세히 살펴보면 그녀가 만든 물체의 물리적 질감이 드러나며, 눈을 혼란스럽게 하여 그것이 실제 질감인지 상상의 질감인지 인식하게 만듭니다.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigment print. © Jessica Eaton (Left) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion on board. © Bridget Riley (Right)

추상 조각의 질감

추상 예술가들은 3차원 공간에서 작업할 때 질감 요소를 다룰 수 있는 추가적인 기회를 즐깁니다. 그들의 작품은 더 자주 만져지도록 의도되기 때문입니다. 예수 라파엘 소토는 관람객이 걸어 들어갈 수 있는 대규모 3차원 조각인 페네트라블레스를 만듭니다. 이 조각은 부드럽고 합성적인 질감의 촉수가 그들을 감싸도록 하여 미적 경험의 일부가 됩니다. 그리고 헨리 무어와 같은 예술가들은 수많은 공공 야외 조각을 제작하여 시간이 지남에 따라 인간의 손과 자연 요소가 예술 작품의 본질적인 성격을 어떻게 변화시키는지를 보여줄 기회를 가집니다.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetic sculpture. © Jesús Rafael Soto

텍스처는 추상 미술을 이해하는 데 있어 매우 중요합니다. 도널드 저드가 만든 Specific Objects가 매끄럽고 고광택의 산업적 텍스처 덕분에 미니멀하고 현대적인 작품으로서의 지위를 갖지 않았다면, 우리에게 어떤 의미가 있었을까요? 그리고 독일 태생의 스위스 아티스트 메레트 오펜하임이 만든 털로 덮인 커피 세트 Object는 그 기괴한 텍스처 없이는 초현실주의의 아이콘이 될 수 있었을까요? 추상 미술의 텍스처를 숙고함으로써 우리는 그것을 새로운 차원에서 관계를 맺을 수 있으며, 이는 우리의 이해에 영향을 미치고, 감사를 깊게 하며, 작품에서 인식하는 의미를 변화시킬 수 있습니다.

Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Stainless steel and red Plexiglas, in ten parts. © Donald Judd

특집 이미지: 알베르토 부리 - 크레토 (세부), 1975. 아크로비닐 셀로텍스 위. © 2019 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / SIAE, 로마
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio