추상 미술에서 질감의 중요성
넓게 보면 예술에서의 질감은 삶에서와 마찬가지로 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다: 거칠고 부드러운 것. 두 가지 모두 단단하거나 부드럽고, 젖었거나 마르거나, 유기적이거나 인공적일 수 있습니다. 그리고 거칠기와 부드러움의 무한한 단계가 가능합니다. 그러나 한 가지 중요한 차이가 삶에서 질감이 수행하는 기능과 예술에서 질감이 수행하는 기능을 구분합니다. 삶에서 질감은 생존의 문제일 수 있습니다. 무언가가 미끄럽거나 끈적거리거나 비늘 모양이거나 보송보송한지에 대한 우리의 인식은 생과 사를 가를 수 있습니다. 예술에서의 질감은 그리 절박하지 않습니다. 대부분의 예술 작품은 만져지기 위해 만들어지지 않았습니다. 그리고 작품을 만질 수 있을 때조차 그 질감은 우리의 미적 경험과 더 관련이 있으며 우리의 생존과는 덜 관련이 있습니다. 그럼에도 불구하고 질감은 예술과의 상호작용에서 중요한 부분입니다. 선, 색, 형태, 입체, 명암, 공간과 함께 일곱 가지 형식적 예술 요소 중 하나입니다. 기분에 영향을 주거나 심리적 연상을 불러일으키고, 매체에 주목하게 하거나 작품에 사용된 재료에 대한 집중을 돌릴 수 있습니다. 능숙하게 사용하면 질감은 우리가 현실이라고 인식하는 것에 도전할 수도 있습니다.
극적 효과와 빛
추상화가들이 질감을 실험한 초기 방법 중 하나는 임파스토라는 기법입니다. 그림이 임파스토라고 할 때, 화가는 두꺼운 층으로 물감을 표면에 바른 것을 의미합니다. 임파스토 작품은 화가가 남긴 물리적 흔적을 두드러지게 하여 화가다운 느낌을 줍니다. 반 고흐 같은 후기 인상파 화가들은 극적인 효과를 내고 빛이 이미지 표면과 상호작용하는 방식을 변화시키기 위해 임파스토를 사용했습니다. 임파스토 층은 그림자와 하이라이트를 만들어냅니다. 잭슨 폴록 같은 추상 표현주의 화가들은 두껍게 겹겹이 쌓인 물감을 사용하여 그림 그리는 행위에 주목하게 하고 화가의 개성과 개별 기법을 드러냅니다.
임파스토 질감의 반대는 평면성입니다. 헬렌 프랭켄탈러와 케네스 놀랜드 같은 화가들은 캔버스에 묽게 희석한 물감을 직접 부어 표면과 물감이 하나가 되도록 하여 평면적인 질감을 만들었습니다. 그들의 평면 질감은 화가의 물리적 제스처에서 주의를 돌려 색, 표면, 공간 같은 다른 요소들을 숙고하게 했습니다. 초기 추상 화가인 카지미르 말레비치도 평면적이고 화가다운 느낌이 없는 이미지를 그렸습니다. 흥미롭게도, 말레비치가 그린 상징적인 평면 그림들, 예를 들어 검은 사각형은 시간이 지나면서 화가가 의도한 것과는 매우 다른 질감을 갖게 되었습니다. 관람자가 그러한 작품에서 인식하는 의미가 질감의 변화로 인해 달라졌는지 생각해 보는 것은 흥미롭습니다.
카지미르 말레비치 - 검은 사각형, 1915년. 린넨에 유화. 79.5 x 79.5 cm. 트레티야코프 미술관, 모스크바
물리적 질감과 시각적 질감
예술에서 질감은 적어도 두 가지 방식으로 인식될 수 있습니다: 촉각을 통한 (물리적 질감)과 시각을 통한 (시각적 질감). 물리적 질감은 작품에 물체로서의 실체감을 부여합니다. 그것은 구체적인 물리적 세계와 연관됩니다. 이탈리아 예술가 알베르토 부리는 발견한 재료들을 사용하여 작품에 물리적 질감을 만들어 관람자에게 원초적인 감정 반응을 불러일으켰습니다. 한국의 단색화 작가들과 일본 전위 예술 그룹인 구타이 그룹에 속한 작가들도 재료성에 중점을 두었으며, 구타이 선언문에서 말했듯이 “인간의 특성과 재료의 성질을 융합함으로써 추상 공간을 구체적으로 이해할 수 있다”고 믿었습니다.
다른 작가들은 시각적 질감의 가능성에 더 관심이 많습니다. 영국 옵아트 화가 브리짓 라일리의 그림은 완전히 평면이지만 눈을 속여 질감 있는 파도와 입체적인 층을 인식하게 만듭니다. 추상 사진작가들도 시각적 질감을 활용합니다. 캐나다 출신의 추상 사진작가 제시카 이튼은 3차원 물체를 만들고 여러 필터로 촬영합니다. 그녀의 평면 인쇄물은 질감이 없는 것처럼 보이지만 자세히 보면 그녀가 만든 물체의 물리적 질감이 드러나 실제 질감을 보는지 상상의 질감을 보는지 혼란스럽게 만듭니다.
제시카 이튼 - cfaal 72r, 2001년. 안료 인쇄. © 제시카 이튼 (왼쪽) / 브리짓 라일리 - 내림, 1966년. 보드에 유제. © 브리짓 라일리 (오른쪽)
추상 조각에서의 질감
3차원 공간에서 작업하는 추상 작가들은 작품이 만져지도록 의도되는 경우가 많아 질감 요소를 다룰 추가 기회를 즐깁니다. 헤수스 라파엘 소토는 관람자가 통과할 수 있는 대형 3차원 조각인 페네트러블을 만듭니다. 이 조각의 부드럽고 인공적인 촉감이 관람자를 감싸며 미적 경험의 일부가 됩니다. 그리고 헨리 무어 같은 작가들은 수많은 공공 야외 조각을 제작하여 시간, 인간의 손길, 자연 요소가 작품의 본질적 성격을 어떻게 변화시키는지 보여줄 기회를 가졌습니다.
헤수스 라파엘 소토 - 시카고 페네트러블, 1971년. 동력 조각. © 헤수스 라파엘 소토
질감은 추상 미술을 이해하는 데 매우 중요합니다. 도널드 저드가 만든 특정 물체들이 부드럽고 광택이 나는 산업적 질감이 없었다면, 그것들이 미니멀하고 현대적인 작품으로서의 지위를 갖는 의미가 무엇이었을까요? 그리고 독일 태생 스위스 작가 메레트 오펜하임의 털로 덮인 커피 세트인 악명 높은 오브제가 그 기이한 질감 없이는 초현실주의의 상징이 될 수 있었을까요? 보이기 위해서든 만지기 위해서든, 또는 둘 다를 위해서든, 추상 미술의 질감을 숙고함으로써 우리는 새로운 차원에서 작품과 관계를 맺을 수 있으며, 이는 우리의 이해에 영향을 주고 감상을 깊게 하며 작품에서 인식하는 의미를 변화시킬 수 있습니다.
도널드 저드 - 제목 없음, (91-2 번스타인), 1991년. 스테인리스 스틸과 빨간 플렉시글라스, 10부분으로 구성. © 도널드 저드
대표 이미지: 알베르토 부리 - 크레토 (부분), 1975년. 셀로텍스에 아크로비닐. © 2019 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / SIAE, 로마
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 작성
