"생생한 형태의 예술가" - 엘리자베스 머레이
40년 동안의 경력 동안, 엘리자베스 머레이는 독특한 미적 유산을 쌓아 올렸습니다—분명히 진지하면서도 미소를 짓지 않을 수 없는 그런 유산이었습니다. 예술가로서 그녀는 비전, 유머, 호기심을 몸소 보여주었습니다. 저는 그녀를 장 뒤뷔페, 니키 생팔, 키스 해링, 알렉산더 칼더와 같은 전통에 놓습니다—놀이의 중요성을 이해한 예술가들입니다. 그리고 인간으로서 그녀는 거리의 지혜와 호감 가는 성격을 보여주었으며, 겉으로는 힘들이지 않은 듯한 자연스럽고 친근한 태도를 풍겼습니다. 그녀의 자아감은 젊은 시절, 거의 집이 없을 때 자주 형성되었습니다. 그녀는 어릴 때부터 자립과 근면의 교훈을 배웠습니다. 또한 어린 시절부터 예술에 대한 빛나는 관심을 보였는데, 5학년 때부터 이미 동급생들에게 자신의 그림을 팔았다고 회상합니다. 그녀의 매혹적이고 성숙한 시각 스타일은 시카고 고향에서 처음 길러졌고, 이후 오클랜드에서 더욱 발전했는데, 두 도시는 특히 1960년대에 독특하고 독립적인 예술가들을 배출하는 것으로 유명했습니다. 그녀가 세상을 떠나기 직전, 머레이는 뉴욕 현대미술관에서 회고전으로 기념되었습니다. 이 전시에는 그녀의 경력을 아우르는 약 75점의 작품이 포함되었습니다. 그녀의 전 생애에 걸친 변화가 한 번에 전시되면서, 그녀 상상력의 깊이, 집중력의 강도, 그리고 추상미술에 대한 그녀의 기여가 지닌 기발함과 우아함이 생생하게 드러났습니다.
희망적인 상상주의자
머레이가 경력 동안 키워온 미적 진화의 기본 감각은 그녀의 웹사이트에서 얻을 수 있습니다. 1976년부터 2007년까지 연대순으로 정리된 그녀의 전체 작품을 엿볼 수 있습니다. 이를 통해 그녀의 성숙한 회화 스타일의 씨앗이 초기 작품에서부터 이미 존재했음을 알 수 있습니다. 또한 그녀가 예술을 배운 두 도시의 영향도 분명히 드러납니다. 학부 과정은 시카고 예술학교(AIC)에서 마쳤습니다. 그녀가 다닌 시기는 몬스터 로스터, 헤어리 후, 시카고 이미지스트와 연관된 예술가들이 그 도시에서 전성기를 맞이하던 시기였습니다. 그녀는 그 그룹들이 유명했던 초현실주의 형식과 선명한 색채와의 연결고리를 공유했습니다. 또한 많은 그 예술가들처럼 머레이의 작품은 개인적이었습니다. 그녀는 동시대 팝 아티스트들처럼 넓은 상업 문화와 대화하는 것이 아니라, 내면과의 대화를 나누고 있었습니다.
엘리자베스 머레이 - Who Wants, 2003, 6점으로 이루어진 시리즈 중 하나, 3차원 다채색 석판화/스크린프린트, 자르고, 콜라주하고, 작가가 직접 손으로 채색, 50 × 47 1/2 × 6 인치, 127 × 120.7 × 15.2 센티미터, 6점 한정판, 뉴욕 조니 모이상 웨일 갤러리, © 엘리자베스 머레이
그 초기 그림들은 또한 머레이가 1960년대 시카고의 구상 미술 운동과 자주 연관된 환멸감을 결여하고 있음을 보여줍니다. 그것이 그녀가 AIC 졸업 후 캘리포니아로 향한 이유일지도 모릅니다. 1962년 오클랜드의 밀스 대학에 입학해 석사 학위를 받았습니다. 당시 베이 지역은 펑크 아트의 중심지였습니다. 머레이는 그 운동을 정의하는 재치, 모호함, 독특한 관능미와 조화를 이루었습니다. 서부에서의 경험은 그녀가 거리낌 없이 자신의 목소리를 추구하도록 힘을 실어주었습니다. 1967년 뉴욕으로 이사할 때쯤, 그녀는 독특하고 자신감 있는 미적 입장을 갖추었으며, 다른 예술가들이 무엇을 하든 신경 쓰지 않는 법을 알았습니다. 뉴욕에서 자리를 잡는 데는 시간이 걸렸지만, 첫 전시는 큰 무대였습니다—1972년 휘트니 미국 미술관 연례전: 현대 미국 회화. 머레이의 작품은 결국 그 기관의 영구 소장품이 되었고, 모마, 구겐하임, 워커, 메트로폴리탄 미술관, 그리고 전 세계 50개 이상의 저명한 미술관에도 포함되었습니다.
엘리자베스 머레이 - 무제, 1991, 인디아 잉크, 색연필과 과슈, 종이 위 콜라주, 10 2/5 × 10 7/10 인치, 26.4 × 27.3 센티미터, 페이스 갤러리, © 엘리자베스 머레이
표면에서 형태로
오늘날 머레이가 가장 자주 기억되는 것은 그녀의 마지막 작품군—대형, 복잡하며 서로 연결된 형태의 캔버스 구성입니다. 되돌아보면 그 지점에 이르는 여정은 거의 필연적으로 보입니다. 처음부터 그녀는 형태의 생명력에 관심이 있었습니다. 1976년 작품 Beginner에 대해 그녀는 “여러 가지 시각적 방식으로 읽힐 수 있는 유기적 형태를 다루고 싶었다. 작은 화성 제비꽃 나선형을 그 형태의 목소리나 심장, 진정한 내면 부분으로 생각했다.”고 말했습니다. 거의 같은 시기에 그녀는 삼각형, 다이아몬드 같은 특이한 형태의 캔버스에 그림을 그리기 시작했습니다. 얼마 지나지 않아 그녀는 형태 자체가 되는 캔버스를 만들기 시작했는데, 이는 그녀가 직접 고안한 추상적이고 생물형태적 형태였습니다. 이것은 그녀의 구성을 문자 그대로 생명 있게 만들었습니다. 커피잔 시리즈 중 하나인 Yikes라는 작품에 대해 머레이는 “초기 입체파 풍경화를 생각했다; 브라크의 풍경화 안을 걷는 것을 상상해 보라.”고 회상했습니다.
엘리자베스 머레이 - 설치 전경, 뉴욕 현대미술관, © 뉴욕 현대미술관 기록 보관소
그녀의 비전이 완전히 성숙한 모습은 Everybody Knows(2007)과 같은 건축적 걸작에서 볼 수 있습니다. 이 작품은 머레이가 세상을 떠나기 전 마지막으로 만든 그림입니다. 그 복잡하고 시간이 많이 걸리는 제작 과정은 2003년 Art 21 에피소드에 담겼습니다. 영상에서 그녀는 먼저 종이에 구성을 그린 후 각 형태에 맞는 캔버스를 제작하고, 마지막으로 형태가 있는 캔버스들을 연결해 여러 겹의 물감으로 생명을 불어넣는 과정을 보여줍니다. 그녀의 최종 작품들은 머레이가 작업실에서 키운 뛰어난 재능의 증거입니다. 그럼에도 불구하고 예술계 일부에서는 그녀의 노력을 폄하하며 그녀의 작품을 “저급 예술”이라 부르고, 그 작품이 불러일으키는 기쁨을 조롱합니다. 그런 비평가들은 예술사에 몰두한 예술가의 근본적인 진지함, 색채와 형태가 지닌 내재적 힘, 그리고 사물 간의 관계를 이해하지 못했음을 드러낼 뿐입니다. 그런 비판은 결국 아무런 지속적인 영향을 미치지 못했습니다. 겸손함과 유머 감각에도 불구하고 머레이는 단호히 자신의 입장을 지켰습니다. 그녀가 폄하하는 이들 앞에서도 보여준 전설적인 회복력은 그녀를 여성주의의 아이콘으로 만들었습니다. 그녀는 위대한 추상미술뿐 아니라 인간성과 강인함의 유산도 남겼습니다. 많은 이들이 증명했듯, 예술가는 자신이 원하는 것을 만들 권리가 있으며, 강하고 자신감 넘치며 뛰어난 작품은 언제나 비평가들을 능가한다는 것을 증명했습니다.
엘리자베스 머레이 - 설치 전경, 뉴욕 현대미술관, © 뉴욕 현대미술관 기록 보관소
대표 이미지: 엘리자베스 머레이 - 설치 전경, 뉴욕 현대미술관, © 뉴욕 현대미술관 기록 보관소
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio 작성
