"생생한 형태의 예술가" - 엘리자베스 머레이
40년 경력 동안, 엘리자베스 머레이는 독특한 미적 유산을 쌓아왔습니다. 그것은 부인할 수 없이 진지하면서도, 동시에 미소를 짓지 않을 수 없는 것이었습니다. 그녀는 예술가로서 비전, 유머, 호기심을 exemplified했습니다. 나는 그녀를 장 뒤뷔페, 니키 드 생팔, 키스 해링, 알렉산더 칼더의 전통에 두고 싶습니다. 이들은 놀이의 중요성을 이해한 예술가들입니다. 그리고 인간으로서 그녀는 거리의 지혜와 호감도를 exemplified하며, 겉보기에는 수월하고 자연스러운 친근함을 발산했습니다. 그녀의 자아 감각은 젊은 시절에 확립되었으며, 그때 그녀는 거의 노숙자에 가까운 생활을 하곤 했습니다. 그녀는 어릴 때부터 자립과 근면의 교훈을 배웠습니다. 그녀는 또한 예술에 대한 조기 관심을 보였으며, 5학년 때부터 동급생들에게 자신의 그림을 팔았던 기억이 있습니다. 그녀의 매력적이고 성숙한 시각적 스타일은 고향인 시카고에서 처음으로 키워졌고, 이후 오클랜드에서 발전했습니다. 이 두 도시는 특히 1960년대에 독특하고 개성 있는 대담한 아이디어를 가진 예술가들을 배출하는 것으로 유명했습니다. 그녀의 죽기 직전, 머레이는 현대 미술관 뉴욕에서 회고전을 기념받았습니다. 이 전시회는 그녀의 경력을 아우르는 약 75점의 작품을 선보였습니다. 그녀의 모든 발전이 한 번에 전시되면서, 그녀의 상상력의 깊이, 집중의 강도, 그리고 추상 미술에 대한 그녀의 기여의 기발함과 우아함이 생생한 색으로 드러났습니다.
희망찬 이미지스트
머레이가 그녀의 경력 동안 발전시킨 미학적 진화에 대한 기본적인 감각은 그녀의 웹사이트에서 얻을 수 있다. 1976년부터 2007년까지 연대순으로 정리된 그녀의 전체 작품을 엿볼 수 있다. 이는 그녀의 성숙한 회화 스타일의 씨앗이 그녀의 초기 작업에서도 존재했음을 분명히 보여준다. 또한 그녀가 기술을 배운 두 도시의 영향도 분명히 드러난다. 그녀의 학부 학위 과정에서 머레이는 시카고 미술학교(AIC)에 다녔다. 그녀는 그 도시에서 몬스터 로스터, 헤어리 후, 시카고 이미지스트와 관련된 예술가들이 전성기를 맞이하던 시기에 있었다. 그녀는 그 그룹들이 알려진 초현실적 형태와 생생한 색상에 대한 연결을 공유했다. 또한 많은 예술가들처럼 머레이는 개인적인 작업을 했다. 그녀는 그녀 세대의 팝 아티스트들이 경향을 보였던 넓고 상업적인 문화와 대화하지 않았고, 오히려 내부의 무언가와 대화를 나누고 있었다.
Elizabeth Murray - Who Wants, 2003, From the series One series of 6 unique works, 3-dimensional multi-colored lithograph/screenprint, cut, collaged, and hand-painted by the artist, 50 × 47 1/2 × 6 in, 127 × 120.7 × 15.2 cm, Edition of 6, Gemini G.E.L. at Joni Moisant Weyl, New York, © Elizabeth Murray
그 초기 그림들은 머레이가 1960년대의 피규라티브 시카고 운동과 자주 연관되는 환멸이 결여되어 있음을 드러냅니다. 그것이 그녀가 AIC를 졸업한 후 캘리포니아로 끌린 이유일지도 모릅니다. 그녀는 1962년 오클랜드의 밀스 대학에 입학하여 석사 학위를 받았습니다. 그 당시 베이 지역은 펑크 아트의 중심지였습니다. 머레이는 그 운동을 정의하는 재치, 모호함, 그리고 엉뚱한 관능성에 조화를 이루었습니다. 그녀의 서부에서의 경험은 그녀가 자신의 목소리를 거리낌 없이 추구할 수 있도록 힘을 주었습니다. 1967년 뉴욕으로 이사했을 때, 그녀는 특이하고 자신감 있는 미학적 입장을 갖추고 있었으며, 다른 예술가들이 무엇을 하고 있는지 걱정하지 말아야 한다는 것을 알고 있었습니다. 그녀가 뉴욕에서 자리 잡는 데는 시간이 걸렸지만, 그녀의 첫 전시는 큰 전시였습니다. - 1972년 휘트니 미국 미술관 연례 전시: 현대 미국 회화. 머레이의 작품은 결국 그 기관의 영구 소장품에 포함되었으며, 모마, 구겐하임, 워커, 메트, 그리고 전 세계 50개 이상의 저명한 미술관의 작품들과 함께 소장되었습니다.
Elizabeth Murray - Untitled, 1991, India ink, colored pencil and gouache on paper with collage, 10 2/5 × 10 7/10 in, 26.4 × 27.3 cm, Pace Gallery, © Elizabeth Murray
표면에서 형태로
머레이가 오늘날 가장 자주 기억되는 것은 그녀의 마지막 작품 집합—대규모, 복잡하고 상호 연결된 형태의 캔버스 구성이다. 그 지점에 이르기까지의 그녀의 여정은 회고해보면 거의 불가피하게 보인다. 처음부터 그녀는 형태의 생명력에 관심이 있었다. 1976년 그녀의 그림 Beginner에 대해 그녀는 “많은 다른 시각적 방식으로 읽힐 수 있는 유기적 형태를 다루고 싶었다. 나는 작은 마르스 바이올렛 나선이 형태의 목소리나 심장, 또는 진정한 내면 부분이라고 생각했다.” 그 무렵 그녀는 삼각형과 다이아몬드 같은 비정상적인 형태의 캔버스에 그녀의 구성을 그리기 시작했다. 잠시 후, 그녀는 자신의 발명인 추상적이고 생물형 형태의 캔버스를 만들기 시작했다. 이것은 그녀의 구성을 문자 그대로 생명력 있게 만들었다. 그녀의 커피 컵 시리즈 중 하나인 'Yikes'라는 제목의 작품에 대해 머레이는 “나는 초기 입체파 풍경화에 대해 생각하고 있었다; 브라크의 풍경 중 하나 안으로 걸어 들어가는 것을 상상해보라.”고 회상했다.
Elizabeth Murray - installation view, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York
그녀의 비전의 완전한 성숙은 Everybody Knows (2007)와 같은 건축적 걸작에서 드러납니다. 이는 머레이가 사망하기 전 마지막으로 만든 그림입니다. 이 작품들의 복잡하고 시간 소모적인 제작 과정은 2003년 Art 21 에피소드에서 포착되었습니다. 에피소드에서 그녀는 종이에 구성을 그린 다음 각 형태에 맞는 캔버스를 제작하는 것으로 시작했습니다. 마지막으로 그녀는 형태가 있는 캔버스를 함께 연결하고 여러 겹의 페인트로 생명을 불어넣었습니다. 그녀의 최종 작품들은 머레이가 자신의 스튜디오에서 기른 뛰어난 재능의 증거입니다. 그럼에도 불구하고 예술계의 일부는 그녀의 노력을 폄하하며 그녀의 작품을 "저급 예술"이라고 부르고, 그것이 불러일으키는 기쁨을 조롱합니다. 이러한 비평가들은 예술 역사에 매료된 예술가의 근본적인 진지함, 색상의 고유한 힘과 형태, 그리고 사물 간의 관계를 이해하지 못하는 자신의 실패를 드러낼 뿐입니다. 어쨌든 이러한 비판은 지속적인 영향을 미치지 않았습니다. 그녀의 겸손함과 유머 감각에도 불구하고, 머레이는 단호하게 자신의 입장을 고수했습니다. 그녀를 폄하하려는 이들에 맞서 그녀의 전설적인 회복력은 그녀를 페미니즘의 아이콘으로 만들었습니다. 그녀는 위대한 추상 예술뿐만 아니라 인류애와 힘의 유산을 남겼습니다. 그녀는 많은 이들이 이전에 증명했듯이, 예술가들이 원하는 것을 만들 권리가 있으며, 강력하고 자신감 있는 뛰어난 작품은 항상 비평가보다 오래 살아남는다는 것을 증명했습니다.
Elizabeth Murray - installation view, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York
특집 이미지: 엘리자베스 머리 - 설치 전경, 뉴욕 현대 미술관, © 뉴욕 현대 미술관 아카이브
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필립 Barcio
